At se på billeder med Mary Heilmann
At se på billeder, en retrospektiv udstilling af Mary Heilmanns værker, som i øjeblikket vises på Londons Whitechapel Gallery, er afslappet, legende og dyb. Heilmanns værker fylder ikke blot rummet; de bebor det. De forvandler galleriet til et hjem. Abstrakte geometriske malerier; figurative skildringer af bølger og linjer på vejen om natten; keramiske kugler, der breder sig ud over en væg; pastelfarvede strandstole tilfældigt spredt omkring. I det øjeblik du træder ind i udstillingen, indser du, at der fortælles historier. Det føles mindre som at træde ind i en kunstudstilling og mere som at kravle ind i det rummelige træhus hos en betroet ven, hvor du nu inviteres til at udforske hendes minder og drømme.
Fortælling og fantasi i Mary Heilmanns kunst
Heilmanns værker handler om samtale. Idéer udveksles mellem værkerne, mellem Heilmann og hendes fortid og fremtid, mellem alle disse ting og hver eneste beskuer, der træder ind i rummet. At se på billeder spænder over fem årtier af Heilmanns karriere. Født og opvokset i Californien tog hun sin kandidatgrad fra Berkeley i 1967. Hun flyttede til New York City i 1968 og blev modtaget af sine kunstnerkolleger, hvor hun blev venner med Richard Serra og andre legendariske sjæle, mens hun hang ud på Max’s Kansas City, et lige så legendarisk samlingssted. Kvindefjendskhed over for kvindelige billedhuggere inspirerede Heilmann til at begynde at male. Hun mindes, “Jeg studerede ikke oljemalingens håndværk; jeg lærte det undervejs.”
Mary Heilmann - Chinatown, 1976, Olie på lærred
Mary Heilmann - JJ, 1986, Akryl og akvarel på lærred
Mary Heilmann, Whitechapel-udstilling 2016, Udstillingsudsigt
En mere fortællende stemning
Denne gennemarbejdede udstilling tager fat på hele den udvikling, Heilmann oplevede som kunstner. Den begynder med abstrakte, postmaleriske værker som Corona Borealis (1970) og Chinatown (1976), der refererer til minimalisme og farvestudierne af Josef Albers. Efterhånden som Heilmann får mere selvtillid som maler, ser vi hendes værker få en mere fortællende stemning. Hendes titler bliver mere personlige, og figurative elementer begynder at dukke op blandt de abstrakte billeder. Denne udvikling fanges stærkt i Ghost Chair (1989). På afstand virker dette rolige, hvide lærred med store blokke af rødt og gult som en punkrock-udgave af et geometrisk gitter af Piet Mondrian. Men når man ser nærmere, dukker det subtile billede af en næsten gennemsigtig hvid stol frem mellem de levende røde og gule rektangler, malet som en hyldest til Heilmanns venner, der gik bort af AIDS.
Mary Heilmann - Franz West, 1995, Olie på lærred
Mary Heilmann - Blå og hvide firkanter, 1997, Olie på lærred
Mary Heilmann - Livline, 1990-94, Olie på lærred
Mellem vanvid og matematik
Heilmanns oprigtighed og alsidighed gav hende til sidst nok anerkendelse til, at hun nød større frihed til at skabe og udstille den slags værker, hun ønskede. Hun vendte tilbage til sin skulpturelle baggrund og skabte keramiske værker som Piano (1983), sammenvævede formede lærreder som Livline (1990-94) og de helt californiske, drømmende strandstole, der både fungerer som æstetiske genstande og hvilesteder, hvor beskuere kan slappe af og overveje de øvrige værker. Oplevelsen af at se Heilmanns værker samlet ét sted er som at høre en episk fortælling fortalt af en betroet ven i bidder, ude af rækkefølge, men alligevel på en mærkelig måde meningsfuld.
Heilmann selv tog fat på den følelse i et interview med Hyperallergic i 2013, hvor hun sagde, “…det er som matematik uden tal eller symbolsk logik. Jeg forestiller mig, at vanvid kunne være som nogen, der ser på verden og skiller den ad og sætter den sammen igen uden nogensinde at kommunikere verbalt… Men så kommer folk som dig forbi, og vi har en samtale, og jeg finder ud af, hvordan det giver mening.”
Mary Heilmann: At se på billeder kan ses nu og frem til 21. august 2016 på Londons Whitechapel Gallery.
Fremhævet billede: Mary Heilmann - Rennys rette geometri af en bølge, 2011, Olie på træpanel
Alle fotos af IdeelArt
