De fede år i LA og Judy Chicagos tidlige værker

Judy Chicago er uden tvivl en af de mest indflydelsesrige kunstnere i dag. Hendes monumentale installation “Dinner Party” (1974-79), delvist minimalistisk ikon og delvist feministisk mesterværk, vakte både kritik og anerkendelse samtidig og etablerede hende som en kulturel pioner. Alligevel er der mange, der stadig ikke kender til hendes tidlige værker. Chicago har været et så vitalt og produktivt medlem af forposten siden 1970’erne, at mange af hendes eksperimentelle værker fra 1960’erne aldrig engang er blevet set af samtidige beskuere, inklusive mange af hendes største fans. Heldigvis afholder Villa Arson i Nice, Frankrig, denne sommer en nyskabende udstilling i forventning om en Judy Chicago retrospektiv, der åbner i december på Miami MOCA under Art Basel Miami Beach, som har til formål at bringe hendes tidlige eksperimenter frem i lyset og give dem den respekt, de fortjener. Udstillingen med titlen Los Angeles, the cool years / Judy Chicago tilbyder et detaljeret og intimt blik på de mange æstetiske faser, Chicago gennemgik frem mod skabelsen af “Dinner Party.” Den viser det utrolige spænd af idéer, denne kunstner udviklede i det vigtige årti, og giver et glimt af et ubestrideligt geni, som var, og stadig er, fuldstændig dedikeret til åbenhed og udvikling.

Kraften i et navn

Judith Sylvia Cohen blev født i Chicago, Illinois, i 1939. Hendes far, Arthur Cohen, var en liberal og åben rabbi, som også indpodede både Judy og hendes bror en værdsættelse af kunst og musik samt en forståelse for ligestilling mellem kønnene og respekt for arbejderes rettigheder. Judy var kun fem år gammel, da hun begyndte at tage undervisning på Art Institute of Chicago. Men desværre døde hendes far, da Judy kun var 13 år gammel. Fem år senere forlod Judy sin hjemby og flyttede til Californien, hvor hun begyndte som kunststuderende på UCLA. Der mødte hun sin første mand, Jerry Gerowitz, som tragisk omkom blot fem år senere i en bilulykke, hvilket efterlod Judy enke som 23-årig. Ud over disse ødelæggende tab af hendes far og første mand stod Judy over for den barske, ironiske erkendelse, at de eneste navne, hun nogensinde havde været kendt under, tilhørte mænd. På trods af sin kærlighed til dem nægtede hun at acceptere, at hun aldrig havde haft mulighed for at vælge sin egen identitet.

Judy Chicago - Flight Hood, 1965-2011. Spraymaling på motorhjelm af Corvair, 109 x 109 x 71,1 cm. Venligst udlånt af kunstneren og Salon 94 Gallery, New York. ADAGP 2018

Mens hun arbejdede mod sin kandidatgrad, kæmpede Judy med at forstå, hvad hendes sande identitet var, og spekulerede på, hvad hun skulle kalde sig selv. Omkring 1965 begyndte hun en serie malerier på bilhjelme, som indeholdt symbolik relateret til kønsroller og seksualitet. Overfladen taler samtidig smertefuldt til de omstændigheder, hvorunder hendes kærlighed for nylig var gået tabt. I 1967 blev et essay af Lucy Lippard og John Chandler med titlen “The Dematerialization of Art” udgivet, hvilket inspirerede Judy til at overveje den sande værdi af konkrete genstande og for den sags skyld materielle betegnelser relateret til identitet. Hun gav stemme til sine tanker om emnet i 1969 med en serie Atmosphere-værker, hvor fyrværkeri skabte skyer af flygtig røg. I 1970 nåede hendes arbejde et vendepunkt. Hun opløste sit tidligere jeg og trådte frem som en mere selvsikker, selvrealiseret kunstner. Som fejring satte hun en annonce i Artforum og hængte samtidig et banner op ved en af sine soloudstillinger, hvor der stod: “Judy Gerowitz frasiger sig hermed alle navne pålagt hende gennem mandlig social dominans og vælger sit eget navn, Judy Chicago.”

Judy Chicago - Evening Fan fra Fresno Fans-serien, 1971. Akryllak sprøjtet på akryl, 152,4 x 304,8 cm. Venligst udlånt af kunstneren og Salon 94 Gallery, New York. ADAGP 2018

Alle former og farver

Ved siden af de meget personlige værker, som Judy Chicago skabte i 1960’erne, lavede hun også flere værkserier, der tog fat på de mere akademiske spørgsmål, som rørte sig i kunstverdenen på det tidspunkt. Den nuværende udstilling på Villa Arson i Nice genskaber flere af disse banebrydende værker. Et af dem er “Feather Room” (1967), et hvidt kubeformet galleri fyldt med fjer op til knæene. Et andet, med titlen “Rearrangeable Rainbow Blocks” (1965), tilbyder et legende, fantasifuldt perspektiv på minimalisme, som modvirker det stoiske, mandligt dominerede synspunkt hos kunstnere som Donald Judd med noget flydende, kreativt og åbent. At se disse værker sammen med hendes bilhjelmsværker og billeder fra hendes Atmosphere-serie giver et langt mere komplekst billede af Chicago, end de fleste andre udstillinger tidligere har gjort. Denne udstilling portrætterer en kvik, intelligent og højt konceptuel person, som ikke er bange for at udtrykke både sin intellektuelle side og sin poetiske, menneskelige side. Det er en udstilling rig på følelser og fuld af hjerte, som giver os et medfølende, nuanceret glimt af Chicago, som denne kunstner fortjener.

Judy Chicago - Rearrangeable Rainbow Blocks, 1965. Lak på aluminium, 12 elementer: 6 blokke 30,5 x 30,5 x 121,9 cm og 6 blokke 61 x 61 x 30,5 cm. Venligst udlånt af kunstneren og Salon 94 Gallery, New York. ADAGP 2018

Derudover har Géraldine Gourbe, kuratoren for denne udstilling, fulgt den nyskabende idé at gentænke, hvad begrænsningerne for en soloudstilling normalt er. Hun kalder denne udstilling “en monografisk og kollektiv udstilling” og har kurateret den ud fra den betragtning, at vi ikke rigtig kan værdsætte det arbejde, Chicago lavede i denne afgørende periode i sit liv, uden også at se nogle vigtige værker af en række samtidige, som direkte påvirkede hende. Jeg elsker denne idé, at en soloudstilling også kan inkludere et lille udvalg af værker af andre kunstnere, som inspirerede den udvalgte kunstner til at skabe de værker, der vises. I dette tilfælde er de andre værker af Marcia Hafif, John McCracken, Robert Morris, Bruce Nauman, Pat O'Neill og DeWain Valentine, hver især en nyskaber på deres eget område. De hjælper med at vise, at selvom Chicago gik igennem nogle meget personlige omstændigheder, arbejdede og tænkte hun ikke i et vakuum. Desuden gør de intet for at formindske Chicago, men løfter faktisk hendes geni ved at præcisere, hvordan hun skilte sig ud fra de andre fremragende kunstnere i sin generation, selvom de hjalp med at forme hendes vision. Hvis du er i Frankrig denne sommer eller efterår og gerne vil opleve denne ekstraordinære udstilling selv, kan Los Angeles, the cool years / Judy Chicago ses på Villa Arson Nice frem til 4. november 2018.

Forsidebillede: Judy Chicago - Model for Fresno Fan #6, 1971. Akryllak sprøjtet på akryl, indrammede mål: 38,1 x 76,2 cm. Venligst udlånt af kunstneren og Salon 94, New York. ADAGP 2018

Af Phillip Barcio