De fede år i LA og Judy Chicagos tidlige værker

Judy Chicago er uden tvivl en af de mest indflydelsesrige kunstnere i dag. Hendes monumentale installation "Dinner Party" (1974-79), delvist Minimalistisk ikon og delvist Feministisk mesterværk, inspirerede samtidig kritik og anerkendelse og etablerede hende som en kulturel pioner. Alligevel er der mange, der stadig er uvidende om hendes tidlige værker. Chicago har været et så vitalt og produktivt medlem af avantgarden siden 1970'erne, at mange af hendes eksperimentelle værker fra 1960'erne aldrig er blevet set af nutidens seere, inklusive mange af hendes største fans. Heldigvis, denne sommer, i forventning om en Judy Chicago retrospektiv, der åbner i december på Miami MOCA under Art Basel Miami Beach, afholder Villa Arson i Nice, Frankrig, en innovativ udstilling, der har til formål at bringe hendes tidlige eksperimenter tilbage i lyset, for at give dem den respekt, de fortjener. Udstillingen har titlen Los Angeles, de cool år / Judy Chicago, og den tilbyder et detaljeret og intimt kig på de mange æstetiske faser, Chicago gennemgik op til skabelsen af "Dinner Party." Den viser det utrolige spektrum af ideer, denne kunstner udviklede i det vitale årti, og giver et glimt af et ubestridelig geni, der var, og stadig er, helt dedikeret til åbenhed og vækst.

Et navns magt

Judith Sylvia Cohen blev født i Chicago, Illinois, i 1939. Hendes far, Arthur Cohen, var en liberal og åben sindet rabbi, der også indpodede både Judy og hendes bror en værdsættelse for kunst og musik, samt en værdsættelse for ligestilling mellem kønnene og respekt for arbejdernes rettigheder. Judy var kun fem år gammel, da hun først begyndte at tage klasser på Art Institute of Chicago. Men desværre døde hendes far, da Judy kun var 13 år gammel. Fem år senere forlod Judy sin hjemby og flyttede til Californien, hvor hun tilmeldte sig som kunststuderende på UCLA. Der mødte hun sin første mand, Jerry Gerowitz, som tragisk nok døde kun fem år senere i en bilulykke, hvilket efterlod Judy som enke i en alder af 23. Sammen med disse ødelæggende tab, af sin far og første mand, fandt Judy sig selv konfronteret med den grusomme, ironiske tanke, at de eneste navne, hun nogensinde var blevet kendt under, tilhørte mænd. På trods af sin kærlighed til dem, havde hun imod sin vilje en modvilje mod, at hun aldrig havde haft chancen for at vælge sin egen identitet.

Judy Chicago - Flight Hood, 1965-2011. Spraymaling på Corvair-hætte, 109 x 109 x 71,1 cm. Venligst fra kunstneren og Salon 94 Gallery, New York. ADAGP 2018

Da hun arbejdede hen imod sin kandidatgrad, kæmpede Judy med at forstå, hvad hendes sande identitet var, og undrede sig over, hvad hun skulle kalde sig selv. Omkring 1965 begyndte hun en række malerier på bilmotorhætter, som involverede symbolik relateret til kønsroller og seksualitet. Overfladen taler samtidig smertefuldt om de omstændigheder, hvorunder hendes kærlighed for nylig var død. I 1967 blev et essay af Lucy Lippard og John Chandler med titlen "The Dematerialization of Art" offentliggjort, hvilket inspirerede Judy til at overveje den sande værdi af konkrete objekter, og for den sags skyld materielle etiketter relateret til identitet. Hun gav stemme til sine ideer om emnet i 1969 med en række Atmosphere-værker, hvor fyrværkeri skabte skyer af flygtig røg. I 1970 havde hendes arbejde hjulpet hende med at nå et øjeblik af beslutsomhed. Hun opløste sit tidligere jeg og dukkede op som en mere selvsikker, selvrealisert kunstner. I fejringen postede hun en annonce i Artforum og hængte samtidig et banner op ved en af hendes solo-udstillinger, som lød: "Judy Gerowitz fraskriver sig hermed alle navne, der er pålagt hende gennem mandlig social dominans, og vælger sit eget navn, Judy Chicago."

Judy Chicago - Aftenvifte fra Fresno Fans serien, 1971. Sprøjtet akryl på akryl, 152,4 x 304,8 cm. Venligst fra kunstneren og Salon 94 Galleri, New York. ADAGP 2018

Alle former og farver

Sammen med de meget personlige værker, som Judy Chicago skabte i 1960'erne, lavede hun også flere værkserier, der tog fat på de mere akademiske spørgsmål, der var under opsejling i kunstverdenen på det tidspunkt. Den nuværende udstilling på Villa Arson i Nice rekonstruerer flere af disse banebrydende værker. Et af dem er "Feather Room" (1967), et hvidt kube-galleri fyldt knædybt med fjer. Et andet, med titlen "Rearrangeable Rainbow Blocks" (1965), tilbyder et fantasifuldt, legende perspektiv på Minimalisme, der modvirker det stoiske, mandedominerede synspunkt fra kunstnere som Donald Judd med noget flydende, kreativt og åbent. At se disse værker sammen med hendes bilhjelmsstykker og billeder fra hendes Atmospheres-serie giver et meget mere komplekst billede af Chicago end de fleste andre udstillinger har givet tidligere. Denne udstilling portrætterer en vittig, intelligent, højt konceptuel person, der ikke er bange for at udtrykke både sin intellektuelle side og sin poetiske, menneskelige side. Det er en udstilling rig på følelser og fuld af hjerte, der giver os et sympatisk, velafrundet indblik i Chicago, som denne kunstner fortjener.

Judy Chicago - Omarrangerbare Regnbueblokke, 1965. Lakeret på aluminium, 12 elementer: 6 blokke 30,5 x 30,5 x 121,9 cm og 6 blokke 61 x 61 x 30,5 cm. Venligst fra kunstneren og Salon 94 Gallery, New York. ADAGP 2018

Derudover har Géraldine Gourbe, kuratoren for denne udstilling, forfulgt den innovative idé at genoverveje, hvad begrænsningerne for en soloudstilling normalt er. Hun kalder denne udstilling "en monografisk og kollektiv udstilling" og har kurateret den ud fra den betragtning, at vi ikke rigtig kan værdsætte det arbejde, Chicago udførte i denne essentielle periode i hendes liv, uden også at se nogle vigtige værker fra en række samtidige, der direkte påvirkede hende. Jeg elsker denne idé om, at en soloudstilling også kan inkludere et lille udvalg af værker fra andre kunstnere, der inspirerede den fremhævede kunstner til at lave de værker, der er udstillet. I dette tilfælde er de andre værker, der er udstillet, af Marcia Hafif, John McCracken, Robert Morris, Bruce Nauman, Pat O'Neill og DeWain Valentine, hver især en innovator i deres egen ret. De hjælper med at demonstrere, at på trods af at hun gik igennem nogle intenst personlige omstændigheder, arbejdede eller tænkte Chicago ikke i et vakuum. Desuden gør de intet for at mindske Chicago, men de hæver faktisk hendes geni ved præcist at specificere, hvordan hun adskilte sig fra de andre strålende kunstnere i sin generation, selvom de hjalp med at forme hendes vision. Hvis du er i Frankrig denne sommer eller efterår og gerne vil opleve denne ekstraordinære udstilling selv, Los Angeles, de kølige år / Judy Chicago er udstillet på Villa Arson Nice indtil 4. november 2018.

Fremhævet billede: Judy Chicago - Model for Fresno Fan #6, 1971. Sprøjtet akryl på akryl, indrammede dimensioner: 38,1 x 76,2 cm. Venligst fra kunstneren og Salon 94, New York. ADAGP 2018

Af Phillip Barcio