Wadsworth Atheneum Museum of Art hædrer den abstrakte ekspressionistiske skulptør Herbert Ferber
Herbert Ferber var en gåde. Han var en af de mest indflydelsesrige kunstnere i det 20th århundrede, og alligevel har de fleste mennesker i dag aldrig hørt om ham. Ferber omgås de mest berømte af de berømte—Pollock, Krasner, de Kooning, Motherwell, Rothko. Han udstillede endda sammen med dem i Betty Parsons Gallery. Faktisk var Ferber en af de 18 "Irascibles", der skrev et åbent brev til The Metropolitan Museum of Art i protest mod dets American Painting Today udstilling i 1950. Han er inkluderet i den berømte gruppe, der ledsagede Life Magazine-artiklen, som krediteres for at have introduceret Abstract Expressionism til verden. På trods af alle disse berømmelsespunkter er Ferber dog ikke ligefrem et husstandsnavn. En grund til dette kunne være, at det var sådan, han ønskede det. Ferber er ekstremt udfordrende at skrive om, fordi han var meget dedikeret til ideen om, at kunst burde være langt vigtigere end kunstnere. Han mente, at ideen bag værket er det, der bør diskuteres, og at spørgsmålet om, hvor godt ideen blev realiseret, bør være fokus for al kunstskrivning. Ikke desto mindre, så gyldig som dette noget eksistentielle synspunkt måtte være, synes det mig vigtigt at tale om kunstneren i en vis grad. Uden kunstnere og de særheder, der får dem til at gøre de ting, de gør, ville der slet ikke være nogen kunst at se på eller skrive om. Især i Ferbers tilfælde er detaljerne i hans personlige liv essentielle for de ideer, han udviklede. Hvis du ikke er bekendt med hans ideer, er dette det perfekte tidspunkt at blive bekendt med dem. En retrospektiv udstilling på Wadsworth Atheneum Museum of Art i Hartford, Connecticut, med titlen Herbert Ferber: Space in Tension, præsenterer 40 værker af kunstneren, der spænder over hans hele karriere og lægger grundlaget for at forstå hans betydning for udviklingen af abstrakt kunst.
Byg det op, bryd det ned
Født i New York City i 1906, kom Ferber til skulptur via tandlægeskolen. Han blev bedt om at lave anatomiske studier i klassen. En af hans instruktører anerkendte, at han var særligt talentfuld til at tegne kropsdele og anbefalede Ferber at forfølge kunst som en slags ekstra-tandlægehobby. Ferber tilmeldte sig straks aftenklasser på Beaux-Arts Institute of Design i New York. Selvom han dimitterede fra tandlægeskolen og endda praktiserede tandlægearbejde på deltid, opslugte hans passion for de ideer, han mødte i kunstskolen, hurtigt al hans fritid. Han begyndte med tegning og maleri, men følte snart en større tiltrækning til den konceptuelle verden af skulptur.
Herbert Ferber - Rutgers #6, 1959, © Estate of Herbert Ferber
Hans første skulpturelle eksperimenter involverede opbygning af lag af gips for at skabe figurative modeller af den menneskelige figur. Ferber henviste til denne proces med at opbygge en skulpturel form med lag som en "tids-hædret" tradition. Alligevel krævede hans nysgerrighed, at han forfulgte andre metoder. Han var imponeret over, hvordan romansk arkitektur skabte en falsk følelse af skala og perspektiv. Han kunne lide, hvordan det tomme rum inden i, lad os sige, en kirke, fik lige så meget betydning som den fysiske struktur selv. Han blev inspireret af denne idé om en ramme, der samarbejder med åbent rum. At opbygge en skulptur, eller endda at udskære en skulptur, kunne ikke opnå den samme følelse af rum, så han besluttede at arbejde med metal. Svejseprocessen gjorde det muligt for ham at skabe, hvad han kaldte "åbne skulpturer", eller former der blev samlet for at inkorporere både solide materialer og tomt rum.
Herbert Ferber - Apokalyptisk Rytter II, 1947, © Herbert Ferbers Ejendom
Gestural Abstrakt Skulptur
Den første store udstilling, Ferber fik, var på Betty Parsons Gallery. Den omfattede, hvad han kaldte "gestural" skulpturer - "naturalistiske" former med "en slags gestural arrangement." Værket blev af nogle kritikere betragtet som Surrealistisk og af andre som abstrakt. Ferber sagde, at ingen af beskrivelserne var helt nøjagtige. Han eksperimenterede bare med måder at nå frem til enkle ideer. Han ønskede at lave former, der gennemborede rummet. Han ønskede at forstå, hvad forskellen er mellem form og rum. Han ønskede at udforske, hvordan en fysisk gestus kunne manifestere sig som et solidt objekt. Han ønskede at lade sine materialer og processer udtrykke deres sandhed. Disse, påpegede Ferber, var de emner, som alle kunstnerne fra New York-skolen talte om på det tidspunkt. De var dog ikke vigtige emner for det købende publikum, som i høj grad ignorerede Ferber og de fleste af hans samtidige, i det mindste i de tidlige dage.
Herbert Ferber - Hyldest til Piranesi IV B, 1963-64, © Herbert Ferbers ejendom
På trods af at være fattig og stort set ignoreret, forblev Ferber og de andre filosofiske og idealistiske. Han husker, at han talte uendeligt med andre kunstnere om et enkelt kunstværk, og dykkede dybere og dybere ind i dets konceptuelle konsekvenser. Som han sagde i et interview i 1968 for Smithsonian Archives of American Art, "vi talte ikke den slags butik, som jeg hører i dag, som er hvor du viser eller hvad du sælger, eller hvilke kommissioner du har fået. Men det handlede altid om de ideer, der var involveret i at bryde væk fra eller udvikle sig mod en ny form eller en ny idé." Til sidst modnedes disse ideer til de veletablerede samtalepunkter, der nu definerer utallige museumsekspositioner og essays om amerikansk kunst fra midten af det 20. århundrede. Ferber gik dog videre end dem. Han fortsatte med at udvikle sig og presse sig selv i sit atelier. Hver beslutning, han tog som kunstner, gjorde det muligt for ham at opfylde en idé, og det forblev hans primære fokus indtil slutningen. Hans modvilje mod selvforherligelse kan have holdt ham under radaren for massemedierne, da han altid gav kredit til ideerne og ikke sit navn, men det gav også hans arbejde autenticitet, vitalitet og kraft. Herbert Ferber: Space in Tension kører frem til 29. juli 2018 på Wadsworth Atheneum Museum of Art.
Fremhævet billede: Herbert Ferber: Space in Tension, installationsvisning på Wadsworth Atheneum Museum of Art, © Wadsworth Atheneum Museum of Art
Alle billeder er kun til illustrative formål
Af Phillip Barcio
