Hvad var dematerialiseringen af kunstobjektet?

Lucy Lippard—en kæmpe inden for amerikansk kunstkritik, forfatter til mere end 20 bøger og medstifter af Printed Matter, den ultimative forhandler af bøger lavet af kunstnere—blev 80 år i år. På trods af hendes mange andre bedrifter er Lippard bedst kendt for “The Dematerialization of Art,” et essay hun skrev sammen med John Chandler i 1968 (tilgængeligt online her). I essayet fremlagde Lippard beviser for, at kunsten måske var ved at gå ind i en fase af ren intellektualisme, hvilket kunne resultere i den fuldstændige forsvinden af det traditionelle kunstobjekt. Teksten udsprang af, og hjalp med at sætte i perspektiv, det foregående årti med vildt opfindsom konceptuel kunst, som ofte kun efterlod flygtige, ikke-arkiverbare levn eller slet ingen levn udover måske optagelser af oplevelser. Konceptuelle kunstnere var dedikerede til at gøre idéer til det centrale i deres arbejde, og mange argumenterede overbevisende for, at de objekter, kunstnere skaber for at udtrykke deres idéer, blot er affaldsprodukter, og at idéerne selv er de eneste ting, der er værd at tage i betragtning. Essayet var enormt indflydelsesrigt på det tidspunkt: så meget, at Lippard fulgte op med en bog kaldet Six Years, hvor hun grundigt analyserede beviser for tendensen. Men åbenlyst var hendes forudanelse på lang sigt unøjagtig, da kunstobjekter stadig ikke er forsvundet. Ikke desto mindre, i fejringen af den kommende 50-års jubilæum for den oprindelige udgivelse af The Dematerialization of Art, tænkte vi, at vi ville tage et øjeblik til at dykke ned i dette indflydelsesrige essay og fremhæve, hvad der er relevant for vores tid.

Kunstens Videnskab

Lippard baserede de centrale begreber, hun diskuterede i The Dematerialization of Art på en idé først fremlagt i en bog kaldet The Mathematical Basis of the Arts, skrevet af den amerikanske maler Joseph Schillinger. I den bog delte Schillinger hele kunsthistorien op i fem kategorier af æstetiske fænomener. Først, forklarede han, kom den “præ-æstetiske” fase af efterligning. Dernæst kom ritualistisk eller religiøs kunst. Så kom følelsesbetonet kunst. Derefter rationel, empirisk baseret kunst. Og så den femte, og angiveligt “sidste” æstetiske fase, som Schillinger beskrev som “videnskabelig” eller det, han kaldte “post-æstetisk.” Denne sidste fase, forudsagde han, ville kulminere i “frigørelsen af idéen” og føre til “opløsningen af kunsten.”

Mens hun overvejede kunstens udvikling gennem 1950’erne og 60’erne, mente Lippard, at det, hun var vidne til, var fremkomsten af denne femte fase af kunsten. Og hun var begejstret for tanken. Hun betragtede afmaterialisering som et positivt, vitalt skift. Når alt kommer til alt, hvis det æstetiske objekt kunne ophøre med at eksistere som kunstens centrale fokus, kunne kunsten frigøres fra varegørelse, det ofte afskyelige system, der udøver så meget ødelæggende kraft på mange kunstneres liv og arbejde.

Joseph Schillinger - Grønne firkanter, fra serien The Mathematical Basis of the Arts, ca. 1934, tempera på pap, Smithsonian, foto via rendaan.com

Varernes Videnskab

Som bevis for at afmaterialisering var begyndt, nævnte Lippard bevægelser som Light and Space, der var visuelle af natur, men ikke objektbaserede, og Minimalisme, som drastisk reducerede det æstetiske objekt. Sådanne bevægelser mente hun mindskede vigtigheden af det visuelle aspekt af et kunstværk og definerede det visuelle som mere et springbræt til en immateriel, intellektuel oplevelse. Men en af de tidlige og åbenlyse kritikpunkter af The Dematerialization of Art var, at selvom disse flygtige, konceptuelle idéer var mindre objektbaserede, resulterede de stadig i fysiske fænomener. Selv en performancekunstner skaber en ting—en optræden—som kan sælges som en oplevelse eller optages.

Uanset hvor lille et levn en kunstner skaber, kan det blive genstand for tilbedelse og handles som en vare. Den eneste måde fuldstændigt at undgå muligheden for varegørelse er aldrig at dele en idé: så kan måske ærbødigheden og helligheden af den intellektuelle oplevelse bevares. Men kun delte idéer kan virkelig kaldes kunst. Og så snart en idé deles, kan den besiddes, manipuleres og udtrykkes på andre måder, eller med andre ord, materialiseres. Og så snart noget materialiseres, kan det købes og sælges som en vare.

Joseph Schillinger - Ufuldstændig studie i rytme, serie udviklet fra The Mathematical Basis of the Arts, ca. 1934, kridt og blyant på illustrationstavle, ark: 37,78 x 50,48 cm, Samling Albright-Knox Kunstgalleri, Buffalo, New York

De Fem Faser

Ved genlæsning af The Dematerialization of Art i dag, synes den eneste egentlige fejl at være, hvordan den præsenterer de fem faser af kunsten, som forklaret af Schillinger, som noget lineært. Det er altid fristende for hver generation at se sig selv som stående forrest i moderniteten. Schillinger mente, at kunsten historisk havde udviklet sig gennem faser, og Lippard mente, at hun var en del af den generation, der førte kunsten mod dens evolutionære højdepunkt. Men tiden bevæger sig ikke fremad; den går bare. Kulturen er ikke lineær; den gentager sig selv. Menneskeheden forfalder lige så hurtigt, som den udvikler sig. Og sandheden var i 1960’erne og 70’erne, og er stadig i dag, at kunstnere finder måder at afmaterialisere på lige så hurtigt, som andre genopdager, hvordan man materialiserer det.

I sidste ende må Lippard også have indset dette, selv mens hun skrev om emnet afmaterialisering, for hendes essay slutter med at spørge, om det såkaldte nulpunkt i kunsten sandsynligvis snart vil blive nået. Svaret, siger hun, er: “Det virker næppe sandsynligt.” Selv i dag, hvor kunstnere sælger virtuelle kreationer, der kun eksisterer i det digitale rum, kan vi stadig hævde, at afmaterialisering er en fantasi. Alt, der kan ses, er per definition materielt, selvom det kun kan ses gennem virtuelle virkelighedsbriller. Men efter vores mening beviser det kun, at det måske aldrig rigtig var meningen at opnå afmaterialisering. Det, Lippard virkelig sagde, var ganske enkelt, at en vigtig del af billedkunsten er utrætteligt at søge efter, hvordan man kan udtrykke mere med mindre. Enhver kunstner, der arbejder mod afmaterialisering, arbejder også mod enkelhed. Og enkelhed fører til opdagelsen af, hvad der virkelig er uundværligt, og dermed virkelig meningsfuldt. Det er bestemt ikke kunstens sidste fase. Men det er en, der kan minde os om, hvad kunstens sande værdi er.

Fremhævet billede: Joseph Schillinger - Rød rytme (detalje), serie udviklet fra The Mathematical Basis of Ars, ca. 1934, gouache på papir, billedområde: 20,32 x 30,32 cm; ark: 26,67 x 35,24 cm, Samling Albright-Knox Kunstgalleri, Buffalo, New York

Alle billeder anvendt til illustration alene

Af Phillip Barcio