Hvad var dematerialiseringen af kunstobjektet?

Lucy Lippard—gigant inden for amerikansk kunstkritik, forfatter til mere end 20 bøger og medstifter af Printed Matter, den essentielle sælger af bøger lavet af kunstnere—fyldte 80 år i år. På trods af hendes mange andre præstationer er Lippard bedst kendt for “The Dematerialization of Art,” et essay hun co-forfattede i 1968 med John Chandler (tilgængeligt online her.) I essayet præsenterede Lippard beviser for, at kunsten måske er ved at gå ind i en fase af ren intellektualisme, hvis resultat kunne være den fuldstændige forsvinden af det traditionelle kunstobjekt. Stykket voksede ud af, og hjalp med at kontekstualisere, det foregående årti eller deromkring af vildt opfindsom konceptuel kunst, som ofte efterlod sig kun flygtige, ikke-arkivmæssige relikvier, eller ingen relikvier overhovedet, bortset fra måske optagelser af oplevelser. Konceptuelle kunstnere var dedikeret til at gøre ideer til det centrale fokus for deres arbejde, og mange argumenterede overbevisende for, at de objekter, kunstnere laver for at udtrykke deres ideer, ikke er andet end affaldsprodukter, og at ideerne selv er de eneste ting, der er værd at overveje. Essayet var enormt indflydelsesrigt på det tidspunkt: så meget, at Lippard fulgte op med en bog kaldet Six Years, der grundigt analyserede beviser for tendensen. Men åbenbart var hendes forudsigelse på lang sigt unøjagtig, da kunstobjekter stadig ikke er blevet dematerialiseret. Ikke desto mindre, i fejringen af den kommende 50-års jubilæum for den oprindelige offentliggørelse af The Dematerialization of Art, tænkte vi, at vi ville tage et øjeblik til at dykke ned i dette indflydelsesrige essay og fremhæve, hvad der er relevant for vores tid.

Videnskaben om kunst

Lippard baserede de centrale begreber, hun diskuterede i The Dematerialization of Art, på en idé, der først blev fremlagt i en bog kaldet The Mathematical Basis of the Arts, skrevet af den amerikanske maler Joseph Schillinger. I den bog delte Schillinger hele kunsthistorien op i fem kategorier af æstetiske fænomener. Først forklarede han, kom den "præ-æstetiske" fase af efterligning. Dernæst kom ritualistisk eller religiøs kunst. Så kom følelsesmæssig kunst. Så rationel, empirisk baseret kunst. Og så den femte, og angiveligt "endelige" æstetiske fase beskrevet af Schillinger var "videnskabelig", eller hvad han kaldte "post-æstetisk." Denne sidste fase, forudså han, ville kulminere i "befrielsen af idéen" og føre til "desintegration af kunst."

Mens hun overvejede udviklingen af kunst i 1950'erne og 60'erne, mente Lippard, at det hun var vidne til, var fremkomsten af denne femte fase af kunst. Og hun var begejstret for denne idé. Hun betragtede dematerialisering som et positivt, vitalt skift. Når alt kommer til alt, hvis det æstetiske objekt kunne ophøre med at eksistere som det centrale fokus for kunst, så kunne kunsten frigøres fra kommodificering, det ofte afskyelige system, der udøver så meget destruktiv kraft på livet og arbejdet for mange kunstnere.

Joseph Schillinger - Grønne firkanter, fra serien, Den matematiske basis for kunsten, ca. 1934, tempera på pap, Smithsonian, foto via rendaan.com

Varevidenskab

Som bevis på, at dematerialisering var begyndt, nævnte Lippard bevægelser som Light and Space, som var visuelle af natur, men ikke objektbaserede, og Minimalisme, som drastisk reducerede det æstetiske objekt. Sådanne bevægelser mente hun mindskede betydningen af det visuelle aspekt af et kunstværk, idet det visuelle blev defineret som mere et springbræt for en immateriel, intellektuel oplevelse. Men en af de tidlige og åbenlyse kritikpunkter af The Dematerialization of Art var, at selvom disse flygtige, konceptuelle begreber var mindre objektbaserede, resulterede de stadig i fysiske fænomener. Selv en performancekunstner skaber en ting—en performance—som kan sælges som en oplevelse eller optages.

Uanset hvor lille et relikvie en kunstner skaber, kan det blive fetishiseret og handlet som en vare. Den eneste måde at undgå muligheden for kommercialisering helt er at aldrig dele en idé: så måske kan ærbødigheden og helligheden af den intellektuelle oplevelse bevares. Men kun delte idéer kan virkelig kaldes kunst. Og så snart en idé deles, kan den besiddes, manipuleres og udtrykkes på andre måder, eller med andre ord, materialiseres. Og så snart noget materialiseres, kan det købes og sælges som en vare.

Joseph Schillinger - Ufuldendt Studie i Rytme, Serie udviklet fra De Matematiske Grundlag for Kunsten, ca. 1934, kridt og blyant på illustreringsplade, ark: 14 7/8 x 19 7/8 tommer (37,78 x 50,48 cm), Samling Albright-Knox Kunstgalleri, Buffalo, New York

De fem faser

At læse The Dematerialization of Art igen i dag, er den eneste sande fejl, der synes åbenlys, hvordan den præsenterer de fem faser af kunst, som forklaret af Schillinger, som noget lineært. Det er altid fristende for hver generation at se sig selv som stående på forkant med moderniteten. Schillinger mente, at kunsten historisk havde udviklet sig gennem faser, og Lippard mente, at hun var en del af den generation, der fremadskred kunsten mod dens evolutionære top. Men tiden bevæger sig ikke fremad; den passerer bare. Kultur er ikke lineær; den gentager sig selv. Menneskeheden udvikler sig lige så hurtigt, som den udvikler sig. Og sandheden var i 1960'erne og 70'erne, og er stadig i dag, at kunstnere finder måder at dematerialisere sig på lige så hurtigt, som andre genopdager, hvordan man materialiserer det.

I sidste ende må Lippard også have indset dette, selv mens hun skrev om emnet dematerialisering, fordi hendes essay afsluttes med at spørge, om det såkaldte nulpunkt i kunst er sandsynligt at blive nået snart. Svaret, siger hun, er: "Det virker næppe sandsynligt." Selv i dag, når kunstnere sælger virtuelle kreationer, der kun eksisterer i digitalt rum, kan vi stadig argumentere for, at dematerialisering er en fantasi. Alt, hvad der kan ses, er per definition materielt, selvom det kun kan ses gennem virtual reality-briller. Men efter vores mening beviser det kun, at måske var det aldrig virkelig pointen at opnå dematerialisering. Den pointe, Lippard virkelig gjorde, var simpelthen, at et vigtigt aspekt af visuel kunst er at engagere sig utrætteligt i søgen efter at opdage, hvordan man kan udtrykke mere med mindre. Enhver kunstner, der arbejder mod dematerialisering, arbejder også mod enkelhed. Og enkelhed fører til opdagelsen af, hvad der virkelig er uundgåeligt, og dermed virkelig meningsfuldt. Det er bestemt ikke den endelige fase af kunst. Men det er en, der er i stand til at minde os om, hvad værdien af kunst virkelig er.

Fremhævet billede: Joseph Schillinger - Rød Rhythmus (detalje), Serie udviklet fra The Mathematical Basis of Ars, ca. 1934, gouache på papir, billedeområde: 8 x 11 15/16 tommer (20,32 x 30,32 cm); ark: 10 1/2 x 13 7/8 tommer (26,67 x 35,24 cm), Samling Albright-Knox Art Gallery, Buffalo, New York

Alle billeder er kun til illustrative formål

Af Phillip Barcio