6 wichtige südasiatische weibliche abstrakte Künstlerinnen

Eine weitere Museumsausstellung, die durch die COVID-19-Pandemie in den Hintergrund gedrängt wurde, ist Fault Lines: Zeitgenössische Abstraktion von Künstlerinnen aus Südasien, die Anfang Frühling im Philadelphia Museum of Art eröffnet wurde, kurz bevor die Stadt in den Lockdown ging. Die Ausstellung konzentriert sich auf Werke von sechs südasischen abstrakten Künstlerinnen: Tanya Goel, Sheela Gowda, Priya Ravish Mehra, Prabhavathi Meppyail, Nasreen Mohamedi und Zarina. Die Zusammenstellung ist generationenübergreifend und vereint eine breite Palette ästhetischer Positionen, wobei nur eine kleine Auswahl der Vielfalt gezeigt wird, die innerhalb der zeitgenössischen abstrakten Kunst Südasien existiert. Wie der Titel der Ausstellung andeutet, nutzt jedes Werk das formale Element der Linie. Ebenso wichtig ist jedoch das Wort „Fault“ (Bruch). Die Kuratorin Amanda Sroka entschied sich eindeutig dafür, Künstlerinnen und Werke in den Mittelpunkt zu stellen, die über formalistische Anliegen hinausgehen und in den Bereich umfassender kultureller Kommentare eintauchen. Immer wieder verschmelzen in der Ausstellung Materialität und Bedeutung, während diese Künstlerinnen unsere verschiedenen Brüche auseinandernehmen, um die Grenzbereiche, die sich wandelnden und transformierenden Zonen zu untersuchen, in denen unsere dringendsten gesellschaftlichen Anliegen stattfinden, und poetische Kommentare zu Themen wie Geschlechterrollen, Klimawandel, menschliche Migration, politische Konflikte, persönliche Identität und religiöse Intoleranz liefern. IdeelArt bietet einen genaueren Blick auf die Arbeitsweisen jeder der sechs Künstlerinnen, die in dieser Ausstellung gezeigt werden, die am 6. September wieder eröffnet wird.

Zarina Hashmi (geb. 1937, Aligarh, gest. 2020, London)

IdeelArt stellte diese außergewöhnliche Künstlerin, die es vorzog, einfach Zarina genannt zu werden, erstmals vor, als sie im vergangenen Mai verstarb. Tief geprägt von der Teilung Indiens in ihrer Kindheit widmete Zarina ihre Atelierarbeit der Erforschung dessen, was es bedeutet, persönliche Erfahrungen durch Kunst auszudrücken. Ihre Kompositionen rufen die Sprache der geometrischen Abstraktion hervor und beziehen visuelle Bezüge auf ihre wechselnden Erinnerungen an ein Zuhause, das nie an einem festen Ort war, wie Karten, Häuser und handgeschriebene Briefe, mit ein. Als lebenslange Migrantin selbst ist das in Fault Lines gezeigte Werk ihre inzwischen ikonische Holzschnittserie „These Cities Blotted into the Wilderness (Adrienne Rich nach Ghalib)“ (2003), die Luftaufnahmen von kriegszerstörten Orten, an denen Grenzen fließend sind, in minimalistische, lineare Schwarz-Weiß-Kompositionen verwandelt.

 

Zarina Hashmi - 9 Werke: These Cities Blotted into the Wilderness (Adrienne Rich nach Ghalib), 2003. Mappe mit neun Holzschnitten mit Urdu-Text, schwarz gedruckt auf Okawara-Papier und auf Somerset-Papier montiert. Blattgröße: 40,6 x 35,5 cm. Alle Auflage 5/20. © Zarina Hashmi

 

Nasreen Mohamedi (geb. 1937, Karachi, gest. 1990, Vadodara)

Eine Zeitgenossin mehrerer Mitglieder der Bombay Progressive Artists Group – einer lockeren Vereinigung von Künstlern Mitte des 20. Jahrhunderts, die sich der Verbindung der vorherrschenden Stile Indiens mit denen der zeitgenössischen westlichen Kultur widmeten – wurde Nasreen Mohamedi vom Spiritualismus Wassily Kandinskys und Kasimir Malewitschs inspiriert. Sie entwickelte eine unverwechselbare Bildsprache, die es ihr erlaubte, ihre Auseinandersetzung mit Zeit, Raum und der natürlichen Welt in nuancierte geometrisch-abstrakte Kompositionen zu destillieren. Obwohl häufig komplex und vielschichtig, besitzen ihre linienbasierten Zeichnungen eine nachdenkliche Ruhe.

 

Nasreen Mohamedi - Ohne Titel, 1975. Tusche und Gouache auf Papier. 48,3 x 61 cm. The Metropolitan Museum of Art.

 

Sheela Gowda (geb. 1957, Bhadravati)

Der Prozess, ihre Kunstwerke selbst physisch zu erschaffen, ist für Sheela Gowda wesentlich. Sie baut ihre Skulpturen und Installationen aus Alltagsmaterialien, die Frauen in Indien in ihren Handwerken und Arbeitsaktivitäten verwenden. Als Pigment verwendet sie gerne Kumkuma-Pulver, das bei spirituellen Zeremonien in Indien zur Färbung der Stirn genutzt wird und mit den sieben menschlichen Energiezentren, den Chakren, in Verbindung gebracht werden kann. Gowda hat zwei Werke in Fault Lines: eines aus Öldosen, das einem rechteckigen, provisorischen Haus ähnelt; und eines, das Kuhdungziegel und Pigment verwendet, um eine gebogene, minimalistische Linie auf dem Boden zu schaffen. Obwohl ihre Werke häufig erzählerische Elemente enthalten und eindeutig mit zeitgenössischen feministischen Anliegen verbunden sind, glaubt Gowda, dass die Bedeutung in ihren materiellen Realitäten eingebettet ist, und betrachtet ihre Werke als offen und abstrakt.

 

Sheela Gowda - Ohne Titel, 1997, Installationsansicht. 10 Teile: Faden, Pigment, Nadeln. Maße variieren (ca. 305 x 762 cm) +91 Foundation (Sammlung von Shumita und Arani Bose), New York. Foto mit freundlicher Genehmigung des Philadelphia Museum of Art.

 

Priya Ravish Mehra (1961 - 2018, Neu-Delhi)

Durch ihre Spezialisierung auf Textilweberei entwickelte Priya Ravish Mehra eine multidisziplinäre Praxis, die auf poetische Weise die Schnittstelle von bildender Kunst, Handwerk und Alltag beleuchtet. Ihre zarten gewebten Papierarbeiten besitzen eine intensive, aber feine Schönheit und Struktur. Mehra war als Expertin für die wenig verstandene Arbeit der Rafoogari bekannt, Personen, die beschädigte Kleidung und andere Textilien stopfen oder erhalten. Sie hatte familiäre Wurzeln in dieser Tradition und sah Rafoogars als Heiler des Stoffes. Sie erklärte, dass ihre Rafoogari-Werke, die mit denselben traditionellen Methoden komplexe, vielschichtige, dreidimensionale, abstrakte Kompositionen schaffen, als ihre Versuche interpretiert werden könnten, „den korrodierten Stoff des Lebens“ zu heilen. Das in Fault Lines gezeigte Werk verbindet die Handwerke der Papierherstellung und Weberei und vermischt eine Sprache aus geometrischen und biomorphen Linien und Formen als ikonisches Beispiel ihrer totemischen, minimalistischen Vision.

 

Priya Ravish Mehra - Ohne Titel 5, 2016. Jutestofffragment mit Daphne-Fasern. 62,2 x 45,7 cm. © Priya Ravish Mehra

 

Prabhavathi Meppayil (geb. 1965, Najibabad)

Mit familiären Wurzeln in Schmuck- und Metallverarbeitung und einem Atelier, das von Goldschmieden umgeben ist, sind Metalle für die Arbeit von Prabhavathi Meppayil von entscheidender Bedeutung. Doch ihre Verwendung dieses Materials hat wenig mit Schmuck oder Nutzen zu tun. Sie interessiert sich für die Art und Weise, wie Metall mit ihren skulpturalen Trägern koexistiert, die meist weiß oder eine andere gedämpfte Einfarbigkeit aufweisen. Sie schafft minimalistische, gitterartige Kompositionen mit verschiedenen Metallelementen, die die Präsenz einer Art Schrift gegen den leeren Hintergrund annehmen. Das für Fault Lines geschaffene Werk besteht aus einer Reihe von sechzehn quadratischen Tafeln, die mit weißem Gesso bemalt sind. In die Oberflächen der Tafeln sind Kupferdrähte eingebettet. Das Gesso verdeckt die Drähte teilweise und verwandelt das Werk in eine Art Palimpsest, ein Manuskript, das gerade gelöscht wird. Die abstrakten Qualitäten des Werks stehen im Gegensatz zu der wörtlichen Bedeutung, dass diese Künstlerin die Geschichte ihres Materials löscht und neu schreibt.

 

Prabhavathi Meppayil - se/hundred and six, 2018. Gesso-Tafel mit Thinnam geprägt. 80,96 x 94,3 x 2,86 cm. Esther Schipper © Andrea Rossetti

 

Tanya Goel (geb. 1985, Neu-Delhi)

Tanya Goel stellt ihre eigenen Farbpigmente aus Materialien her, die sie auf Baustellen in Neu-Delhi sammelt. Die farbenfrohen, komplexen, vielschichtigen, geometrischen Muster, die sie mit diesen Pigmenten schafft, sind mit einer Art materieller Landkarte der Transformation des zeitgenössischen Indiens durchdrungen. Ihre Kompositionen könnten auch einfach als Visualisierung mathematischer Formeln interpretiert werden, die Goel konstruiert und dann frei verletzt, schwankend zwischen Ordnung und Freiheit. Für Fault Lines schuf Goel eine ortsspezifische Installation, die eine minimalistische, lineare Komposition aus natürlichem Ziegel mit Indigo-Pulverpigment verwendet, die mit der Art von Reißleine an die Wand geschlagen wurde, wie sie Bauarbeiter verwenden, um den Meeresspiegelanstieg zu kartieren.

 

Tanya Goel - Notation in x, y, z, 2015. Graphit, Pigment und Öl auf Leinwand. 213,3 x 274,3 cm. © Tanya Goel

 

Fault Lines: Zeitgenössische Abstraktion von Künstlerinnen aus Südasien ist bis zum 25. Oktober 2020 im Philadelphia Museum of Art zu sehen.

 

Abgebildet: Tanya Goel - Mechanisms 3, 2019. Gefärbte Papiersilk, Graphitstifte, Farbstifte und Acryl auf Leinwand. 243 x 198 cm. © Tanya Goel
Alle Bilder dienen nur zur Veranschaulichung
Von Phillip Barcio