6 wichtige südasiatische weibliche abstrakte Künstlerinnen

Eine weitere Museumsausstellung, die durch die COVID-19-Pandemie ins Abseits gedrängt wurde, ist Fault Lines: Contemporary Abstraction by Artists from South Asia, die im frühen Frühling im Philadelphia Museum of Art eröffnet wurde, kurz bevor die Stadt in den Lockdown ging. Die Ausstellung konzentriert sich auf Werke von sechs südasiatischen weiblichen abstrakten Künstlerinnen: Tanya Goel, Sheela Gowda, Priya Ravish Mehra, Prabhavathi Meppyail, Nasreen Mohamedi und Zarina. Die Kuratierung ist multigenerational und vereint ein breites Spektrum ästhetischer Positionen, das nur eine kleine Auswahl der Vielfalt beleuchtet, die innerhalb der zeitgenössischen Abstraktion aus Südasien existiert. Wie der Titel der Ausstellung andeutet, nutzt jedes Stück auf irgendeine Weise das formale Element der Linie. Doch ebenso wichtig ist das Wort „Fehler“. Kuratorin Amanda Sroka hat eindeutig die Entscheidung getroffen, Künstlerinnen und Werke in den Mittelpunkt zu stellen, die über formalistische Anliegen hinausgehen, in den Bereich breiterer kultureller Kommentare. Immer wieder in der Ausstellung verschmilzt Materialität mit Bedeutung, während diese Künstlerinnen unsere verschiedenen Fehler auseinanderreißen, um die liminalen, transformierenden, sich verändernden Zonen zu untersuchen, in denen unsere drängendsten sozialen Anliegen zum Ausdruck kommen, und poetische Kommentare zu Themen wie Geschlechterrollen, Klimawandel, menschliche Migration, politische Konflikte, persönliche Identität und religiöse Intoleranz zu liefern. IdeelArt bietet einen genaueren Blick auf die Praktiken jeder der sechs Künstlerinnen, die in dieser Ausstellung vertreten sind und die am 6. September wiedereröffnet wird.

Zarina Hashmi (geb. 1937, Aligarh, gest. 2020, London)

IdeelArt stellte diese außergewöhnliche Künstlerin, die einfach Zarina genannt werden wollte, erstmals vor, als sie im vergangenen Mai starb. Tief betroffen von der Teilung Indiens in ihrer Kindheit, widmete Zarina ihre künstlerische Praxis der Erforschung dessen, was es bedeutete, ihre persönlichen Erfahrungen durch Kunst auszudrücken. Ihre Kompositionen beschwören die Sprache der geometrischen Abstraktion herauf und integrieren visuelle Referenzen an ihre sich verändernden Erinnerungen an ein Zuhause, das nie an einem festen Ort war, wie Karten, Häuser und handgeschriebene Briefe. Als lebenslange Migrantin ist das in Fault Lines enthaltene Werk ihre mittlerweile ikonische Holzschnittserie „These Cities Blotted into the Wilderness (Adrienne Rich nach Ghalib)“ (2003), die Luftkarten von kriegsgeplagten Orten, an denen Grenzen fließend sind, in minimale, lineare, schwarz-weiße Kompositionen reduziert.

Zarina Hashmi - 9 Werke: Diese Städte in die Wildnis getilgt (Adrienne Rich nach Ghalib), 2003. Portfolio mit neun Holzschnitten mit in Schwarz auf Okawara-Papier gedrucktem Urdu-Text und auf Somerset-Papier montiert. Blattgröße: 16 x 14 Zoll (40,6 x 35,5 cm). Alle Auflagen 5/20. © Zarina Hashmi

Nasreen Mohamedi (geb. 1937, Karachi, gest. 1990, Vadodara)

Eine Zeitgenossin mehrerer Mitglieder der Bombay Progressive Artists Group – einer lockeren Koalition von Künstlern in der Mitte des 20. Jahrhunderts, die sich der Verbindung der vorherrschenden Stile Indiens mit denen der zeitgenössischen westlichen Kultur widmeten – wurde Nasreen Mohamedi von dem Spiritualismus Wassily Kandinskys und Kazimir Malevichs inspiriert. Sie entwickelte eine unverwechselbare visuelle Sprache, die es ihr ermöglichte, ihre Interaktionen mit Zeit, Raum und der natürlichen Welt in nuancierten geometrischen abstrakten Kompositionen zu destillieren. Obwohl häufig komplex und vielschichtig, besitzen ihre linienbasierten Zeichnungen eine kontemplative Stille.

Nasreen Mohamedi - Untitled, 1975. Tinte und Gouache auf Papier. 19 x 24 Zoll (48,3 x 61 cm). Das Metropolitan Museum of Art.

Sheela Gowda (geb. 1957, Bhadravati)

Der Prozess, ihre Kunstwerke selbst physisch zu schaffen, ist für Sheela Gowda von wesentlicher Bedeutung. Sie baut ihre Skulpturen und Installationen aus alltäglichen Materialien, die Frauen in Indien in ihren Handwerken und Arbeitsaktivitäten verwenden. Für Pigment verwendet sie gerne Kumkuma-Pulver, das verwendet wird, um die Stirn bei spirituellen Zeremonien in Indien zu färben, und das mit den sieben menschlichen Energie-Vortexen, die als Chakras bekannt sind, in Verbindung gebracht werden kann. Gowda hat zwei Werke in Fault Lines: eines aus Öldosen, das einem rechteckigen, einfachen Zuhause ähnelt; und eines, das Kuhdungziegel und Pigment verwendet, um eine gebogene, minimale Linie auf dem Boden zu schaffen. Obwohl ihre Werke häufig narrative Elemente enthalten und eindeutig mit zeitgenössischen feministischen Anliegen in Verbindung stehen, glaubt Gowda, dass die Bedeutung in ihren materiellen Realitäten eingebettet ist, und betrachtet ihre Werke als offen und abstrakt.

Sheela Gowda - Untitled, 1997, Installationsansicht. 10 Stücke: Faden, Pigment, Nadeln. Abmessungen variieren (ca. 120 x 300 Zoll) +91 Foundation (Sammlung von Shumita und Arani Bose), New York. Foto mit freundlicher Genehmigung des Philadelphia Museum of Art.

Priya Ravish Mehra (1961 - 2018, Neu-Delhi)

Durch ihre Spezialisierung auf das Textilweben entwickelte Priya Ravish Mehra eine multidisziplinäre Praxis, die poetisch die Schnittstelle von bildender Kunst, Handwerk und dem Alltag beleuchtet. Ihre zarten gewebten Papierarbeiten besitzen eine intensive, aber zarte Schönheit und Struktur. Mehra war als Expertin für die wenig verstandene Arbeit der Rafoogari bekannt, Personen, die beschädigte Kleidung und andere Textilien stopfen oder konservieren. Sie hatte ahnenhafte Wurzeln in der Tradition und sah Rafoogars als Heiler des Stoffes. Sie erklärte, dass ihre Rafoogari-Arbeiten, die dieselben traditionellen Methoden verwendeten, um komplexe, geschichtete, dimensionale, abstrakte Kompositionen zu schaffen, als ihre Versuche interpretiert werden könnten, „den korrodierten Stoff des Lebens zu heilen“. Die in Fault Lines präsentierte Arbeit vereint die Handwerke der Papierherstellung und des Webens und verbindet eine Sprache aus geometrischen und biomorphen Linien und Formen als ikonisches Beispiel ihrer totemischen, minimalistischen Vision.

Priya Ravish Mehra - Untitled 5, 2016. Fragment aus Jutegewebe mit Daphne-Pulpe. 62,2 x 45,7 cm. © Priya Ravish Mehra

Prabhavathi Meppayil (geb. 1965, Najibabad)

Mit ancestral Wurzeln in Schmuck und Metallverarbeitung und einem Studio, das von Goldschmieden umgeben ist, sind Metalle für die Arbeit von Prabhavathi Meppayil von entscheidender Bedeutung. Dennoch hat ihre Verwendung dieses Mediums wenig mit Schmuck oder Nützlichkeit zu tun. Sie interessiert sich dafür, wie Metall mit ihren skulpturalen Stützen koexistiert, die tendenziell weiß oder in einem anderen gedämpften Monochrom gehalten sind. Sie schafft minimale, gitterartige Kompositionen mit verschiedenen Metallelementen, die die Präsenz einer Art Schrift gegen den leeren Hintergrund annehmen. Die Arbeit, die Meppayil für Fault Lines geschaffen hat, besteht aus einer Reihe von sechzehn quadratischen Paneelen, die mit weißem Gesso bemalt sind. In die Oberflächen der Paneele sind Kupferdrähte eingebettet. Das Gesso verdeckt teilweise die Drähte und verwandelt die Arbeit in eine Art Palimpsest oder Manuskript, das sich im Prozess des Auslöschens befindet. Die abstrakten Qualitäten der Arbeit stehen im Kontrast zu dem wörtlichen Sinn, dass diese Künstlerin die Geschichte ihres Mediums auslöscht und neu schreibt.

Prabhavathi Meppayil - se/hundertsechs, 2018. Gesso-Panel gestempelt mit thinnam. 31 9/10 x 37 1/10 x 1 1/10 Zoll (80,96 x 94,3 x 2,86 cm). Esther Schipper © Andrea Rossetti

Tanya Goel (geb. 1985, Neu-Delhi)

Tanya Goel stellt ihre eigenen Pigmente aus Materialien her, die sie von architektonischen Abrissstellen in Neu-Delhi sammelt. Die bunten, komplexen, geschichteten, geometrischen Muster, die sie mit diesen Pigmenten kreiert, sind mit einer Art Materialkarte der Transformation des zeitgenössischen Indiens durchzogen. Ihre Kompositionen könnten auch einfach als Visualisierung mathematischer Formeln interpretiert werden, die Goel konstruiert und dann frei verletzt, schwankend zwischen Ordnung und Freiheit. Für Fault Lines schuf Goel eine ortsspezifische Installation, die aus einer minimalen, linearen Komposition besteht, die aus natürlichem Ziegelstein gemischt mit Indigo-Pulverpigment besteht, an die Wand geschlagen mit der Art von Schnur, die von Bauarbeitern verwendet wird, um den Anstieg des Meeresspiegels zu kartieren.

Tanya Goel - Notation in x, y, z, 2015. Graphit, Pigment und Öl auf Leinwand. 213,3 x 274,3 cm (84 x 108 in). © Tanya Goel

"Fault Lines: Zeitgenössische Abstraktion von Künstlern aus Südasien" wird bis zum 25. Oktober 2020 im Philadelphia Museum of Art ausgestellt.

Vorgestelltes Bild: Tanya Goel - Mechanismen 3, 2019. Gefärbtes Papiersilk, Graphitstifte, Farbstifte und Acryl auf Leinwand. 243 x 198 cm (96 x 78"). © Tanya Goel
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken.
Von Phillip Barcio