8 zeitgenössische abstrakte Künstler, die man 2021 im Auge behalten sollte

2020 war wahrhaft apokalyptisch, im ursprünglichen Sinne des Wortes: es war ein Jahr der Offenbarung darüber, wer und was wir sind. In Zukunft bin ich neugierig zu erfahren, wer und was wir noch werden könnten. Ich glaube, die abstrakten Künstler, die man 2021 im Auge behalten sollte, sind diejenigen, die anerkennen, was wir sind und was wir waren, während sie furchtlos im Raum des Nichtwissens arbeiten, was als Nächstes kommen könnte. Ich fühle mich eher zur Abstraktion hingezogen als zur narrativen Kunst, genau weil ich nach etwas Esoterischem in meinem Leben suche - etwas, das über die Geschichten und Strukturen hinausgeht, die mir überliefert wurden. Ich suche nach Bildern und Objekten, die mich zum Wachsen anregen; urtümliche Energien und Künstler mit dem Mut, Werke zu schaffen, die die nächste Phase der Evolution einleiten. Ich suche nach Magie, schätze ich. Die acht Künstler, die ich diese Woche profiliere, scheinen mir einen Einblick in die vielfältigen Wege nach vorne zu einem besseren oder zumindest anderen Zukunft zu repräsentieren - nicht, weil sie eine spezifische Vorstellung davon haben, wie diese Zukunft aussieht, sondern weil sie uns enthusiastisch ermutigen, die Möglichkeiten zu umarmen, die im Unbekannten existieren.

Manuel Mathieu

Geboren und aufgewachsen in Haiti während der gefährlichen Jahre nach der Duvalier-Dynastie, hat Manuel Mathieu ein intrinsisches Verständnis dafür, wie vergänglich das Leben sein kann. Nachdem er seinen MFA von Goldsmiths, University of London, erworben hatte, wurde er von einem Motorrad angefahren – ein beinahe tödlicher Unfall. Nach seinem Umzug nach Montreal wurde er erneut bei einem anderen Verkehrsunfall verletzt. Seine Atelierpraxis ist heute in die Vergänglichkeit eingetaucht. Seine Gemälde, Skulpturen, Installationen sowie sein neuer Körper keramischer Arbeiten fangen die Immateriealität ihrer Materialien ein. In Interviews hat er gesagt, dass er sich vollkommen wohlfühlt, zuzugeben, dass er oft keine Ahnung hat, was er tut. Diese Offenheit für das Geheimnis und das Experimentieren hat ihn dazu geführt, einen eindringlichen und völlig einzigartigen Körper abstrakter Arbeiten zu schaffen.

Manuel Mathieu - Curl es, wenn du kannst. © Manuel Mathieu

Jáde Fadojutimi

"Mindscapes" ist ein Wort, das verwendet wurde, um die hektischen, gestischen Gemälde von Jadé Fadojutimi zu beschreiben. Mit der Art von roher Emotion und dynamischer Körperlichkeit, die oft den Abstrakten Expressionisten zugeschrieben wird, bringt Fadojutimi diese Methode aus der Mitte des Jahrhunderts schreiend in die Gegenwart. Unbestreitbar voller Angst, sind ihre Gemälde auch voller Anzeichen verborgener Möglichkeiten. Winzige Einblicke in Figuren und erkennbare Formen blitzen zwischen ihren handgefertigten Kringeln und Schrammen hervor und bieten einen Hinweis auf das Bekannte, das wütend und unaufhaltsam in den Abgrund des Geheimnisses geworfen wird.

Jadé Fadojutimi - Ungeschickt. Öl auf Leinwand. 180 x 170cm. © Jadé Fadojutimi

Rechtsanwalt Hollowell

Loie Hollowell steht an einem ganz eigenen Ort an der Spitze der zeitgenössischen feministischen Abstraktion. Ihre persönliche visuelle Sprache aus Orbs, Tälern, Yonis, Kurven, Brustwarzen, Wellen und Tränen verweist unmissverständlich auf den weiblichen Körper. Gleichzeitig verleiht die Atmosphäre mystischer Symbolik und uralter Energie, die aus ihren stark abstrahierten Formen hervorbricht, dem Werk seine unbestreitbare visuelle und emotionale Kraft. Als Meisterin des Biomorphismus und der Farbe ist Hollowell eine Fackelträgerin des metaphysischen Potenzials, das der Geschichte der abstrakten Malerei innewohnt.

Loie Hollowell - Boob Wheel in Blau und Gelb, 2020. Öl, Acrylmedium und hochdichtes Schaumstoff auf Leinen über Platte. 48" x 36" x 3,75". © Loie Hollowell

Alteronce Gumby

Alteronce Gumby schafft quasi-skulpturale Gemälde, die für mich fast wie Schmelztiegel wirken – Behälter, in denen immense Kräfte und Druckverhältnisse am Werk sind. Transformation steht im Mittelpunkt dessen, was Gumby tut, aber was das Werk wird, bleibt er offen für die Möglichkeiten. Gumby vergleicht seine Praxis mit der Arbeit eines Wissenschaftlers oder Mathematikers – alles beginnt mit einer Frage oder einem Problem, aber die Suche nach einer Lösung führt immer zu neuen Fragen und neuen Problemen. „Ich möchte immer an irgendeiner Art von Lösung kratzen, habe sie aber nie vollständig verwirklicht“, sagt er. Seine Arbeit erinnert uns daran, dass nichts jemals vollständig ist, nicht einmal unser Verständnis davon, woher wir kommen oder was wir zu werden versuchen.

Alteronce Gumby - Zwischen der Welt und mir, 2018. Öl auf Holz. 54 x 70 Zoll. © Alteronce Gumby

Tomashi Jackson

Was zuerst das Auge auf ein Werk von Tomashi Jackson zieht, ist der leuchtende Einsatz von Farbe. Was lange danach den Verstand anzieht, ist der elegante Übergriff historischer Referenzen, die in den Schichten des Werkes eingebettet sind. Durch die Verschmelzung von geometrischer Abstraktion und den Farbtheorien von Josef Albers mit offensichtlichen, figürlichen Verweisen auf Rassismus schafft Jackson Werke, die Zugangspunkte bieten, um zu verstehen, wie Sprache und strukturelles Lehren das soziale und kulturelle Gefüge über Generationen hinweg prägen.

Li Shurui

Die chinesische Künstlerin Li Shurui übersetzt meisterhaft für das digitale Zeitalter, was Jahrhunderte abstrakter Untersuchungen zu Farbe und Licht bisher hervorgebracht haben. Ihre Werke vibrieren fast, als würden sie aktive Quellen von Energie oder Licht werden. Sie scheinen zu leuchten, als würden sie etwas von innen ausstrahlen, ebenso wie sie etwas von außen reflektieren. Shurui drückt eine direkte Verehrung für die Fähigkeit von Licht und Raum aus, die menschliche Wahrnehmung herauszufordern. Ihr Werk umarmt die technologische Aura, die unsere Zeit dominiert, auf eine Weise, die innerhalb des Summens Ruhe findet.

Li Shurui - Orbit Nr. 1, 2019. Acryl auf Leinwand auf Platte, Φ 30cm. © Li Shurui

Tariku Shiferaw

Der in Äthiopien geborene, in New York ansässige Künstler Tariku Shiferaw hat ein Werk geschaffen, das poetisch – und manchmal sublim – ausdrückt, was es bedeutet, sowohl von außen nach innen als auch von innen nach außen zu schauen. Seine jüngsten Gemälde, Skulpturen und Textilarbeiten (einschließlich einer Serie von Hoodies) nutzen die allgegenwärtige visuelle Sprache von Stangen, Lamellen und Schichten, um geschickt ein visuelles Signal zu mobilisieren, das andeutet, wie Strukturen und Systeme – nicht unbedingt zum Besten – in allen Bereichen des Lebens und der Kultur ausgehen.

Tariku Shiferaw - Breath And Stop (Q-Tip), 2017. Sprühfarbe, Acryl, Vinyl, 22"x18". © Tariku Shiferaw

Torkwase Dyson

Schwärze, Tiefe und kosmische Expansion definieren das beeindruckende Werk, für das Torkwase Dyson bekannt wird. Ihre eindringlichen, geometrischen Skulpturen scheinen die Unendlichkeit selbst darzustellen – eine transzendente Bündelung des menschlichen Geistes in seine tiefsten Winkel. Doch ruhig und stoisch könnten diese Werke ebenso leicht als schlichte, formalistische Objekte gelesen werden, die nur auf ihre eigenen Materialeigenschaften verweisen. Sie schaffen sublim schön Werke, die am Rand von zwei Möglichkeiten stehen – einer, die in spiritueller Geometrie vertieft ist, und der andere, die sich einem tieferen Verständnis widersetzt – und Dyson repräsentiert poetisch und erschreckend die dichotomen möglichen Realitäten des post-COVID-Zeitalters.

Vorgestelltes Bild: Torkwase Dyson: Schwarzes kompositorisches Denken | 15 Gemälde für das Plantationocene. New Orleans Museum of Art. © Torkwase Dyson
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken.
Von Phillip Barcio