Ein längst überfälliges Künstler-Spotlight auf Marlow Moss

Marlow Moss war eine Meisterin der konstruktivistischen Kunst, doch nur wenige wissen heute ihren Namen. Das könnte daran liegen, dass Moss mehr als nur eine Konstruktivistin war; sie war eine weibliche, lesbische, britische Konstruktivistin zu einer Zeit, als diese vier Worte fast nie zusammen in einem Satz verwendet wurden. Trotz der öffentlichen Unkenntnis war Moss jedoch radikal in ihrem ästhetischen Experimentieren und sich ihrer eigenen Genialität sicher, offensichtlich kümmerte sie sich wenig oder gar nicht um Reichtum und Ruhm. Sie ging stolz durch ein Leben, das sie sich selbst geschaffen hatte, und gab niemandem Macht, der ihren Wert bezweifelte oder ablehnte. Selbst heute wäre eine solche Figur wahrscheinlich umstritten im Kunstfeld, daher ist es wirklich keine Überraschung, dass Moss von der Geschichte fast vergessen wurde. Zu oft legen die Autoren der Kunstgeschichte all die Bedeutung auf wichtig zu sein. Nur die wichtigsten Künstler werden in Ausstellungen kuratiert, und nur die wichtigsten Ausstellungen erhalten Presse. Aber was bedeutet wichtig? Und wer entscheidet? Moss war mit Piet Mondrian befreundet, und ihr Einfluss verlief in beide Richtungen. Sie war auch ein Gründungsmitglied von Abstraction-Création, einer Gruppe abstrakter Künstler, die in den 1930er Jahren in Paris gegründet wurde, um dem Aufstieg des Surrealismus entgegenzuwirken. Sie war auch eine der innovativsten Künstlerinnen, die in St. Ives lebten, als die Gegend ein Zentrum abstrakter Innovation war. Doch bis vor relativ kurzer Zeit wurde ihr Name selten ausgesprochen und ihre Arbeit war der Öffentlichkeit fast völlig unbekannt. Moss hat jedoch kürzlich eine Wiederbelebung erfahren. Ihre Arbeiten sind derzeit Teil einer Wanderausstellung, die in der Stanley & Audrey Burton Gallery, University of Leeds, zu sehen ist. Die ehrgeizige Ausstellung mit dem Titel Fifty Works by Fifty British Women Artists 1900–1950 fügt dem von weißen Männern dominierten Kunstgeschichtskanon eine bedeutende Dimension hinzu. Es ist natürlich nur ein Anfang. Aber wir alle müssen unseren Teil dazu beitragen, Gleichheit und Gerechtigkeit zu erreichen. In diesem Sinne, und in dem Bewusstsein, dass alle fünfzig Künstlerinnen in dieser Ausstellung wahrscheinlich ihren eigenen Artikel verdienen, ist hier unser Versuch, ein wenig mehr Licht auf Moss zu werfen, eine Künstlerin, deren Beitrag zur menschlichen Kultur, unserer Meinung nach, wichtig war.

Vielen Dank, Tate

Marjorie Jewel Moss wurde 1889 in London geboren. Sie änderte ihren Namen um 1926 in Marlow und starb 1958 in Cornwall. Während ihrer 69 Jahre schuf sie ein enormes Werk, das mehrere unterschiedliche ästhetische Entwicklungen umfasste, darunter Neo-Plastizismus, Konstruktivismus und Biomorphismus. Dennoch wurden die meisten Mitglieder der britischen Öffentlichkeit erst 2014 auf ihren Namen aufmerksam, als die Tate Britain eine Einzelausstellung ihrer Werke eröffnete. Viele Zuschauer waren schockiert und überrascht, solch hervorragende Arbeiten zu sehen, und fragten sich, warum sie zuvor noch nie von Moss gehört hatten. Verschiedene Gründe wurden postuliert. Einer ist, dass sie eine Frau und ein Crossdresser war, die sich weigerte, innerhalb der männlichen Struktur der Kunstwelt zu arbeiten. Ein anderer war, dass sie schwul war. Zweifellos trugen diese Faktoren zu ihrer Anonymität bei. Aber der Grund, an dem die meisten Menschen festhielten, stammte nicht von ihrer Persönlichkeit, sondern von ihrem Werk – insbesondere ihren frühen Gemälden, die charakteristische Merkmale mit den Arbeiten von Piet Mondrian teilen.

Moss zog 1927 von England nach Paris. Irgendwann im Laufe des nächsten Jahres traf sie Piet Mondrian, einen der Gründer von De Stijl. Mondrian hatte 1923 die De Stijl-Bewegung verlassen und seine eigene, charakteristische Variation des Stils etabliert, die er Neo-Plastizismus nannte. Seine einfache Methode bestand darin, flache Kompositionen mit einer Kombination aus horizontalen und vertikalen Linien sowie fünf reinen Farbtönen – Schwarz, Weiß, Rot, Gelb und Blau – zu malen. In dem Moment, als Moss ihr erstes Werk von Mondrian sah, war sie von der radikalen Überlegenheit der neo-plastizistischen Methode überzeugt. Sie begann eine Freundschaft mit Mondrian und tauschte Ideen mit ihm aus. Der entscheidende Unterschied zwischen ihren beiden Ansätzen war, dass Mondrian seine Kompositionen intuitiv konstruierte, während Moss sie mit einem mathematischen Ansatz konstruierte. In der Tat ähneln sich ihre neo-plastizistischen Werke – ein gültiger Punkt. Aber es gibt mehrere bildnerische Elemente, die Moss verwendet, die ihre Werke hervorheben, und sogar ein paar, die Mondrian offensichtlich kopiert hat, wie zum Beispiel doppelte parallele schwarze Linien.

Die Moosmethode

Ein weiterer wesentlicher Unterschied zwischen Mondrian und Moss war, dass Mondrian in seiner Arbeit nach spiritueller Reinheit strebte, während Moss Präzision und Eleganz suchte. Selbst ihre neo-plastizistischen Werke sind lockerer als alles, was Mondrian geschaffen hat. Wo eine Mondrian-Komposition verankert wirkt, ließ Moss ihre Formen frei schweben. Wo ein Mondrian flach aussieht, ließ Moss ihre Farben so interagieren, dass illusionistische Tiefe entsteht. Am wichtigsten ist, dass Mondrian stets auf dem Weg zur Vereinfachung war. Während Moss kein Minimalist war, nahm sie die Möglichkeit von mehr an. Sie verwendete andere Materialien neben Oberflächen und Farbe. Sie schuf Metallskulpturen wie „Spatial Construction in Steel“. Sie verband Metall mit natürlichen Materialien, wie in „Balanced Forms in Gunmetal on Cornish Granite“ (1956-7), das in der Tate gezeigt wurde, und einer unbetitelten Dreiecksskulptur von 1950, die auf einem rustikalen Holzsockel steht. Solche Experimente zeigen ein Verständnis dafür, wie Mathematik und Geometrie mit der natürlichen Welt zusammenfallen, und offenbaren eine Umarmung der tierischen Natur, die im Neo-Plastizismus deutlich fehlt.

Moos ist auch bemerkenswert für ihre geometrischen Zeichnungen. Innerhalb ihrer subtilen Kompositionen eröffnen Welten aus kreisförmigen Ebenen, Kugeln und schwebenden Formen neue visuelle Dimensionen. Insgesamt ist ihre Methode nicht nur suggestiv für den Neo-Plastizismus, sondern auch für Biomorphismus, Konstruktivismus, Op Art, Prozesskunst, sogar Minimalismus. Moos beschwört die konzeptionelle Größe von Mondrian, während sie die Eleganz von Brancusi und den Humanismus von Barbara Hepworth kanalisiert. In jedem Fall, selbst wenn Moos Mondrian zunächst imitierte, übertreffen ihre Gemälde in vielerlei Hinsicht seine. Aber verstehen Sie, dass dies das ist, was wir tun, wenn wir nur nach den wichtigsten Künstlern suchen. Wir suchen nur die Innovatoren und geben niemals denjenigen, die das beherrschten, was andere entwarfen, die faire Anerkennung. Es muss Raum für Meisterschaft geben, damit jeder Künstler nicht mit dem unmöglichen Ziel belastet wird, etwas völlig Neues erfinden zu müssen. In jedem Fall hat Moos den Neo-Plastizismus hinter sich gelassen und eine eigenwillige Methode erfunden, die ganz ihre eigene ist. Es ist richtig, dass sie jetzt mehr Aufmerksamkeit für das erhält, was sie erreicht hat. Fifty Works by Fifty British Women Artists 1900–1950 ist bis zum 27. Juli 2019 an der Universität Leeds zu sehen.

Vorschaubild: Marlow Moss - Untitled (Weiß, Schwarz, Blau und Gelb), 1954. Öl auf Leinwand. Rahmen: 707 x 556 x 25 mm. Sammlung. Geliehen von Hazel Rank-Broadley 2001, im langfristigen Leihvertrag. Foto: London 2019.
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken.
Von Phillip Barcio