Ein neues Buch feiert Alice Trumbull Mason, Pionierin der amerikanischen Abstraktion.

Alice Trumbull Mason war eine Seltenheit im Kunstbereich: eine unermüdliche Praktizierende, die einzig vom Wunsch getrieben war, zu lernen. Mason starb 1971 im Alter von 67 Jahren und hinterließ Hunderte von Gemälden und Drucken, die sie zu einer der vorausschauendsten und begabtesten Künstlerinnen ihrer Zeit machen. Unempfänglich für Moden und unaufhörlich der Experimentierfreude verpflichtet, schuf sie ein Werk, das die Zeit überdauert. Eine bedeutende Monographie, die mehr als 150 ihrer Gemälde dokumentiert und aufschlussreiche Essays über Mason von zeitgenössischen Kunstschreiberinnen wie Elisa Wouk Almino von Hyperallergic enthält, erscheint demnächst bei Rizzoli Electa in New York (jetzt vorbestellbar). Die bisher vollständigste Würdigung ihrer Laufbahn wird wegen ihrer schönen, ganzseitigen Abbildungen so vieler ihrer Werke geschätzt werden. Doch die Resonanz, die das Buch bereits erhält, ist etwas merkwürdig. Die Merkwürdigkeit zeigt sich im Titel einer aktuellen Rezension von Roberta Smith für die New York Times, die Mason als „vergessene Modernistin“ bezeichnet. Diese Behauptung, dass Mason zu Lebzeiten nicht gewürdigt wurde oder seit ihrem Tod ignoriert wird, ist weniger Tatsache als Übertreibung, um den Kunstmarkt mit Werken und Künstlern zu versorgen, die angeblich „übersehen“ wurden. Ich lehne diese Theorie nur in diesem Fall ab, weil ich zu viele tatsächliche Künstler kenne, die im realen Kunstfeld existieren. Die meisten Künstler würden sich über die Karriere freuen, die Alice Trumbull Mason hatte. Über vier Jahrzehnte hinweg hatte sie sechs Einzelausstellungen in New York City, war Mitbegründerin der American Abstract Artists, freundete sich mit und lernte von einigen der angesehensten Künstler ihrer Zeit und verkaufte Werke an einige der einflussreichsten Persönlichkeiten der Kunstwelt, darunter Hilla Rebay und Peggy Guggenheim. In einer Wirklichkeit, in der die überwältigende Mehrheit der Künstler nie eine einzige Einzelausstellung in New York hat und nie ein Gemälde verkauft, war Mason ein durchschlagender Erfolg. Anstatt den Kunstmarkt ihr Erbe nach seiner korrupten Erzählung verzerren zu lassen, sollten wir respektieren, was Mason tatsächlich geleistet hat.

Eine persönliche Kunstgeschichte

Ein Zeugnis für die Art von Künstlerin, die Alice Trumbull Mason war, findet sich in den Smithsonian Archives of American Art, wo ihre persönlichen Unterlagen gespendet wurden. Die Sammlung umfasst ein Notizbuch, auf dessen Umschlag Mason handschriftlich „Geschichte der Kunst“ vermerkte. In seinen Seiten (die online durchgesehen werden können) finden sich persönliche Überlegungen zu Leben und Werken von etwa zwei Dutzend klassischen Meistern. Anstatt Kunstgeschichte zu lesen und nachzuplappern, reiste Mason nach Europa und besuchte persönlich einflussreiche Werke, wobei sie sich auch Zeit nahm, die Menschen kennenzulernen, die sie geschaffen hatten. Ihr persönliches Kunstgeschichtsbuch enthält sowohl plastische Beobachtungen als auch Einsichten in das Innenleben der Künstler. Beides ist gleichermaßen aufschlussreich. So stellt sie zum Beispiel fest, dass Michelangelo die Sixtinische Kapelle nicht malen wollte und viele seiner anderen Auftraggeber ebenfalls verachtete. Dass er einer der berühmtesten Künstler aller Zeiten wurde, war für Mason unwichtig – sie interessierte vielmehr, dass er unglücklich war, weil er nicht die Freiheit hatte, zu malen, was er wollte.

Alice Trumbull Mason - #1 Towards a Paradox, 1969. Öl auf Leinwand. 48,3 x 55,9 cm. Washburn Galerie, New York.

Zum Thema der Plastizität der Kunst nimmt Mason ein Zitat des Renaissance-Bildhauers Donatello auf, der sagte: „Du verlierst die Substanz für den Schatten.“ In seinem Fall sprach Donatello von den Effekten kühner Hell-Dunkel-Wechsel, bekannt als Chiaroscuro. Obwohl Details einer Figur verloren gehen können, wenn Licht auf die Falten eines gemeißelten Stoffes oder die Erhebungen gemeißelter Muskeln fällt, entstehen Dramatik und Wirklichkeit aus dem wahrgenommenen Tiefeneindruck, den der Schatten schafft. Mason las in seinen Worten etwas noch Tiefgründigeres. Sie sah in diesem Zitat einen Verweis auf das Potenzial der Abstraktion. Der Schatten wurde zur Metapher für das Unbekannte. So wie das Unbekannte für Donatello eine Skulptur real erscheinen ließ, stellte das Unbekannte für Mason das Wirklichste dar. Sie betrachtete abstrakte Kunst als die repräsentativste Kunstform – es war das Unbekannte, nicht das Bekannte, das sie darzustellen suchte.

Alice Trumbull Mason - Ohne Titel, ca. 1939. Öl auf Leinwand. 76,2 x 101,6 cm. Washburn Galerie, New York.

Eine vollkommene Wegbereiterin

Der Titel der kommenden Mason-Monographie – Alice Trumbull Mason: Wegbereiterin der amerikanischen Abstraktion – könnte nicht passender sein. Für mich erinnert er an die alte amerikanische Redensart aus den frühen Tagen der Westexpansion: „Pioniere werden abgeschlachtet; Siedler werden reich.“ Kunst hat Mason vielleicht nie zu Reichtum verholfen, doch was man in den Seiten dieser Monographie findet, ist der Beweis für eine Künstlerin, die sich nie zufriedengab. Bereits 1929, im Alter von 25 Jahren, widmete sich Mason den weltlichen geistigen Möglichkeiten der abstrakten Kunst. Sie studierte gerne widersprüchliche Theorien und schwankte zwischen der lyrischen Biomorphik von Künstlern wie Wassily Kandinsky, Joan Miró und einem ihrer persönlichen Mentoren, Arshile Gorky, und der geometrischen, plastischen Reinheit von Künstlern wie Piet Mondrian. Sie pendelte ihr Leben lang zwischen diesen beiden Positionen. 1945, als Hilla Rebay die Kandinsky-Gedenkausstellung mit 227 Gemälden organisierte, schrieb Mason einen persönlichen Brief an Rebay, in dem sie ihr dankte, dass sie ihr die Möglichkeit gab, so viel von Kandinskys Werk persönlich „so umfassend zu studieren“. Doch nur ein Jahr später fügte Mason bereits Rechtecke und das, was sie „architektonische“ Struktur nannte, zu ihren Kompositionen im Neo-Plastischen Geist Mondrians hinzu.

Alice Trumbull Mason - Zeichnung für „Colorstructive Abstraction“, 1947. Öl auf Masonit. 67,3 x 58,4 cm. Washburn Galerie, New York.

Schließlich hielt Mason an zwei leitenden Grundsätzen in ihrer Arbeit fest, die alle oberflächlichen Fragen zum Inhalt überstrahlten. Der erste war ihr Glaube – egal ob sie Gemälde oder Drucke, biomorphe oder geometrische Kompositionen schuf – an die Bedeutung der persönlichen Freiheit, was die Wahl der Kunst und deren Gestaltung betrifft. Der zweite war ihr Bewusstsein, dass das Medium selbst das wichtigste und ausdrucksstärkste Element der abstrakten Kunst ist. Wie alle großen Künstler liegt die Magie ihrer Werke nicht in ihrem Ausstellungslebenslauf, noch in ihren Auktionspreisen oder darin, wie viele zeitgenössische Sammler heute ihren Namen kennen – sie liegt in der ekphrastischen Plastizität der Farbe selbst.

Titelbild: Alice Trumbull Mason - Stab, Spindel und Stange, 1952. Öl auf Leinwand. 87,3 x 106,7 cm. Washburn Galerie, New York.
Alle Bilder dienen nur zur Veranschaulichung
Von Phillip Barcio