Ein neues Buch feiert Alice Trumbull Mason, Pionierin der amerikanischen Abstraktion.
Alice Trumbull Mason war eine Rarität im Kunstbereich: eine leidenschaftliche Praktikerin, die ausschließlich von dem Wunsch motiviert war, zu lernen. Mason starb 1971 im Alter von 67 Jahren und hinterließ Hunderte von Gemälden und Drucken, die sie zu einer der vorausschauendsten und talentiertesten Künstlerinnen ihrer Zeit machen. Immun gegen Trends und unermüdlich dem Experimentieren gewidmet, schuf sie ein Werk, das die Zeit überdauert. Ein bedeutender Monografieband, der mehr als 150 ihrer Gemälde dokumentiert und aufschlussreiche Essays über Mason von zeitgenössischen Kunstautoren wie Elisa Wouk Almino von Hyperallergic enthält, wird demnächst von den Rizzoli Electa Verlagen in New York veröffentlicht (er kann jetzt vorbestellt werden). Es wird die umfassendste Bewertung ihrer Karriere bis heute sein und wird für seine schönen, ganzseitigen Reproduktionen so vieler ihrer Werke geschätzt werden. Doch die Rezeption des Buches ist bereits etwas seltsam. Die Seltsamkeit wird durch die Überschrift einer aktuellen Rezension von Roberta Smith für die New York Times verkörpert, die Mason als „vergessene Modernistin“ bezeichnet. Diese Behauptung, dass Mason zu ihrer Zeit nicht geschätzt wurde oder seit ihrem Tod ignoriert wurde, ist weniger Fakt und mehr Übertreibung, um den Appetit des Kunstmarktes auf Werke und Künstler zu stillen, die angeblich „übersehen“ wurden. Ich lehne dies in diesem Fall als Theorie ab, nur weil ich zu viele tatsächliche Künstler kenne, die im realen Kunstfeld existieren. Die meisten Künstler würden sich freuen, die Karriere zu haben, die Alice Trumbull Mason hatte. Über vier Jahrzehnte hatte sie sechs Einzelausstellungen in New York City, war Mitbegründerin der American Abstract Artists, freundete sich mit mehreren der angesehensten Künstler ihrer Zeit an und verkaufte Werke an einige der einflussreichsten Persönlichkeiten der Kunstwelt, darunter Hilla Rebay und Peggy Guggenheim. In einer Realität, in der die überwältigende Mehrheit der Künstler niemals eine einzige Einzelausstellung in New York hat und niemals irgendwelche Gemälde verkauft, war Mason ein überwältigender Erfolg. Anstatt den Kunstmarkt ihre Hinterlassenschaft verzerren zu lassen, um seine korrupte Erzählung zu passen, sollten wir dem Respekt zollen, was Mason tatsächlich getan hat.
Eine persönliche Geschichte der Kunst
Ein Beweis für die Art von Künstlerin, die Alice Trumbull Mason war, findet sich in den Smithsonian Archives of American Art, wo ihre persönlichen Papiere gespendet wurden. Die Sammlung umfasst ein Notizbuch, auf dessen Umschlag Mason handschriftlich "Geschichte der Kunst" schrieb. In seinen Seiten (die online durchstöbert werden können) befinden sich persönliche Reflexionen über das Leben und die Werke von ein paar Dutzend klassischen Meistern. Anstatt Kunstgeschichte zu lesen und wiederzugeben, reiste Mason nach Europa und besuchte persönlich einflussreiche Werke, wobei sie sich auch Zeit nahm, um mehr über die Menschen zu erfahren, die sie geschaffen haben. Ihr persönliches Kunstgeschichtsbuch enthält sowohl plastische Beobachtungen als auch Einsichten über das innere Leben der Künstler. Beide sind gleichermaßen aufschlussreich. Zum Beispiel merkt sie an, dass Michelangelo nicht imitiert werden wollte, die Sixtinische Kapelle zu malen, und dass er viele seiner anderen Gönner ebenfalls verachtete. Die Tatsache, dass er einer der berühmtesten Künstler aller Zeiten wurde, war für Mason irrelevant – sie war mehr daran interessiert, dass er unglücklich war, weil er nicht die Freiheit hatte, das zu malen, was er wollte.
Alice Trumbull Mason - #1 Towards a Paradox, 1969. Öl auf Leinwand. 19 x 22 Zoll (48,3 x 55,9 cm). Washburn Gallery, New York.
In Bezug auf die Plastizität der Kunst verweist Mason auf ein Zitat des Renaissance-Skulptors Donatello, der sagte: „Man verliert die Substanz für den Schatten.“ In seinem Fall sprach Donatello über die Auswirkungen von kräftigen Veränderungen in Helligkeit und Dunkelheit, bekannt als Chiaroscuro. Obwohl die Details einer Figur verloren gehen können, wenn Licht auf die Falten eines skulptierten Stoffes oder die Erhebungen skulptierter Muskeln trifft, entstehen Drama und Realismus aus dem wahrgenommenen Gefühl der Tiefe, das der Schatten schafft. Mason las in seinen Worten etwas noch Tieferes. Sie sah in diesem Zitat einen Verweis auf die Potenzialität der Abstraktion. Der Schatten wurde zu einer Metapher für das Unbekannte. So wie das Unbekannte eine Skulptur für Donatello real erscheinen ließ, repräsentierte das Unbekannte das, was für Mason am realsten war. Sie betrachtete abstrakte Kunst als die repräsentativste Art von Kunst – es war das Unbekannte, anstatt des Bekannten, das sie zu repräsentieren versuchte.
Alice Trumbull Mason - Untitled, ca. 1939. Öl auf Leinwand. 30 x 40 Zoll (76,2 x 101,6 cm). Washburn Gallery, New York.
Ein absoluter Pionier
Der Titel der bevorstehenden Mason-Monografie – Alice Trumbull Mason: Pionierin der amerikanischen Abstraktion – könnte nicht passender sein. Für mich erinnert er an das alte amerikanische Sprichwort aus den frühen Tagen der westlichen Expansion: „Pioniere werden abgeschlachtet; Siedler werden reich.“ Kunst hat Mason vielleicht nie ein Vermögen eingebracht, aber was Sie auf den Seiten dieser Monografie finden, ist der Beweis für eine Künstlerin, die sich nie zufrieden gab. Bereits 1929, als sie 25 Jahre alt war, widmete sich Mason den säkularen spirituellen Möglichkeiten, die in der abstrakten Kunst enthalten sind. Sie studierte glücklich widersprüchliche Theorien und schwankte zwischen dem lyrischen Biomorphismus von Künstlern wie Wassily Kandinsky, Joan Miro und einem ihrer persönlichen Mentoren, Arshile Gorky, und der geometrischen, plastischen Reinheit von Künstlern wie Piet Mondrian. Sie schwankte ihr ganzes Leben lang zwischen diesen beiden Positionen. 1945, als Hilla Rebay die Kandinsky Memorial Exhibition veranstaltete, die 227 Gemälde zeigte, schrieb Mason einen persönlichen Brief an Rebay, in dem sie ihr dankte, dass sie ihr die Gelegenheit gab, „so viel von seiner Arbeit persönlich so umfassend zu studieren“. Doch nur ein Jahr später fügte Mason bereits Rechtecke und das, was sie als „architektonische“ Struktur bezeichnete, zu ihren Kompositionen im Neo-Plastizismus im Geiste von Mondrian hinzu.
Alice Trumbull Mason - Zeichnung für "Colorstructive Abstraction", 1947. Öl auf Masonit. 26 1/2 x 23 Zoll (67,3 x 58,4 cm). Washburn Gallery, New York.
Letztendlich hielt Mason in ihrer Arbeit an zwei Leitprinzipien fest, die alle oberflächlichen Bedenken hinsichtlich des Inhalts überlagerten. Das erste war ihr Glaube – egal, ob sie Gemälde oder Drucke, biomorphe Kompositionen oder geometrische schuf – an die Bedeutung der persönlichen Freiheit, wenn es darum geht, welche Kunst zu schaffen und wie man sie schafft. Und das zweite war ihr Bewusstsein, dass das Medium selbst das wichtigste und ausdrucksvollste Element der abstrakten Kunst ist. Wie bei allen großen Künstlern liegt die Magie ihrer Arbeit nicht in ihrem Ausstellungscurriculum, noch in ihren Auktionspreisen, noch darin, wie viele zeitgenössische Sammler jetzt ihren Namen kennen – sie liegt in der ekphrastischen Plastizität der Farbe selbst.
Vorschaubild: Alice Trumbull Mason - Staff, Distaff und Rod, 1952. Öl auf Leinwand. 34 3/8 x 42 Zoll (87,3 x 106,7 cm). Washburn Gallery, New York.
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken.
Von Phillip Barcio
