Abstrakte Ansätze der modernen italienischen Kunst

Die meisten Menschen, die die Geschichte der italienischen Kunst studieren, lernen die klassischen Meister der Hochrenaissance und des Barock kennen, wie Leonardo da Vinci, Michelangelo, Raphael und Caravaggio. Weniger bekannt sind die modernen italienischen Kunstbewegungen wie Arte Povera und Spatialismus oder zeitgenössische italienische Meister wie Ettore Spalletti. Um die vollständige Geschichte der italienischen Kunst zu verstehen, ist es unerlässlich, die zahlreichen Beiträge italienischer Künstler zum Modernismus zu untersuchen. Einige italienische modernistische Bewegungen waren gegenständlich, wie Arte Nucleare, die sich mit den Schrecken der Atomkraft nach dem Zweiten Weltkrieg auseinandersetzte, und Transavantgarde, eine italienische Version des Neoexpressionismus, die in den 1970er Jahren entstand. Und mindestens eine italienische modernistische Bewegung, Novecento Italiano, war rückschrittlich, indem sie den Faschismus befürwortete und eine Rückkehr zu alten, realistischen, klassischen Stilen propagierte. Doch Italien war auch die Wiege mehrerer abstrakter modernistischer Kunstbewegungen, die die internationalen zeitgenössischen Kunstströmungen auf tiefgreifende Weise prägten. Obwohl die Liste der mit diesen Bewegungen verbundenen Künstler zu lang für einen Artikel sein mag, folgt hier eine Einführung in einige der wichtigsten abstrakten, modernen italienischen Kunstbewegungen und einige der Künstler, die sie mitgestalteten.

Italienischer Futurismus

Auf einer Landstraße außerhalb von Mailand verunglückte Filippo Tommaso Marinetti 1909 mit seinem Auto, als er einem Radfahrer auswich und in einen Graben fuhr. Marinetti wurde durch den Vorfall wütend. Er ärgerte sich über das langsame Fahrrad. Er war fanatisch in Bezug auf Geschwindigkeit und Kraft und glaubte, die Straßen sollten den Maschinen des neuen Zeitalters gehören. Er gehörte zur kühnen Generation junger italienischer Künstler, die bald als Futuristen bekannt werden sollten.

Nach seinem Autounfall schrieb Marinetti einen Aufsatz, der in Zeitungen in Italien und Frankreich veröffentlicht wurde. Er wurde als das Futuristische Manifest bekannt und beschrieb leidenschaftlich die Frustration dieser jungen Künstler unter der Last der Geschichte. Es sprach davon, „Italien von seiner Brandwunde aus Professoren, Archäologen, Führern und Antiquaren zu befreien.“ Es befürwortete mechanische Kraft, Gewalt und Krieg und schlug vor, dass moderne Künstler die neue industrialisierte Welt annehmen und alle Traditionen und Institutionen der Vergangenheit zerstören sollten.

Umberto Boccioni - Einzigartige Formen der Kontinuität im Raum, 1913, zwei Ansichten

Italienische futuristische Kunst

In ihrer Kunst bemühten sich die italienischen Futuristen, Bewegung und Geschwindigkeit darzustellen. Sie zeigten das Chaos der Stadt und Visionen einer sich schnell und gewaltsam verändernden Welt. Ein zentrales Prinzip des italienischen Futurismus war das Dynamismus, das die kombinierte Erfahrung von Geschwindigkeit, Bewegung und Klang beschreibt. Giacomo Balla war einer der Meister des Dynamismus. Seine frühen Versuche mit der Technik waren gegenständlich, doch sein Stil wurde schnell abstrakter, als er begann, Dynamismus durch formale Qualitäten der Malerei wie Farbe, Linie und Form darzustellen. Ein wichtiges Beispiel ist das Gemälde Abstrakte Geschwindigkeit + Klang von 1914.

Umberto Boccioni war ein weiterer futuristischer Meister des Dynamismus. Als versierter Maler schuf Boccioni eines der berühmtesten futuristischen Gemälde, genannt Die Stadt erhebt sich. Im Laufe der Zeit interessierte er sich jedoch für die Herausforderung, das, was er „Abfolge“ nannte, also das Gefühl von Bewegung durch den physischen Raum, im dreidimensionalen Raum darzustellen. Am bekanntesten realisierte er dieses Ziel in seiner abstrakten Skulptur Einzigartige Formen der Kontinuität im Raum, geschaffen 1913.

Lucio Fontana - Raumkonzept, 1950. © Fondazione Lucio Fontana, Mailand

Spatialismus

Eine Generation nach den Futuristen begann die nächste bedeutende italienische abstrakte modernistische Kunstbewegung, initiiert von einem Künstler namens Lucio Fontana. Ursprünglich aus Argentinien stammend, interessierte sich Fontana vor allem dafür, die Eigenschaften und das Wesen des Raumes auszudrücken. Er war fasziniert davon, wie Form Raum einnehmen, Raum enthalten und Zugang zu Raum öffnen kann. Er wird oft als Maler bezeichnet, da seine bekanntesten Werke an der Wand hängen. Doch Fontana wurde ursprünglich als Bildhauer ausgebildet und betrachtete seine sogenannten Gemälde als eine Herausforderung der Definition von zweidimensionaler Kunst.

1946 schrieb er ein Essay namens Weißes Manifest, das offen das Ende traditioneller Definitionen von zwei- und dreidimensionaler Kunst forderte. Stattdessen befürwortete er eine Synthese in der Kunst. In seinem Manifest beschrieb Fontana, wie traditionelle „statische“ Kunstbegriffe wie Malerei und Bildhauerei für ein Zeitalter, das vom „dynamischen Prinzip der Bewegung durch Zeit und Raum“ beherrscht wird, nicht mehr ausreichen. Durch diese transformative Sichtweise schuf Fontana viele Neuerungen. Er schuf einige der ersten Beispiele für Installationskunst und erreichte Ende der 1940er Jahre die ultimative Umsetzung seiner Gedanken, als er begann, Leinwände zu bauen, die er dann mit einem Messer zerschnitt. Sein Werk Concetto spaziale – Attesa, eine monochrome rote Leinwand mit einem einzigen Messerschnitt durch die Mitte, gilt als Inbegriff des spatialistischen Denkens, da es gelingt, Form aus Raum zu schaffen.

Lucio Fontana - Concetto spaziale – Attesa, 1965. © Fondazione Lucio Fontana, Mailand

Arte Povera

Eine der transformierendsten abstrakten modernistischen Kunstbewegungen des 20. Jahrhunderts entstand in den 1960er Jahren in Italien. Sie wurde Arte Povera genannt, was „arme Kunst“ bedeutet, wegen der Neigung ihrer Vertreter, auf gewöhnliche Materialien und alltägliche Themen zurückzugreifen. Die Bewegung entstand zunächst als Widerstand gegen andere modernistische Kunstströmungen wie den Minimalismus, der industrielle Prozesse betonte und versuchte, die Persönlichkeit des Künstlers aus dem Werk zu entfernen. Die mit Arte Povera verbundenen Künstler wollten die Kunst wieder mit dem Alltag verbinden.

Um sich mit dem Gewöhnlichen, Banalen und Alltäglichen zu verbinden, versuchten diese Künstler, einzigartige Momente der Interaktion zwischen den Kunstobjekten, die sie schufen, und den Betrachtern, die ihnen begegneten, zu schaffen. Sie machten Kunst, die, obwohl abstrakt, einfache und direkte Botschaften vermittelte. Sie verwendeten leicht verständliche, natürliche, tastbare, vorindustrielle Materialien wie Seil, Erde, Stoff und sogar Fäkalien. Inmitten gleichzeitiger Kunstbewegungen, die darauf abzielten, Emotionen und Individualität aus der Kunst zu entfernen, betonten diese Künstler die Bedeutung der Menschlichkeit sowohl des Künstlers als auch des Betrachters und luden die Öffentlichkeit offen ein, direkt mit ihrer Kunst zu interagieren.

Pino Pascali - Borstenwürmer

Die Künstler von Arte Povera

Piero Manzoni gilt als Vater von Arte Povera, obwohl er 1963 im Alter von 29 Jahren starb, bevor er in die großen Ausstellungen der Bewegung aufgenommen werden konnte. Durch seine Arbeit zerstörte Manzoni die Illusion, dass Kunst und Leben getrennt sind, indem er die Betrachter direkt in seine Kunst einbezog. In einem Werk namens Verzehr dynamischer Kunst durch das kunstverschlingende Publikum „signierte“ Manzoni hartgekochte Eier mit seinem Daumenabdruck und lud die Betrachter ein, die Eier zu essen. In einem Werk namens Magisk Sokkel, niederländisch für „Magisches Podest“, lud er die Betrachter ein, teilzunehmen, indem sie auf einem Sockel standen und so zu lebenden Skulpturen wurden.

Andere Arte Povera-Künstler bezogen das Publikum nicht direkt ein, sondern schufen Werke, die absichtlich so gestaltet waren, dass sie eine Interaktion mit den Betrachtern suggerierten. Pino Pascali schuf großformatige Borstenwürmer, wurmähnliche Skulpturen aus Borstenbürsten, die die Betrachter berühren sollten. Und 1965 drückte Michelangelo Pistoletto vielleicht die perfekte Verbindung von Kunst und Alltag aus. Sein Werk Struktur zum Sprechen im Stehen (ohne Gegenstände) bestand aus einem Geländer, das in einer Galerie installiert war, an dem die Betrachter sich anlehnen und ihren Fuß abstellen konnten, während sie sprachen.

Michelangelo Pistoletto - Struktur zum Sprechen im Stehen (ohne Gegenstände)

Zeitgenössische moderne italienische Kunst

Heute sind die Traditionen des italienischen Modernismus lebendig und wohlauf. Ettore Spalletti ist einer der führenden abstrakten Künstler, die heute in Italien arbeiten. Er wird lose mit den Kernideen von Arte Povera in Verbindung gebracht, obwohl seine Arbeit deutlich anders ist als die der meisten Mitglieder dieser Gruppe. Als multidisziplinärer Künstler schafft Spalletti Objekte, die sich mit dem Wesen der Farbe beschäftigen. Er arbeitet in einem mühsamen Prozess, bei dem er mehrere Schichten handgemalter Farbe aufträgt, bis sich die wesentliche Natur der gesuchten Farbe offenbart. In dem flüchtigen Moment, in dem die Farbe endlich erscheint, beendet er seinen Prozess.

Die von Spalletti geschaffenen Objekte strahlen eine ätherische Leuchtkraft aus. Sie wirken wie eingefangene Momente eines Sonnenaufgangs oder Lichtreflexe auf der Wasseroberfläche, die in der Zeit eingefroren sind. Neben Ausstellungen seiner Werke in Galerien und Museen hat Spalletti auch ganze Innenräume gestaltet, etwa in einem Leichenschauhaus und einer Kapelle. Vielleicht ist es gerade aus solchen Ausdrucksformen, die sich auf das Alltagsleben beziehen, dass seine Verbindung zu Arte Povera weiterbesteht. Doch Spalletti ist auch eine einzigartige Stimme der zeitgenössischen abstrakten italienischen Kunst. Er und seine vielen Zeitgenossen in der heutigen italienischen abstrakten Kunstszene pflegen eine Verbindung zu den einflussreichen italienischen Kunstbewegungen der Vergangenheit. Und vor allem halten sie, wie ihre Vorgänger, die Tradition lebendig, die italienische Kunst an der Spitze innovativen modernistischen Denkens zu halten.

Abgebildetes Bild: Giacomo Balla - Abstrakte Geschwindigkeit + Klang, 1913-1914. Öl auf unlackiertem Pressspan in vom Künstler bemaltem Rahmen. 54,5 x 76,5 cm. Die Solomon R. Guggenheim Stiftung Peggy Guggenheim Sammlung, Venedig, 1976. © 2018 Artists Rights Society (ARS), New York/SIAE, Rom
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken
Von Phillip Barcio