Abstrakte Ansätze der modernen italienischen Kunst

Die meisten Menschen, die die Geschichte der italienischen Kunst studieren, lernen über die klassischen Meister der Hochrenaissance und des Barock, wie Leonardo da Vinci, Michelangelo, Raphael und Caravaggio. Weniger erfahren von modernen italienischen Kunstbewegungen wie Arte Povera und Spatialismus oder zeitgenössischen italienischen Meistern wie Ettore Spalletti. Um die gesamte Geschichte der italienischen Kunst zu verstehen, ist es unerlässlich, die zahlreichen Wege zu studieren, auf denen italienische Künstler zum Modernismus beigetragen haben. Einige italienische modernistische Bewegungen waren figurativ, wie Arte Nucleare, die sich mit den Schrecken der Atomkraft nach dem Zweiten Weltkrieg auseinandersetzte, und Transavantgarde, eine italienische Version des Neo-Expressionismus, die in den 1970er Jahren entstand. Und mindestens eine italienische modernistische Bewegung, Novecento Italiano, war regressiv, umarmte den Faschismus und plädierte für eine Rückkehr zu antiken, realistischen, klassischen Stilen. Aber Italien war auch die Wiege mehrerer abstrakter modernistischer Kunstbewegungen, die internationale zeitgenössische Kunsttendenzen auf tiefgreifende Weise geprägt haben. Obwohl die Liste der Künstler, die mit diesen Bewegungen verbunden sind, zu lang sein mag, um sie in einem Artikel abzudecken, hier ist ein erster Überblick über einige der wichtigsten abstrakten, modernen italienischen Kunstbewegungen und einige der Künstler, die dazu beigetragen haben, sie zu definieren.

Italienischer Futurismus

Auf einer Landstraße außerhalb von Mailand im Jahr 1909 raste Filippo Tommaso Marinetti mit seinem Auto in einen Graben, nachdem er ausgewichen war, um einen Radfahrer zu vermeiden. Marinetti wurde durch den Vorfall wütend. Er empfand Abneigung gegen das langsam fahrende Fahrrad. Er war fanatisch in Bezug auf Geschwindigkeit und Macht und glaubte, dass die Straßen den Maschinen des neuen Zeitalters gehören sollten. Er war Teil der dreisten Generation junger italienischer Künstler, die bald als die Futuristen bekannt werden sollte.

Nach seinem Autounfall schrieb Marinetti einen Aufsatz, der in Zeitungen in Italien und Frankreich veröffentlicht wurde. Er wurde als das Futuristische Manifest bekannt und beschrieb in leidenschaftlichen Details die Frustration, die diese jungen Künstler unter dem Gewicht der Geschichte empfanden. Es sprach davon, Italien von seiner "Gangrän der Professoren, der Archäologen, der Führer und der Antiquitätenhändler zu befreien." Es propagierte mechanische Kraft, Gewalt und Krieg und schlug vor, dass moderne Künstler die neue industrialisierte Welt annehmen und alle Traditionen und Institutionen der Vergangenheit zerstören sollten.

Umberto Boccioni - Einzigartige Formen der Kontinuität im Raum, 1913, zwei Ansichten

Italienische Futuristische Kunst

In ihrer Kunst bemühten sich die italienischen Futuristen, Bewegung und Geschwindigkeit darzustellen. Sie zeigten das Chaos der Stadt und Visionen einer sich schnell und gewaltsam verändernden Welt. Ein zentrales Prinzip des italienischen Futurismus war als Dynamik bekannt, oder die kombinierte Erfahrung von Geschwindigkeit, Bewegung und Klang. Giacomo Balla war einer der Meister der Dynamik. Seine frühen Versuche mit der Technik waren figürlich, aber sein Stil wurde schnell abstrakter, als er sich weiterentwickelte, um Dynamik durch die formalen Qualitäten der Malerei wie Farbe, Linie und Form anzusprechen. Ein zentrales Beispiel ist das Gemälde Abstract Speed + Sound aus dem Jahr 1914.

Umberto Boccioni war ein weiterer futuristischer Meister des Dynamismus. Als versierter Maler schuf Boccioni eines der bekanntesten futuristischen Gemälde, genannt Die Stadt erhebt sich. Im Laufe der Zeit interessierte er sich jedoch für die Herausforderung, das zu präsentieren, was er "Nachfolge" nannte, oder das Gefühl von Bewegung durch physischen Raum in dreidimensionalem Raum. Am bekanntesten verwirklichte er dieses Ziel in seiner abstrakten Skulptur Einzigartige Formen der Kontinuität im Raum, die 1913 geschaffen wurde.

Lucio Fontana - Räumliches Konzept, 1950. © Fondazione Lucio Fontana, Mailand

Räumlichkeit

Eine Generation nach den Futuristen begann die nächste große italienische abstrakte modernistische Kunstbewegung, initiiert von einem Künstler namens Lucio Fontana. Ursprünglich aus Argentinien stammend, war Fontana hauptsächlich daran interessiert, die Qualitäten und das Wesen des Raums auszudrücken. Er war fasziniert davon, wie Form Raum einnehmen, Raum enthalten und Zugang zu Raum eröffnen konnte. Er wird oft als Maler bezeichnet, da seine bekanntesten Werke an der Wand hängen. Aber Fontana wurde ursprünglich als Bildhauer ausgebildet und betrachtete seine sogenannten Gemälde als eine Herausforderung an die Definition der zweidimensionalen Kunst.

1946 schrieb er einen Aufsatz mit dem Titel "Das Weiße Manifest", der offen ein Ende der traditionellen Definitionen von zwei- und dreidimensionaler Kunst forderte. Stattdessen ermutigte er zur Synthese in der Kunst. In seinem Manifest beschrieb Fontana, wie die traditionellen "statischen" Definitionen von Kunst wie Malerei und Skulptur für ein Zeitalter, das von "dem dynamischen Prinzip der Bewegung durch Zeit und Raum" dominiert wird, nicht mehr ausreichend waren. Durch diesen transformativen Ausblick schuf Fontana viele Innovationen. Er schuf einige der ersten Beispiele für Installationskunst und erreichte Ende der 1940er Jahre die ultimative Manifestation seines Denkens, als er begann, Leinwände zu bauen, die er dann mit einem Messer durchtrennte. Sein Werk Concetto spaziale – Attesa, eine monochrom rote Leinwand mit einem einzigen Messerstrich durch die Mitte, gilt als der Inbegriff des spatialistischen Denkens, da es gelingt, Form aus Raum zu schaffen.

Lucio Fontana - Concetto spaziale – Attesa, 1965. © Fondazione Lucio Fontana, Mailand

Schlechte Kunst

Eine der transformativsten abstrakten modernistischen Kunstbewegungen des 20. Jahrhunderts entstand in Italien in den 1960er Jahren. Sie wurde Arte Povera oder arme Kunst genannt, weil die Praktizierenden dazu neigten, sich auf gewöhnliche Materialien und alltägliche Themen zu stützen. Die Bewegung entstand zunächst aus dem Widerstand gegen andere modernistische Kunsttendenzen wie Minimalismus, der industrielle Prozesse betonte und versuchte, die Persönlichkeit des Künstlers aus dem Werk zu entfernen. Die mit Arte Povera verbundenen Künstler wollten die Kunst wieder mit dem Alltag verbinden.

Um sich mit dem Alltäglichen, dem Banalen und dem Gewöhnlichen zu verbinden, versuchten diese Künstler, einzigartige Momente der Interaktion zwischen den Kunstobjekten, die sie schufen, und den Betrachtern, die ihnen begegneten, zu schaffen. Sie schufen Kunst, die, obwohl abstrakt, einfache, direkte Botschaften kommunizierte. Sie verwendeten leicht verständliche, natürliche, taktile, vorindustrielle Materialien wie Seil, Erde, Stoff und sogar Fäkalien. Inmitten zeitgleicher Kunstbewegungen, die darauf abzielten, Emotionen und Individualismus aus der Kunst zu eliminieren, betonten diese Künstler die Bedeutung der Menschlichkeit sowohl des Künstlers als auch des Betrachters und luden die Öffentlichkeit offen ein, direkt mit ihrer Kunst zu interagieren.

Pino Pascali - Borstenwürmer

Die Künstler der Arte Povera

Piero Manzoni gilt als der Vater der Arte Povera, obwohl er 1963 im Alter von 29 Jahren starb, bevor er in die großen Ausstellungen aufgenommen werden konnte. Durch sein Werk zerstörte Manzoni die Illusion, dass Kunst und Leben getrennt sind, indem er die Zuschauer direkt in seine Kunst einbezog. In einem Stück mit dem Titel Consumption of dynamic art by the art-devouring public, "unterzeichnete" Manzoni hartgekochte Eier mit seinem Daumenabdruck und lud die Zuschauer ein, die Eier zu essen. In einem Stück mit dem Titel Magisk Sokkel, niederländisch für Magischer Sockel, lud er die Zuschauer ein, teilzunehmen, indem sie auf einem Podest standen, und verwandelte sie in lebende Skulpturen.

Andere Arte Povera-Künstler bezogen das Publikum nicht direkt ein, sondern schufen Werke, die absichtlich so gestaltet waren, dass sie eine Interaktion der Betrachter suggerierten. Pino Pascalo schuf großflächige Borstenwürmer, die wurmähnliche Skulpturen aus Borstenbürsten waren, die die Betrachter berühren sollten. Und 1965 drückte Michelangelo Pistoletto das vielleicht perfekte Beispiel für die Verbindung von Kunst und Alltagsleben aus. Sein Werk Struktur für das Sprechen im Stehen (Minus Objekte) bestand aus einem Geländer, das in einer Galerie installiert war, an dem sich die Betrachter anlehnen und ihren Fuß abstellen konnten, während sie sprachen.

Michelangelo Pistoletto - Struktur für das Sprechen im Stehen (ohne Objekte)

Zeitgenössische moderne italienische Kunst

Heute sind die Traditionen des italienischen Modernismus lebendig und wohlauf. Ettore Spalletti ist einer der führenden abstrakten Künstler, die heute in Italien arbeiten. Er ist lose mit den Kernideen des Arte Povera verbunden, obwohl seine Arbeiten entschieden anders sind als die der meisten Mitglieder dieser Gruppe. Als multidisziplinärer Künstler schafft Spalletti Objekte, die sich mit dem Wesen der Farbe beschäftigen. Er engagiert sich in einem mühsamen Prozess, der die Anwendung mehrerer Schichten handgemachter Farbe umfasst, bis sich die wesentliche Natur der Farbe, die er sucht, offenbart. In diesem flüchtigen Moment, in dem die Farbe schließlich erscheint, stoppt er seinen Prozess.

Die Objekte, die Spalletti schafft, strahlen eine ätherische Lumineszenz aus. Sie wirken wie eingefangene Momente eines Sonnenaufgangs oder Lichtreflexe von der Oberfläche des Wassers, die in der Zeit eingefroren sind. Neben der Präsentation seiner Werke in Galerien und Museen hat Spalletti auch ganze Innenräume an Orten wie einem Leichenschauhaus und einer Kapelle geschaffen. Vielleicht ist es aus solchen Ausdrucksformen, die mit dem Alltag verbunden sind, dass er seine Assoziation mit Arte Povera fortsetzt. Aber Spalletti ist auch eine einzigartige Stimme in der italienischen zeitgenössischen abstrakten Kunst. Er und seine vielen Zeitgenossen in der heutigen italienischen abstrakten Kunstgemeinschaft genießen eine Verbindung zu jeder der einflussreichen italienischen Kunstbewegungen der Vergangenheit. Und am wichtigsten ist, dass sie, wie ihre Vorgänger, die Tradition lebendig halten, die italienische Kunst an die Spitze des innovativen modernen Denkens zu stellen.

Vorgestelltes Bild: Giacomo Balla - Abstrakte Geschwindigkeit + Klang, 1913-1914. Öl auf unbeschichtetem Hartfaserbrett im vom Künstler bemalten Rahmen. 21 1/2 x 30 1/8 Zoll (54,5 x 76,5 cm). Die Solomon R. Guggenheim Stiftung Peggy Guggenheim Sammlung, Venedig, 1976. © 2018 Artists Rights Society (ARS), New York/SIAE, Rom
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken.
Von Phillip Barcio