"Die Leinwand durchschneiden - Die Geschichte von Lucio Fontana"

Abstrakte Kunst schafft Fragen, keine Antworten. So lädt sie zu Angriffen ein. Nicht jeder mag Fragen. Die Menschen wünschen sich von Kunst oft nur Trost und Schönheit. Aber viele abstrakte Künstler sind nicht so sehr Dekorateure und Trostspender, sondern eher Philosophen-Wissenschaftler: Menschen, die das Universum erfahren und interpretieren wollen, nicht nur schön verpacken. Lucio Fontana war ein solcher Künstler. Als Gründer einer revolutionären Technik namens Spazialismo, oder Spatialismus, war Fontana tief besorgt über die praktischen Möglichkeiten, Kunst zu schaffen, die sich mit den geheimnisvollen Eigenschaften des Raums auseinandersetzte. Er war neugierig, wie Formen den Raum bewohnten, wie sie Raum enthalten konnten und wie durch die Eliminierung von Masse Raum geschaffen werden konnte. Besonders fasziniert war er davon, wie ein Loch in einer Form ein Vakuum schaffen konnte, durch das die Erfahrung von Raum erweitert werden konnte. Aber Spazialismo war nicht nur auf solche akademischen Fragen beschränkt. Wie Fontana 1967 sagte, in Bezug auf die Tatsache, dass Menschen damals routinemäßig mit Raketen ins All reisten: "Jetzt gibt es im Raum keine Messung mehr. Jetzt sieht man die Unendlichkeit…hier ist das Nichts, der Mensch wird auf nichts reduziert…Und auch meine Kunst basiert ganz auf dieser Reinheit, auf dieser Philosophie des Nichts, das kein destruktives Nichts ist, sondern ein kreatives Nichts."

Lucio Fontana und multidisziplinäre Kunst

Es ist ein historischer Fehler, dass Lucio Fontana hauptsächlich als Maler bezeichnet wird. Er wurde als Bildhauer ausgebildet. Er wurde 1899 in Argentinien geboren, als Sohn eines Bildhauers, der Lucio die Grundlagen seines Handwerks beibrachte. Nach Jahrzehnten der Zusammenarbeit mit seinem Vater zog Lucio 1927 nach Mailand und immatrikulierte sich als Bildhauerschüler an der Accademia di Brera. Er hatte seine erste Skulpturenausstellung im Alter von 31 Jahren in einer Mailänder Galerie. Indem er sich selbst als abstrakten Bildhauer bezeichnete, trat er 1935 der Künstlervereinigung Abstraction-Création bei, und in den 1940er Jahren kehrte er nach Argentinien zurück, wo er Bildhauerei unterrichtete und weiterhin dreidimensionale Werke schuf.

In Wahrheit arbeitete Fontana bis 1948 fast ausschließlich im Medium der Skulptur. Und selbst dann, als er begann, Objekte zu schaffen, die Gemälden ähnelten, bestand er darauf, dass es keine Gemälde seien, sondern vielmehr „eine neue Sache in der Skulptur.“ Aber selbst dann, wenn wir Fontanas volle Absichten als Künstler treu bleiben wollten, würden wir ihn auch nicht als Bildhauer bezeichnen. Wir würden ihn einfach als Künstler und vielleicht als Entdecker des Raums bezeichnen.

Lucio Fontana - Figur im Spiegel. Keramik. 24,5 x 15 x 13 cm. © Lucio Fontana

Das Weiße Manifest

1946 kam Fontana zu der Entscheidung, dass die Definitionen von Skulptur und Malerei nicht mehr ausreichten, um der theoretischen Natur seiner Arbeit gerecht zu werden. Er führte eine Gruppe von Künstlern und Studenten bei der Erstellung dessen, was er das Weiße Manifest nannte, dem ersten von mehreren Dokumenten, die Fontana helfen würde zu schreiben und von denen er hoffte, dass sie den Bedarf an einem neuen Ansatz für Kunst ansprechen würden. Das Weiße Manifest lenkte die Aufmerksamkeit auf die Notwendigkeit, dass Kunst im Einklang mit anderen intellektuellen Bestrebungen der damaligen Zeit stehen sollte. Es wies darauf hin, dass die jüngsten wissenschaftlichen und philosophischen Entwicklungen auf der Idee der Synthese basierten, dass verschiedene Ideen kombiniert werden sollten, um einen einheitlichen Standpunkt zu bilden.

Fontana plädierte für einen ähnlichen „synthetischen“ Ansatz zur Schaffung von Kunst, einen, der das, was er die „traditionellen ‚statischen‘ Kunstformen“ nannte, synthetisieren würde, um eine vollständige Methode ästhetischen Ausdrucks zu schaffen, die „das dynamische Prinzip der Bewegung durch Zeit und Raum“ einbeziehen würde. Mit den im Weißen Manifest geäußerten Ideen erfand Fontana im Wesentlichen die multidisziplinäre Kunst: die Perspektive, dass ein Künstler in allen Medien arbeiten sollte, wobei er die Methode verwendet, die am besten zu einer bestimmten Idee passt.

Lucio Fontana - Räumliche Umgebung, beleuchtet. © Lucio Fontana

Abenteuer im Weltraum

Früher in seiner Karriere wurde Fontana dafür kritisiert, seine abstrakten skulpturalen Formen in lauten, scheinbar zufälligen Farben zu malen. Er antwortete, dass er versuche, Farbe zu verwenden, um die Werke mit ihrer Umgebung zu verbinden, um den Raum zwischen Objekt und Betrachter zu überbrücken. Er setzte sich während seiner gesamten Karriere weiterhin mit diesem Anliegen auseinander. Er wollte, dass der Raum selbst als Form manifestiert und zum Thema seiner Kunst wird. Aber er konnte nicht feststellen, wie das erreicht werden könnte. Wie er einmal in sein Journal schrieb: “keine Form ist räumlich.”

Lucio Fontana - Räumliches Konzept, 1949. © Lucio Fontana

Aber 1949 erlebte Fontana Durchbrüche, die ihn seinem Ziel näherbrachten. Der erste manifestierte sich in einem Werk mit dem Titel Räumliche Umgebung. Für dieses bahnbrechende Werk verdunkelte Fontana einen Raum, dessen Wände schwarz gestrichen waren, und hängte von der Decke abstrakte Papiermaché-Formen, die in Neonfarben bemalt waren und unter ultraviolettem Licht leuchteten. Er verwandelte den Ausstellungsraum in einen Teil des Kunstwerks und schuf ein Werk, das die Installationskunst und die Light and Space Movement um mehr als ein Jahrzehnt voraus war, jedoch viele ihrer Konzepte verkörperte. Aber das Thema des Werkes war immer noch nicht der Raum, da der Fokus auf der Erfahrung des Betrachters auf den leuchtenden skulpturalen Formen lag.

Lucio Fontana - Räumliches Konzept, 1950. Acryl auf Leinwand. 69,5 x 99,5 cm. © Lucio Fontana

Räumliche Konzepte

Fontanas nächster Durchbruch führte seine Arbeit in die völlig entgegengesetzte Richtung. Anstatt einen ganzen Raum in leeren Raum zu verwandeln und ihn dann mit einem Objekt zu füllen, beschloss er, ein Objekt zu nehmen und es als Einstiegspunkt in den Raum zu verwenden. Er spannte eine Leinwand auf Keilrahmen, als wollte er ein traditionelles Gemälde schaffen, und stach dann mit einem Messer Löcher durch die Leinwand, bevor er eine monochromatische Farbschicht auftrug.

Lucio Fontana - Concetto spaziale (56 P 8), 1956, mit hinzugefügten Glasperlen und Steinen. © Lucio Fontana

Obwohl es technisch gesehen ein Gemälde war, fungierten die Löcher als Hohlräume in der Form und boten Zugang zum Raum hinter der Leinwand. Diese einfache Geste verwandelte das Gemälde in eine Skulptur. Aber obwohl dies an sich revolutionär war und seine Ideen über multidisziplinäre Kunst demonstrierte, hatte er dennoch das Gefühl, dass es keine Form aus Raum schuf. Also experimentierte Fontana mit verschiedenen Ausdrucksformen des allgemeinen Gedankens. Er stach Löcher in einer Weise, die Kreise, Dreiecke und andere Formen auf der Oberfläche erzeugte. Er fügte auch Steine, Glas und Kristalle zu einigen Leinwänden hinzu, wodurch die Oberfläche nach außen in den Raum erweitert wurde und gleichzeitig der Raum darüber geöffnet wurde.

Lucio Fontana - Concetto spaziale – Attesa, 1965. © Lucio Fontana

Ein einzelner Schrägstrich

In den 1950er Jahren hatte Fontana eine Offenbarung. Er begann, seine Leinwände zu schneiden, Werke, die er Tagli oder Schnitte nannte. Er entwickelte diese Idee allmählich weiter, bis er 1959 zu dem gelangte, was er als die ultimative Manifestation des Ausdrucks betrachtete: ein einzelner Schnitt durch eine ansonsten monochromatische Leinwand. Mit dieser Geste erreichte er sein Ziel, Form aus Raum zu schaffen, und sagte 1968: “Meine Entdeckung war das Loch und das war's. Ich bin glücklich, nach einer solchen Entdeckung ins Grab zu gehen.”

Fontana gab all seinen zerschnittenen Objekten denselben Namen: Concetto Spaziale, oder Raumkonzept. Als er schließlich die Einfachheit und Eleganz der langen Schnitte entdeckte, gab er diesen Gemälden den zusätzlichen Untertitel attesa. Auf Italienisch bedeutet attesa warten oder hoffnungsvolle Erwartung. Wie klar ist, war Fontana nicht nur daran interessiert, wie Menschen Raum wahrnahmen und konzipierten. Er war daran interessiert, wie Menschen sich selbst wahrnahmen und konzipierten. Durch die Verwendung eines Nichts manifestierte er nicht nur Form aus Raum, sondern auch etwas anderes, etwas sowohl Abstraktes als auch Konkretes: die hoffnungsvollen Erwartungen dessen, was jenseits eines Kunstwerks liegt.

Vorgestelltes Bild: Lucio Fontana - Corrida, 1948. Bemalte Keramik. © Lucio Fontana
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken.
Von Phillip Barcio