"Die Leinwand durchschneiden - Die Geschichte von Lucio Fontana"

Abstrakte Kunst stellt Fragen, keine Antworten. Sie lädt somit zum Angriff ein. Nicht jeder mag Fragen. Menschen wünschen sich von Kunst oft nur Trost und Schönheit. Doch viele abstrakte Künstler sind weniger Dekorateure-Trostspender als vielmehr Philosophen-Wissenschaftler: Menschen, die das Universum erfahren und deuten wollen, nicht nur schmücken. Lucio Fontana war ein solcher Künstler. Als Begründer einer revolutionären Technik namens Spazialismo oder Spatialismus beschäftigte sich Fontana intensiv mit praktischen Wegen, Kunst zu schaffen, die sich den geheimnisvollen Eigenschaften des Raumes stellte. Er war neugierig, wie Formen den Raum bewohnen, wie sie Raum enthalten können und wie durch das Eliminieren von Masse Raum geschaffen werden kann. Besonders faszinierte ihn, wie ein Loch in einer Form eine Leere schaffen kann, durch die die Erfahrung von Raum erweitert wird. Doch Spazialismo beschränkte sich nicht nur auf solche akademischen Fragen. Wie Fontana 1967 sagte, in Bezug auf die Tatsache, dass Menschen damals routinemäßig mit Raketen ins Weltall reisten: „Jetzt gibt es im Raum keine Messung mehr. Jetzt sieht man die Unendlichkeit… hier ist die Leere, der Mensch wird zu nichts… Und auch meine Kunst beruht ganz auf dieser Reinheit, auf dieser Philosophie des Nichts, das kein zerstörerisches Nichts ist, sondern ein schöpferisches Nichts.“

Lucio Fontana und die multidisziplinäre Kunst

Es ist ein historischer Fehler, dass Lucio Fontana meist als Maler bezeichnet wird. Er wurde als Bildhauer ausgebildet. Er wurde 1899 in Argentinien geboren, sein Vater war Bildhauer und brachte Lucio die Grundlagen seines Handwerks bei. Nach Jahrzehnten der Zusammenarbeit mit seinem Vater zog Lucio 1927 nach Mailand und schrieb sich als Bildhauerschüler an der Brera-Akademie ein. Seine erste Bildhauerausstellung hatte er im Alter von 31 Jahren in einer Mailänder Galerie. Er bezeichnete sich selbst als abstrakten Bildhauer, trat 1935 der Künstlervereinigung Abstraction-Création bei und kehrte in den 1940er Jahren nach Argentinien zurück, wo er Bildhauerei unterrichtete und weiterhin dreidimensionale Werke schuf.

Tatsächlich arbeitete Fontana bis 1948 fast ausschließlich im Medium der Bildhauerei. Und selbst als er begann, Objekte zu schaffen, die Gemälden ähnelten, bestand er darauf, dass es keine Gemälde seien, sondern „eine neue Sache in der Bildhauerei.“ Doch selbst dann, wenn wir Fontanas volle Absichten als Künstler ernst nehmen, würden wir ihn nicht einfach Bildhauer nennen. Wir würden ihn schlicht Künstler nennen, vielleicht auch Raumforscher.

Lucio Fontana - Figura allo specchio. Keramik. 24,5 x 15 x 13 cm. © Lucio Fontana

Das Weiße Manifest

1946 kam Fontana zu der Erkenntnis, dass die Definitionen von Bildhauerei und Malerei nicht mehr ausreichten, um die theoretische Natur seiner Arbeit zu erfassen. Er führte eine Gruppe von Künstlern und Studenten bei der Schaffung dessen an, was er das Weiße Manifest nannte, das erste von mehreren Dokumenten, die Fontana mitverfasste und von denen er hoffte, dass sie den Bedarf an einem neuen Kunstansatz ansprechen würden. Das Weiße Manifest machte auf die Notwendigkeit aufmerksam, dass Kunst mit anderen intellektuellen Bestrebungen der Zeit in Einklang stehen müsse. Es wies darauf hin, dass jüngste wissenschaftliche und philosophische Entwicklungen sich auf die Idee der Synthese konzentrierten, dass verschiedene Ideen kombiniert werden sollten, um einen einheitlichen Standpunkt zu bilden.

Fontana befürwortete einen ähnlichen „synthetischen“ Ansatz bei der Kunstschaffung, der das, was er die „traditionellen ‚statischen‘ Kunstformen“ nannte, zusammenführen sollte, um eine vollständige Methode des ästhetischen Ausdrucks zu schaffen, die „das dynamische Prinzip der Bewegung durch Zeit und Raum einbezieht.“ Mit den im Weißen Manifest ausgedrückten Ideen erfand Fontana im Grunde die multidisziplinäre Kunst: die Sichtweise, dass ein Künstler in allen Medien arbeiten können sollte, mit jeder Methode, die am besten zu einer bestimmten Idee passt.

Lucio Fontana - Räumliche Umgebung, beleuchtet. © Lucio Fontana

Abenteuer im Raum

Früher in seiner Laufbahn wurde Fontana dafür kritisiert, seine abstrakten skulpturalen Formen in lauten, scheinbar zufälligen Farben zu malen. Er antwortete, dass er versuche, Farbe zu verwenden, um die Werke mit ihrer Umgebung zu verbinden, um die Lücke zwischen Objekt und Betrachter zu überbrücken. Dieses Anliegen verfolgte er während seiner gesamten Karriere. Er wollte, dass der Raum selbst als Form erscheint und zum Thema seiner Kunst wird. Doch er konnte nicht herausfinden, wie das erreicht werden könnte. Wie er einmal in seinem Tagebuch schrieb: „Keine Form ist räumlich.“

Lucio Fontana - Räumliches Konzept, 1949. © Lucio Fontana

Doch 1949 erlebte Fontana Durchbrüche, die ihn seinem Ziel näherbrachten. Der erste zeigte sich in einem Werk namens Räumliche Umgebung. Für dieses bahnbrechende Werk verdunkelte Fontana einen Raum, dessen Wände schwarz gestrichen waren, und hängte von der Decke abstrakte Papiermaché-Formen in Neonfarben, die unter ultraviolettem Licht leuchteten. Er verwandelte den Ausstellungsraum in einen Teil des Kunstwerks, schuf ein Werk, das der Installationskunst und der Licht- und Raum-Bewegung um mehr als ein Jahrzehnt voraus war, aber viele ihrer Konzepte verkörperte. Doch das Thema des Werks war noch nicht der Raum, da der Fokus der Betrachtererfahrung auf den leuchtenden skulpturalen Formen lag.

Lucio Fontana - Räumliches Konzept, 1950. Acryl auf Leinwand. 69,5 x 99,5 cm. © Lucio Fontana

Räumliche Konzepte

Fontanas nächster Durchbruch führte seine Arbeit in die völlig entgegengesetzte Richtung. Anstatt einen ganzen Raum in leeren Raum zu verwandeln und ihn dann mit einem Objekt zu füllen, entschied er sich, ein Objekt zu nehmen und es als Zugang zum Raum zu nutzen. Er spannte Leinwand auf Keilrahmen, als wolle er ein traditionelles Gemälde schaffen, stach dann mit einem Messer Löcher in die Leinwand, bevor er eine einfarbige Farbschicht auftrug.

Lucio Fontana - Concetto spaziale (56 P 8), 1956, mit hinzugefügten Glasperlen und Steinen. © Lucio Fontana

Obwohl technisch ein Gemälde, wirkten die Löcher als Leerräume in der Form, die Zugang zum Raum hinter der Leinwand boten. Diese einfache Geste verwandelte das Gemälde in eine Skulptur. Doch obwohl dies an sich revolutionär war und seine Ideen zur multidisziplinären Kunst zeigte, fühlte er dennoch, dass es keine Form aus Raum schuf. Also experimentierte Fontana mit verschiedenen Ausdrücken dieses allgemeinen Gedankens. Er stach Löcher so, dass sie Kreise, Dreiecke und andere Formen auf der Oberfläche bildeten. Er fügte auch Steine, Glas und Kristalle zu einigen Leinwänden hinzu, wodurch die Oberfläche in den Raum hinaus erweitert und zugleich der Raum dahinter geöffnet wurde.

Lucio Fontana - Concetto spaziale – Attesa, 1965. © Lucio Fontana

Ein einziger Schnitt

In den 1950er Jahren hatte Fontana eine Offenbarung. Er begann, seine Leinwände zu zerschneiden, Werke, die er Tagli oder Schnitte nannte. Er entwickelte diese Idee allmählich weiter, bis er 1959 zu dem gelangte, was er als die ultimative Ausdrucksform ansah: ein einziger Schnitt durch eine ansonsten einfarbige Leinwand. Mit dieser Geste erreichte er sein Ziel, Form aus Raum zu schaffen, und sagte 1968: „Meine Entdeckung war das Loch, und das war’s. Ich bin glücklich, nach einer solchen Entdeckung ins Grab zu gehen.“

Fontana gab all seinen zerschnittenen Objekten denselben Namen: Concetto Spaziale, oder Raumkonzept. Als er schließlich die Schlichtheit und Eleganz der langen Schnitte entdeckte, gab er diesen Gemälden den zusätzlichen Untertitel attesa. Auf Italienisch bedeutet attesa Warten oder hoffnungsvolle Erwartung. Wie deutlich wird, interessierte sich Fontana nicht nur dafür, wie Menschen Raum wahrnehmen und begreifen. Er interessierte sich auch dafür, wie Menschen sich selbst wahrnehmen und begreifen. Durch die Verwendung einer Leere manifestierte er nicht nur Form aus Raum, sondern auch etwas anderes, etwas sowohl Abstraktes als auch Konkretes: die hoffnungsvollen Erwartungen dessen, was jenseits eines Kunstwerks liegt.

Titelbild: Lucio Fontana - Corrida, 1948. Bemalte Keramik. © Lucio Fontana
Alle Bilder dienen nur zur Veranschaulichung
Von Phillip Barcio