'Callum Innes' Malerei und Unmalerei'

Der schottische Maler Callum Innes ist ein idealer Künstler, auf den wir in unserer gegenwärtigen, sagen wir mal, apokalyptischen Zeit achten sollten. Schließlich bedeutet das Wort Apokalypse im ursprünglichen Griechisch nur „enthüllen“ oder „offenbaren“. Wenn unsere heutige Verbindung mit dem Wort Bilder von Katastrophen in unserem Geist hervorruft, könnte das selbst eine Offenbarung darüber sein, wie wichtig es geworden ist, dass manche Dinge nicht enthüllt werden. Ich freue mich, Innes als apokalyptischen Maler zu bezeichnen, gerade weil seine Arbeit meiner Meinung nach ganz von Offenbarung handelt. Es ist eine Idee, die in seinem Ruf als „Entmaler“ verankert ist. Er erhielt den Beinamen Entmaler wegen seines Prozesses, der auf den ersten Blick das Gegenteil von anderen Malern zu sein scheint. Er beginnt jedes Werk, indem er eine einfarbige Farbschicht auf seine Oberfläche aufträgt und dann wiederholt mit Terpentin über die bemalte Fläche geht. Obwohl er technisch gesehen fortlaufend Schichten von Medium auf das Bild aufträgt, besteht die Natur dieses Mediums darin, das zuvor auf der Oberfläche befindliche Medium zu entfernen. Jede Entmalung könnte als Relikt eines Schlüsselmoments in seinem Prozess betrachtet werden – ein eingefrorener Moment ästhetischer Offenbarung. Es ist jedoch auch verlockend, mehr darin zu sehen. Die monolithische, undurchsichtige Schicht, die Innes zuerst in seinem Atelier aufbaut; die Art, wie eine scheinbar unantastbare Front beim ersten Kontakt mit einem Lösungsmittel vollständig in ein tropfendes Durcheinander zerfällt; die Erkenntnis der wahren Komplexität von Struktur und Schichten, die sich in dem verbergen, was zunächst einfach und einheitlich schien; die Erkenntnis, dass am Ende nur wenig dauerhaft ist – wie könnten wir in der Poesie dieses Prozesses nicht etwas Offenbarendes über unseren gegenwärtigen Moment sehen? Doch, wie Innes wahrscheinlich als Erster betonen wird, sind diese apokalyptischen Entmalungen keine politische Aussage, noch sind sie Allegorien. Sie sind einfache, materielle Erinnerungen daran, dass die Zeit niemals ausgeht und nichts je vollendet ist.

Die Zeit wird niemals ausgehen

Viele Menschen beschreiben Callum Innes als Prozesskünstler. Wenn dieser Ausdruck etwas unzureichend erscheint, könnte das daran liegen, dass in der Kunst nichts ohne Prozess entsteht. Bei Innes bedeutet das, dass der Prozess das Werk ist. Das Gemälde selbst, als Gegenstand, ist nur insoweit wichtig, als es uns an den Prozess erinnert. Am besten versteht man das, wenn man Innes bei der Arbeit im Atelier beobachtet. Auf der Artimage-Website gibt es ein schönes Video von Innes, aufgenommen vom französischen Fotografen Gautier Deblonde. Das Video zeigt nichts als Methode. Es bezeugt den Prozess und wie ernst Innes ihn nimmt. Wir sehen, wie Innes beginnt, Farbe auf eine Oberfläche aufzutragen, um eine Idee von Farbe und Form zu materialisieren. Während er ein Quadrat oder Rechteck auf dieser Hauptfläche malt, spritzt Pigment auch an Wand und Boden – visuelle und materielle Wellen im Raum-Zeit-Gefüge, die man ebenfalls als Teil des Werks ansehen könnte. Während sich das Pigment auf der Hauptfläche ansammelt und die Farbe intensiver wird, scheint das Gemälde in diesem Moment von der Wand genommen und als einfarbiges Bild verkauft werden zu können. Niemand würde an seinem Status als vollendetes Kunstwerk zweifeln. Doch genau in diesem Moment beginnt Innes mit dem Terpentin.

Callum Innes - Enthülltes Gemälde bläulich violett roter Oxid, 2019, Öl auf Leinen, 110 x 107 cm / 43,3 x 42,1 Zoll. Kerlin Galerie

Jeder neue Strich seines mit Terpentin getränkten Pinsels lässt weitere Pigmentschichten buchstäblich in der Luft verdampfen. Das Terpentin spritzt auch auf Boden und Wände, frisst die Farbe an diesen Stellen und die Oberflächen selbst an. Während wir zusehen, verwandelt sich das, was als Gemälde begann, in eine Entmalung. Innes hingegen sucht offenbar nach Anzeichen für die von ihm erhoffte Verwandlung. Während er dieses Werk schafft, blickt er gleichzeitig zurück und voraus in der Zeit, erinnert sich an jede andere Entmalung, die er je gemacht hat, denkt daran, was daraus wurde, als sie das Atelier verließ, was die Leute darüber sagten, als sie ausgestellt wurde, und wie sie ihm selbst erschien, als er sie schließlich an einer kahlen Wand unter Galerielicht sah. Während er diesen Prozess durchläuft, trifft er keine willkürlichen ästhetischen Entscheidungen. Er fragt sich, wo dieses Werk in Bezug auf alle Werke steht, die er je geschaffen hat oder noch schaffen wird. Er kämpft gegen den häufigsten Dämon, dem jeder Künstler begegnet: die Zeit.

Callum Innes - Ohne Titel, 2017, Pastell auf Two Rivers Papier, 76 x 61 cm ungerahmt / 96 x 81 cm gerahmt. Kerlin Galerie

Nichts ist je vollendet

Das Relikt, das im Atelier entsteht, stellt nur eine Phase dieses Prozesses dar. Lange nachdem Innes damit fertig ist, hat es weiterhin Wechselwirkungen mit Betrachtern anzuregen – Wechselwirkungen, die zu Erinnerungen werden, während Licht, Feuchtigkeit, Wärme, Staub und Schimmel die Oberfläche weiter abtragen und wieder aufbauen. Die grundlegendste Annahme, die wir alle machen, wenn wir ein Kunstwerk in einer Galerie oder einem Museum sehen, ist, dass das Werk vollendet ist. Innes bei der Arbeit zuzusehen, wirft die entscheidende Frage auf, nach welchen Kriterien ein Künstler überhaupt beurteilen kann, wann etwas vollendet ist? Um etwas von bleibendem Wert zu schaffen, muss ein Kunstwerk mehr sein als eine Momentaufnahme. Es muss Zeit markieren, ohne in der Zeit stecken zu bleiben. Viele Künstler fühlen sich nie wirklich mit ihrem Werk fertig. Sie quälen sich mit Änderungen, die sie noch vornehmen möchten, selbst nachdem das Werk verkauft ist. Dafür gibt es einen guten Grund: Es ist wahr, kein Kunstwerk ist je vollendet.

Callum Innes - Monolog 1, 2012, Öl auf Leinwand, 210 x 205 cm / 82,7 x 80,7 Zoll. Kerlin Galerie

Wenn wir Innes bei der Arbeit zusehen, sehen wir einen Künstler, der das Problem der Zeit durch Beherrschung der Technik überwunden hat; einen Künstler mit gutem Humor und Standhaftigkeit, für den der Prozess eindeutig der Sinn ist – das Tun; die Eingebung; der schöpferische Akt. Er scheint zu wissen, dass das Werk, solange es existiert, niemals vollendet sein wird. Er hört einfach auf, wenn das, was er tut, ihn, den Künstler, an den Punkt gebracht hat, an dem er etwas Neues tun kann. Die Leichtigkeit, mit der er diese Verhandlung eingeht, und die Mühelosigkeit, mit der er eine Entmalung hinter sich lässt, um zur nächsten überzugehen, legen nahe, dass wir es ihm gleichtun sollten. Statt das, was wir jetzt sehen, zu analysieren, sollten wir uns erlauben, in die Zeitschichten einzutauchen, die in seinem Werk rückwärts und vorwärts projiziert werden. Entmalung ist eine Erinnerung daran, dass Offenbarung ein Prozess ist.

Titelbild: Callum Innes - Paynes Grey / Chromgelb 2011, Aquarell auf Canson Heritage 640 g/m², 56 x 77 cm / 22 x 30,3 Zoll. Kerlin Galerie
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken
Von Phillip Barcio