'Callum Innes' Malerei und Unmalerei'

Der schottische Maler Callum Innes ist ein idealer Künstler, auf den wir in unserer gegenwärtigen, sagen wir, apokalyptischen Zeit achten sollten. Schließlich bedeutet das Wort Apokalypse im ursprünglichen Griechisch nur, etwas aufzudecken oder zu offenbaren. Wenn unsere zeitgenössische Assoziation mit dem Wort Bilder von Katastrophen in unserem Geist hervorruft, könnte das selbst eine Offenbarung darüber sein, wie wichtig es geworden ist, dass einige Dinge nicht offenbart werden. Ich bin froh, Innes einen apokalyptischen Maler zu nennen, genau weil seine Arbeit, meiner Meinung nach, ganz im Zeichen der Offenbarung steht. Es ist eine Idee, die in seinem Ruf als "Unmaler" verankert ist. Er hat den Spitznamen Unmaler verdient, wegen seines Prozesses, der zunächst das Gegenteil von anderen Malern zu sein scheint. Er beginnt jedes Werk, indem er eine monochromatische Farbschicht auf seine Oberfläche aufträgt und dann wiederholt den bemalten Bereich mit Terpentin überarbeitet. Obwohl er technisch gesehen kontinuierliche Schichten von Medium zum Bild hinzufügt, besteht die Natur dieses Mediums darin, das Medium zu entfernen, das zuvor auf der Oberfläche war. Jede Unmalerei könnte als ein Relikt eines Schlüsselmoments in seinem Prozess betrachtet werden – ein eingefrorener Moment ästhetischer Offenbarung. Es ist jedoch auch verlockend, mehr hinein zu lesen als das. Die monolithische, opake Schicht, die Innes zuerst in seinem Studio konstruiert; die Art und Weise, wie eine scheinbar unvergängliche Front beim ersten Kontakt mit einem Lösungsmittel vollständig in ein tröpfelndes Durcheinander zerfällt; die Erkenntnis der wahren Komplexität von Struktur und Schichten, die in dem lauern, was zunächst einfach und einheitlich schien; die Erkenntnis, dass am Ende sehr wenig dauerhaft ist – wie könnten wir nicht etwas Offenbarendes über unseren zeitgenössischen Moment in der Poesie dieses Prozesses sehen? Doch, wie Innes wahrscheinlich als Erster darauf hinweisen wird, sind diese apokalyptischen Unmalereien keine politischen Aussagen, noch sind sie Allegorien. Sie sind einfache, materielle Erinnerungen daran, dass die Zeit niemals ablaufen wird und nichts jemals abgeschlossen ist.

Die Zeit wird niemals ablaufen

Viele Menschen beschreiben Callum Innes als Prozesskünstler. Wenn etwas an diesem Ausdruck unzureichend erscheint, könnte das daran liegen, dass in der Kunst nichts ohne Prozess entsteht. Bei Innes bedeutet es, dass der Prozess das Werk ist. Das Gemälde selbst, als Objekt, ist nur insofern wichtig, als es uns an den Prozess erinnert. Der beste Weg, es zu verstehen, ist, Innes bei der Arbeit im Studio zuzusehen. Auf der Artimage-Website gibt es ein schönes Video von Innes, das von dem französischen Fotografen Gautier Deblonde gemacht wurde. Das Video zeigt nichts als Methode. Es bezeugt den Prozess und wie ernst Innes ihn nimmt. Wir sehen, wie Innes beginnt, Farbe auf eine Fläche aufzutragen, um eine Idee, die er über Farbe und Form hat, zu materialisieren. Während er ein Quadrat oder Rechteck auf dieser Hauptfläche malt, spritzt auch Pigment an die Wand und den Boden – visuelle und materielle Wellen im Raum-Zeit-Kontinuum, die man auch als Teil des Werkes betrachten könnte. Während das Pigment auf der Hauptfläche sich ansammelt und die Farbe intensiver wird, scheint es, als könnte das Gemälde in diesem Moment von der Wand genommen und als Monochrom verkauft werden. Niemand würde an seinem Status als vollständiges Kunstwerk zweifeln. Doch genau in diesem Moment beginnt Innes mit dem Terpentin.

Callum Innes - Exposed Painting Blauviolett Rotoxid, 2019, Öl auf Leinen, 110 x 107 cm / 43,3 x 42,1 in. Kerlin Gallery

Jeder neue Strich mit seinem in Terpentin getränkten Pinsel lässt zusätzliche Schichten von Pigmenten buchstäblich in der Luft verdampfen. Das Terpentin spritzt auch auf den Boden und die Wände und frisst die Farbe weg, die auf diese Oberflächen gespritzt ist, sowie an den Oberflächen selbst. Während wir zuschauen, entwickelt sich das, was als Gemälde begann, zu einem Ungemälde. Innes hingegen beobachtet anscheinend nach Anzeichen für die Transformation, die er zu bewirken hoffte. Während er dieses Werk schafft, projiziert er auch rückwärts und vorwärts in der Zeit, erinnert sich an jedes andere Ungemälde, das er je gemacht hat, ruft sich in Erinnerung, was damit geschah, als es das Atelier verließ, was die Leute darüber sagten, als es ausgestellt wurde, und wie es ihm selbst erschien, als er es schließlich an einer kahlen Wand unter Galerielichtern hängen sah. Während er diesen Prozess navigiert, trifft er nicht nur willkürliche ästhetische Entscheidungen. Er fragt sich, wo dieses Werk in Verbindung zu jedem Werk steht, das er je gemacht hat oder jemals machen wird. Er kämpft gegen den häufigsten Dämon, dem jeder Künstler je gegenüberstand: die Zeit.

Callum Innes - Untitled, 2017, Pastell auf Two Rivers Papier, 76 x 61 cm ungerahmt / 96 x 81 cm gerahmt. Kerlin Gallery

Nichts ist jemals fertig

Das Relikt, das im Studio entsteht, repräsentiert nur eine Phase dieses Prozesses. Lange nachdem Innes damit fertig ist, hat es weiterhin Interaktionen mit den Betrachtern, um diese zu provozieren – Interaktionen, die Erinnerungen werden, selbst während Licht, Feuchtigkeit, Wärme, Staub und Schimmel weiterhin die Oberfläche abtragen und wieder aufbauen. Die grundlegendste Annahme, die wir machen, wenn wir ein Kunstwerk in einer Galerie oder einem Museum sehen, ist, dass das Werk fertig ist. Innes bei der Arbeit zuzusehen, wirft die entscheidende Frage auf, welche Kriterien ein Künstler möglicherweise verwenden könnte, um zu beurteilen, wann etwas vollendet ist? Um erfolgreich etwas von bleibendem Wert zu schaffen, muss ein Kunstwerk mehr sein als ein Schnappschuss. Es muss die Zeit markieren, ohne in der Zeit stecken zu bleiben. Viele Künstler haben nie wirklich das Gefühl, dass ihr Werk vollendet ist. Sie quälen sich mit Veränderungen, die sie gerne noch daran vornehmen würden, selbst nachdem das Werk verkauft wurde. Es gibt einen guten Grund, warum Künstler so empfinden: Denn es ist wahr, kein Kunstwerk ist jemals fertig.

Callum Innes - Monolog 1, 2012, Öl auf Leinwand, 210 x 205 cm / 82,7 x 80,7 in. Kerlin Gallery

Wenn wir Innes bei der Arbeit zuschauen, sehen wir einen Künstler, der das Problem der Zeit überwunden hat, indem er die Technik gemeistert hat; einen Künstler mit gutem Humor und Standhaftigkeit, für den der Prozess eindeutig der Punkt ist – das Tun; die Intuition; der kreative Akt. Er scheint zu wissen, dass, solange das Werk existiert, es niemals fertig sein wird. Er hört einfach auf, wenn das, was er tut, ihn, den Künstler, an den Punkt gebracht hat, an dem er etwas Neues tun kann. Die Unbeschwertheit, mit der er in diese Verhandlung eintritt, und die Leichtigkeit, mit der er ein Unpainting hinter sich lässt, um zum nächsten überzugehen, legt nahe, dass wir es ihm gleichtun sollten. Anstatt zu analysieren, was wir jetzt sehen, sollten wir uns erlauben, in die Schichten der Zeit hineingezogen zu werden, die in seinem Werk rückwärts und vorwärts projizieren. Unpainting ist eine Erinnerung daran, dass Offenbarung ein Prozess ist.

Vorgestelltes Bild: Callum Innes - Paynes Grey / Chrome Yellow 2011, Aquarell auf Canson Heritage 640gsm, 56 x 77 cm / 22 x 30,3 in. Kerlin Gallery
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken.
Von Phillip Barcio