Charlotte Park, Eine abstrakte Künstlerin, die man kennen sollte

Ich finde vertraute Dinge im Werk von Charlotte Park. In ihren Gemälden sehe ich eine fast grenzenlose Angst und Suche, die in bestimmten Momenten von einer Ruhe oder Stille abgelöst wird, aber immer selbstbewusst bleibt. Park ist heute keine besonders bekannte Künstlerin, obwohl ihre engsten Mitarbeiter zu den berühmtesten Künstlern des vergangenen Jahrhunderts gehören. Sie war mit James Brooks verheiratet, dessen Werke in der Tate, im MoMA und im Smithsonian sowie in anderen institutionellen Sammlungen zu finden sind. Park und Brooks lebten neben Jackson Pollock und Lee Krasner in New York City. Als Pollock und Krasner in die Hamptons zogen, übernahmen Park und Brooks deren Wohnung und folgten ihnen später nach Long Island. Trotz der sozialen Umgebung von Dutzenden anderer talentierter Maler entwickelte Park eine einzigartige visuelle Stimme, die für mich sofort nachvollziehbar ist. Vielleicht ist sie im Vergleich zu ihren Zeitgenossen relativ unbekannt, weil sie alle fröhlich mit dem Abstract Expressionism verbunden waren. Obwohl viele zeitgenössische Kunstschriftsteller und Händler offensichtliche Versuche unternommen haben, Park „wiederzuentdecken“ und ihr Werk in denselben historischen Kontext zu zwingen, verspüre ich keine Neigung, über Park als Teil dieser Bewegung, Tendenz oder Phänomen zu schreiben, oder was auch immer es war oder ist. Park scheint mir auf einer persönlichen künstlerischen Reise gewesen zu sein, die einer einzigartigen Evolution folgte. Im Gegensatz zu so vielen ihrer Altersgenossen, die kritischen Erfolg erzielten und dann erstarrten, erreichte Park ihren Höhepunkt spät in ihrer Karriere, wie ein weiser Weise, der endlich den Gipfel eines Berges erreicht und alles sieht, schließlich im kleinsten Detail. Während der Abstract Expressionism für mich immer eine Art von „Ich-Sein“ zu sein scheint, schuf Park ein Werk, das mehr über „Wir-Sein“ spricht. Ihre Gemälde kartieren nicht nur ihre Individualität, sondern auch ihre Menschlichkeit – ihre Evolution vom Suchenden zum inneren Frieden.

Eine Figur in Isolation

Geboren 1918 in Concord, Massachusetts, erwarb Park 1939 ihren Kunstabschluss an der Yale University. Während des Zweiten Weltkriegs arbeitete sie für das Office of Strategic Services (OSS), das später zur CIA wurde, und zog nach dem Krieg mit Brooks nach New York. Im Nachkriegs-Manhattan fanden sie und Brooks sich inmitten einer der lebhaftesten künstlerischen Avantgarden der Welt wieder. Doch der einzige Aspekt dieser Szene, der anscheinend in die Arbeiten von Park zu dieser Zeit eingedrungen ist, ist der Fokus auf Abstraktion. Ihre Gemälde zeigen wenig Interesse an den Hauptanliegen ihrer Zeitgenossen, wie dem Unterbewusstsein, automatischem Zeichnen, Transzendentalismus oder Mythenschöpfung. Park scheint sich nicht, wie Pollock, als die verkörperte Natur gesehen zu haben. Stattdessen malte sie wie eine Künstlerin, die daran interessiert ist, grundlegende Fragen darüber zu stellen, was Malerei ist und ob sie wirklich geeignet ist, die Gesamtheit der menschlichen Erfahrung auszudrücken.

Charlotte Park - Die Sonne, 1950. Öl auf Papier auf Leinwand montiert. 18 x 24 Zoll. (45,7 x 61 cm). © Berry Campbell Gallery

Frühe Gemälde wie „Masque“ (1950), „Die Sonne“ (1950) und „Abreise“ (1955) deuten auf jemanden hin, der scheinbar versucht, Menschenmengen zu malen – zusammengepferchte, biomorphe Formen, die in einem Spiel von Drücken und Ziehen gefangen sind. Die Formen selbst in diesen Gemälden sind nicht wirklich das Hauptthema. Vielmehr sind es die Beziehungen zwischen ihnen und ihrer Umgebung, die wichtig erscheinen. In einer erweiterten Serie von überwiegend schwarzen Gemälden, die sie in den 1950er Jahren zu schaffen begann, schien Park zu versuchen, durch plastische Realitäten hindurchzubrechen, um etwas hinter der Oberfläche zu entdecken. Wut und Frustration scheinen in diesen groben visuellen Ausbrüchen eingebettet zu sein. Emotion, Allegorie und Metapher versuchen, sich auszudrücken, aber die Gemälde scheinen fast unzureichend zu sein, um ihre Botschaften zu transportieren. Die eine Aussage, die diese Gemälde immer wieder erfolgreich machen, ist, dass derjenige, der sie gemalt hat, sich allein fühlt.

Charlotte Park - Untitled, 1985. Acryl auf Papier. 28,6 x 28,6 cm. © James Brooks und Charlotte Park Foundation. Mit freundlicher Genehmigung der Berry Campbell Gallery

Das Raster finden

Einige Schriftsteller wehren sich gegen den Ruf, Geschichten zu erzählen, so seltsam das auch klingen mag. Sie wollen einfach schreiben, ohne Struktur, ohne Erwartungen. Geschichte kann ein Käfig sein, der den Schriftsteller vieler kreativer Freiheiten beraubt. Einige Maler empfinden das Gleiche gegenüber dem Raster. Die Notwendigkeit, sogenannte Kompositionen zu schaffen, die bestehenden visuellen Formaten entsprechen, ist eine echte Frustration für einen Künstler, der einfach nur malen möchte. Die Angst, die in ihrem Werk während der meisten ihrer Karriere präsent ist, deutet darauf hin, dass Park mit diesem Kampf vertraut war. In den 1950er und 60er Jahren und bis in die frühen 70er Jahre wehrt sich ihr Werk gegen die Grenzen des Rahmens, schneidet den Einfluss des Rasters ab, lehnt traditionelle Vorstellungen von Harmonie und Balance ab und ignoriert die Vorstellungen der "all over"-Kompositionsstrategie, die viele ihrer Zeitgenossen angenommen haben. Viele der Gemälde, die sie in der ersten Hälfte ihrer Karriere geschaffen hat, fühlen sich für mich überhaupt nicht wie Gemälde an – sie fühlen sich wie Kämpfe an: Kämpfe mit Raum; Kämpfe mit Licht; Kämpfe mit Materialität; Kämpfe mit dem, was die Polynesier mana nennen: die Energie, die in allen Dingen gesammelt wird.

Charlotte Park - Pereshia, 1976. Acryl auf Leinwand. 18 x 18 Zoll. (45,7 x 45,7 cm). © Berry Campbell Gallery

Park steckte Energie in ihre Gemälde. Sie übertrug etwas Lebendiges von sich selbst oder aus sich selbst in ein lebloses Ding, ein Bild. Dieser Kampf kam jedoch um die Mitte der 1970er Jahre abrupt zum Ende, als Park einen Ausflug in einen unerwarteten ästhetischen Abzweig unternahm – den von Piet Mondrian und dem Erbe des Neo-Plastizismus. Gemälde wie „Gerardia“ (1975), „Hellebore“ (1975-77) und „Pereshia“ (1976-78) setzen genau dort an, wo die vereinfachte, neo-plastische Farbpalette und die Rasterstruktur von Mondrian endeten. Außer dass Park alles freihändig und mit einem freien Geist macht. Ihre Phase des neo-plastischen Rastermalens war kurzlebig, aber die Idee des Rasters blieb für den Rest ihrer Karriere in ihrer Arbeit präsent. Es ist, als hätte Park, anstatt mit den Einschränkungen des Rahmens und dem anti-liberalen Charakter der Kompositionsstruktur zu kämpfen, unerwartet eine geheime Freiheit in ihrer Umarmung solcher Parameter gefunden. Ihre Gemälde waren immer selbstbewusst, aber das späte Auftreten des Rasters in ihnen machte sie ruhig und still. Ich persönlich fühle mich zu diesen friedlichen Gemälden am wenigsten unter ihrem Werk hingezogen, aber ich wette, meine Meinung würde Park nichts bedeuten, da sie eine seltene Künstlerin war, die hauptsächlich für sich selbst malte.

Vorgestelltes Bild: Charlotte Park - Untitled, 1960. Öl auf Leinwand. 34 x 34 Zoll. (86,4 x 86,4 cm). © Berry Campbell Gallery
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken.
Von Phillip Barcio