Charlotte Park, Eine abstrakte Künstlerin, die man kennen sollte

Ich finde Vertrautes in den Werken von Charlotte Park. In ihren Gemälden sehe ich eine fast grenzenlose Angst und Suche, die in bestimmten Momenten von einer Ruhe oder Stille abgelöst wird, aber immer selbstbewusst bleibt. Park ist heute keine besonders bekannte Künstlerin, obwohl ihre engsten Weggefährten zu den berühmtesten Künstlern des vergangenen Jahrhunderts zählen. Sie war mit James Brooks verheiratet, dessen Werke unter anderem in der Tate, dem MoMA und dem Smithsonian zu finden sind. Park und Brooks wohnten neben Jackson Pollock und Lee Krasner in New York City. Als Pollock und Krasner in die Hamptons zogen, übernahmen Park und Brooks ihre Wohnung und folgten ihnen später nach Long Island. Obwohl sie sozial von Dutzenden anderer talentierter Maler umgeben war, entwickelte Park eine eigenständige bildnerische Stimme, die mir sofort vertraut ist. Vielleicht ist sie heute im Vergleich zu ihren Zeitgenossen relativ unbekannt, weil diese alle freudig mit dem Abstrakten Expressionismus in Verbindung gebracht wurden. Obwohl viele zeitgenössische Kunstschriftsteller und Händler offensichtliche Versuche unternommen haben, Park „wiederzuentdecken“ und ihre Werke in denselben historischen Kontext zu zwängen, verspüre ich keine Neigung, über Park als Teil dieser Bewegung, Tendenz oder Erscheinung zu schreiben, was auch immer es war oder ist. Park scheint mir auf einer persönlichen künstlerischen Reise gewesen zu sein, die einer einzigartigen Entwicklung folgte. Anders als viele ihrer Kollegen, die kritischen Erfolg erzielten und dann erstarrten, erreichte Park ihren Höhepunkt spät in ihrer Laufbahn, wie ein weiser Weise, der endlich den Gipfel eines Berges erreicht und alles, endlich, im Kleinsten sieht. Während der Abstrakte Expressionismus für mich immer eine Art „Ich-Bezogenheit“ zu sein scheint, schuf Park ein Werk, das mehr von „Allumfassendheit“ geprägt ist. Ihre Gemälde zeigen nicht nur ihre Individualität, sondern auch ihre Menschlichkeit – ihre Entwicklung vom Suchenden zum inneren Frieden.

Eine Figur in der Isolation

Geboren 1918 in Concord, Massachusetts, erwarb Park 1939 ihren Kunstabschluss an der Yale-Universität. Während des Zweiten Weltkriegs arbeitete sie für das Office of Strategic Services (OSS), das später zur CIA wurde, und zog nach dem Krieg mit Brooks nach New York. Im Nachkriegs-Manhattan befanden sie sich mitten in einer der lebendigsten künstlerischen Avantgarden der Welt. Doch der einzige Aspekt dieser Szene, der sich in Parks damaligen Werken zu spiegeln scheint, ist der Fokus auf Abstraktion. Ihre Gemälde zeigen wenig Interesse an den Hauptanliegen ihrer Zeitgenossen wie Unterbewusstsein, automatisches Zeichnen, Transzendentalismus oder Mythenschöpfung. Park scheint sich nicht, wie Pollock, als verkörperte Natur gesehen zu haben. Stattdessen malte sie wie eine Künstlerin, die grundlegende Fragen darüber stellt, was Malerei ist und ob sie wirklich geeignet ist, die Gesamtheit der menschlichen Erfahrung auszudrücken.

Charlotte Park – Die Sonne, 1950. Öl auf Papier auf Leinwand montiert. 45,7 x 61 cm. © Berry Campbell Galerie

Frühe Gemälde wie „Maske“ (1950), „Die Sonne“ (1950) und „Abreise“ (1955) deuten auf jemanden hin, der scheinbar versucht, Menschenmengen zu malen – gedrängte, biomorphe Formen, die in einem Spiel von Ziehen und Drücken gefangen sind. Die Formen selbst sind in diesen Gemälden nicht wirklich das Thema. Vielmehr sind es die Beziehungen zwischen ihnen und ihrer Umgebung, die wichtig erscheinen. In einer ausgedehnten Serie meist schwarzer Gemälde, die sie in den 1950er Jahren begann, schien Park zu versuchen, durch plastische Wirklichkeiten hindurchzubrechen, um etwas hinter der Oberfläche zu entdecken. Wut und Frustration scheinen in diesen groben visuellen Ausbrüchen eingebettet zu sein. Gefühl, Allegorie und Metapher versuchen sich auszudrücken, doch die Gemälde wirken fast unzulänglich, ihre Botschaften zu tragen. Die eine Aussage, die diese Gemälde immer wieder machen, ist, dass derjenige, der sie malte, sich allein fühlt.

Charlotte Park – Ohne Titel, 1985. Acryl auf Papier. 28,6 x 28,6 cm. © James Brooks und Charlotte Park Stiftung. Mit freundlicher Genehmigung der Berry Campbell Galerie

Das Raster finden

Manche Schriftsteller widerstehen dem Drang, Geschichten zu erzählen, so seltsam das auch klingen mag. Sie wollen einfach schreiben, ohne Struktur, ohne Erwartungen. Geschichten können ein Käfig sein, der dem Schriftsteller viele kreative Freiheiten raubt. Manche Maler empfinden Ähnliches gegenüber dem Raster. Die sogenannten Kompositionen schaffen zu müssen, die bestehenden Bildformaten entsprechen, ist für einen Künstler, der einfach nur malen will, eine echte Quelle der Frustration. Die Angst, die in ihrem Werk während der meisten ihrer Laufbahn präsent ist, deutet darauf hin, dass Park mit diesem Kampf vertraut war. In den 1950er und 60er Jahren und bis in die frühen 70er Jahre hinein tobt ihr Werk gegen die Grenzen des Rahmens, untergräbt den Einfluss des Rasters, lehnt traditionelle Vorstellungen von Harmonie und Gleichgewicht ab und ignoriert die „all-over“-Kompositionsstrategie, die viele ihrer Zeitgenossen annahmen. Viele der Gemälde, die sie in der ersten Hälfte ihrer Laufbahn schuf, wirken für mich nicht wirklich wie Gemälde – sie fühlen sich wie Kämpfe an: Kämpfe mit dem Raum; Kämpfe mit dem Licht; Kämpfe mit der Materialität; Kämpfe mit dem, was die Polynesier mana nennen: die Energie, die sich in allen Dingen sammelt.

Charlotte Park – Pereshia, 1976. Acryl auf Leinwand. 45,7 x 45,7 cm. © Berry Campbell Galerie

Park steckte Energie in ihre Gemälde. Sie übertrug etwas Lebendiges von sich selbst in einen leblosen Gegenstand, ein Bild. Doch dieser Kampf endete abrupt Mitte der 1970er Jahre, als Park einen unerwarteten ästhetischen Umweg einschlug – den von Piet Mondrian und dem Erbe des Neoplastizismus. Gemälde wie „Gerardia“ (1975), „Nieswurz“ (1975-77) und „Pereshia“ (1976-78) setzen genau dort an, wo die vereinfachte, neoplastische Farbpalette und Rasterstruktur von Mondrian endeten. Nur dass Park alles frei von der Hand und mit freiem Geist macht. Ihre Phase der neoplastischen Rastermalerei war kurz, doch die Idee des Rasters blieb für den Rest ihrer Laufbahn in ihrem Werk präsent. Es ist, als hätte Park statt mit den Begrenzungen des Rahmens und dem Anti-Liberalismus der Kompositionsstruktur zu kämpfen, unerwartet eine geheime Freiheit in der Umarmung solcher Parameter gefunden. Ihre Gemälde waren immer selbstbewusst, doch das späte Auftauchen des Rasters machte sie ruhig und still. Persönlich kann ich mich mit diesen friedlichen Gemälden am wenigsten in ihrem Gesamtwerk identifizieren, doch ich wette, meine Meinung wäre Park egal gewesen, da sie eine seltene Künstlerin war, die hauptsächlich für sich selbst malte.

Titelbild: Charlotte Park – Ohne Titel, 1960. Öl auf Leinwand. 86,4 x 86,4 cm. © Berry Campbell Galerie
Alle Bilder dienen nur zur Veranschaulichung
Von Phillip Barcio