Fühl dich nicht traurig - Kauf stattdessen blaue abstrakte Kunst!
In den meisten frühen Zeiten waren Menschen blau-blind. Homer deutete in seinen eindrucksvollen Beschreibungen auf ein weinrot gefärbtes Meer hin, während die alten Erklärungen von Naturphänomenen wie dem Regenbogen Blau eindeutig ausschlossen. Der größte Teil der Alten Welt verwendete faszinierende ägyptische Blautöne, fand jedoch kein Wort, um die Vielzahl von Farbtönen zu beschreiben, die wir heute unter Blau zusammenfassen. Die zeitverzögerte Farbe Blau sollte nicht nur zum Liebling der Kunstwelt werden, sondern auch zur bevorzugten Farbe überhaupt – weit und breit! Blaue abstrakte Kunstwerke heben diese unvergleichliche Leidenschaft für Blau hervor, die im 20. Jahrhundert ihren Höhepunkt erreichte. Blau sollte von Anfang des 20. Jahrhunderts an die Hauptrolle übernehmen. Von Picassos düsterer Blauer Periode bis zu den blau dominierten Werken der Gruppe Der Blaue Reiter verkündete Blau seine unbestrittene Vorrangstellung. In seinem Werk Über das Geistige in der Kunst (1911) behauptet Kandinsky, dass Blau eine Farbe der Spiritualität sei und je dunkler das Blau, desto mehr wecke es das menschliche Verlangen nach dem Ewigen. Wir können nur spekulieren, ob das Verlangen nach dem Ewigen oder etwas so Erhabenes die bezauberndste blaue abstrakte Kunst inspiriert hat, wie Rothkos Divided by Blue, Mirós Blue II oder Klines Blueberry Eyes, unter vielen anderen. Die Antwort könnte vielleicht in unserer wöchentlichen Sammlung der fesselndsten blauen abstrakten Kunstwerke unten zu finden sein.
Arvid Boecker - #1276
Boecker-Werk zeigt seine besondere Erforschung der Farbe selbst auf der üblichen rechteckigen Leinwand, die durch eine Längslinie in zwei Felder geteilt ist, die mit zwei verschiedenen Blautönen bemalt sind. Sorgfältig bezüglich der Farbe trägt Boecker bis zu 40 Schichten auf, sowohl Lasur als auch Impasto, entfernt aber auch alte Schichten, sodass die Spuren der Abnutzung sichtbar bleiben. Der lange Entstehungsprozess, während dessen seine Gemälde reifen, ist von Natur aus meditativ, da er gleichzeitig über die Farbe und ihre Wirkung nachdenkt. Boecker ist ein deutscher abstrakter Maler, dessen Werk die Spannungen und Harmonien zwischen Farbbeziehungen, Texturen und dem Prozess der Zeit mobilisiert. Er lebt und arbeitet in Heidelberg, Deutschland.
Arvid Boecker - #1276, 2019. Öl auf Leinwand. 50 x 40 x 5,5 cm.
Kyong Lee - Emotional color chart 099
Emotional color chart 099 ist Teil der 2016 begonnenen Serie, in der Lee die Bedeutung von Farbe und die emotionale Sprache erforscht, die unterbewusst bestimmte Wörter mit bestimmten Farbtönen verbindet. Dieses abgestufte Farbgemälde besteht aus Farbschichten, die über eine festgelegte Zeit aufgetragen und gleich lang ruhen gelassen werden. Aufbau, Schichtung und Anhäufung führen zu einzigartigen Abstufungen, die die Beziehung zwischen Farbe und Zeit unterstreichen und ihr erlauben, ihre emotionalen Erfahrungen im zeitlichen Wandel auszudrücken. Lee ist eine koreanische abstrakte Künstlerin, deren Werk physische und emotionale Wirklichkeiten durch eine multidisziplinäre Erforschung von Farbe, Material, Prozess und Form in Einklang bringt. Sie lebt und arbeitet in Seoul, Korea.
Kyong Lee - Emotional color chart 099, 2019. Bleistift und Acryl auf Fabriano-pittura-Papier. 70 x 30 cm.
Joanne Freeman - Covers 24 Blue C Summer
Teil der Covers-Serie, Covers 24 Blue C Summer, ist eine persönliche und eigenwillige Hommage an populäre Kulturcover aus der Mitte des 20. Jahrhunderts. Es spiegelt Freemans reduktive Bildsprache wider, reich an (sub)kulturellen Bezügen und geschickt in blauem Gouache auf handgeschöpftem indischem Khadi-Papier festgehalten. Die Verwendung einer einzigen Farbe betont das Zusammenspiel von Hintergrund und Vordergrund, das Körperlichkeit, Gefühl, Begrenzung und Zufälligkeit ausdrückt. Freeman ist eine amerikanische abstrakte Malerin, die minimalistische, reduzierte Gemälde und Papierarbeiten mit klar abgegrenzten abstrakten Formen und kräftigen, lebendigen, gestischen Markierungen schafft. Sie lebt und arbeitet in New York City.
Joanne Freeman - Covers 24 Blue C Summer, 2016. Gouache auf handgeschöpftem Khadi-Papier. 61 x 61 cm.
Debra Ramsay - Sky & Snow
Sky & Snow setzt Ramsays anhaltende Untersuchung von Farbe, Ort, Licht und Zeit fort, die in ihrer Hue[s]pace-Serie gipfelt. Ramsay fängt Farbe fotografisch ein und übersetzt sie dann mit einem Computerprogramm in eine Farbmischung. Sie ist tief von der Natur inspiriert, und die Quelle der Farben in Sky & Snow offenbart sich eindeutig: blaue Acrylfarben auf Plexiglas erzeugen eine neblige, atmosphärische Wirkung. Ramsay ist eine amerikanische abstrakte Künstlerin, die Acrylgemälde, Zeichnungen und Installationen schafft, die das konzeptuelle Zusammenspiel von Farbe, Linie und Oberfläche erforschen. Sie lebt und arbeitet in New York City.
Debra Ramsay - Sky & Snow, 2016. Acryl auf klarem Plexiglas. 76,2 x 33 cm.
Marcy Rosenblat - Blue Shift
Berühmt für ihre Prozesskunst gießt Rosenblat die Farbe und dreht die Staffelei, sodass die Farbe tropft und ihrer inneren Bewegung folgt. Jede Farbschicht in Blue Shift ähnelt einem Schleier, durch den Offenbarung und Verhüllung den Betrachter eintauchen lassen und seine/ihre eigene Selbstbetrachtung anregen. Das Gewebe, das Rosenblat zwischen ihre Hand und die Leinwand legt, erzeugt Texturen und Muster, die zur bildlichen Illusion ihres Werks beitragen. Rosenblat ist eine amerikanische abstrakte Prozessmalerin. Ihre Gemälde und Drucke sind vielschichtig, farbenfroh und komplex. Geboren in Chicago, Illinois, lebt und arbeitet sie derzeit in Brooklyn, New York.
Marcy Rosenblat - Blue Shift, 2017. Acryl auf Leinen. 61 x 61 cm.
Richard Caldicott - Chance/Fall (8), 2010
Teil seiner Chance/Fall-Serie, Chance/Fall (8), 2010, fängt Caldicotts Vorliebe für Improvisation ein, bei der sich überlappende und schwebende Schichten schimmernden Blaus eine leuchtende, verlockende Energie ausstrahlen und den Betrachter hypnotisieren. Ihr durchscheinender Glanz trägt zur Lebendigkeit und Anziehungskraft bei, die überzeugend und fesselnd ist. Mit der traditionellsten Technik liefert Caldicott ein leichtes und unprätentiöses Werk, das auf neuartige und einzigartige Weise auf den Modernismus verweist. Caldicott ist ein englischer Künstler, der abstrakte Fotografie erforscht und abstrakte Kompositionen auf Papier schafft. Er lebt und arbeitet in London.
Richard Caldicott - Chance/Fall (8), 2010. C-Druck. 127 x 101,6 cm.
Dana Gordon - That Is
Gordons jüngstes Werk entfernt sich von seinem gefeierten kaleidoskopischen Kunstwerk in einer strengen Erforschung des Zusammenspiels von Farbe, Form und Linie. That Is ist laut Gordon eine solide Integration all dessen, was zuvor in seinem Werk war, und umfasst die gesammelten Erfahrungen, Gefühle, Spannungen und Zurückhaltung. Mit einer reduzierten Palette aus kontrastierendem Blau und Gelb untersucht er die expressive Möglichkeit der flüssigen Kalligrafie und ihre Fähigkeit, die menschliche Natur und Erfahrung in ihrer Fülle auszudrücken. Gordon ist ein amerikanischer abstrakter Maler, dessen lebhaftes Werk seit Jahrzehnten direkt das Potenzial von Markierungen und Linien erforscht, um bedeutungsschwere Farbe, Form und Raum zu schaffen. Er lebt und arbeitet in New York City.
Dana Gordon - That Is, 2018. Acryl und Flashe auf Leinwand. 121,92 x 152,4 cm.
Ulla Pedersen - Cut-Up Paper I.5
Cut-Up Paper I.5 steht beispielhaft für Pedersens besondere Herangehensweise – eine Palette, die auf ein auffälliges Blau und minimale klar abgegrenzte Formen auf einem einfarbigen Feld beschränkt ist. Ihr überzeugender Kontrast von Form und Nicht-Form offenbart die Harmonie und Spannung, die in Farben, Mustern und Formen eingeschrieben sind. Sie sucht energisch danach, die sich entwickelnde Natur ihrer Beziehungen zu erforschen, indem sie sie mischt, verschiebt und schichtet. Pedersen ist eine dänische abstrakte Künstlerin. Ihr Werk ist eine minimale und konkrete Erforschung von Farbe, Materialität, Form und Gleichgewicht. Sie lebt und arbeitet in der Hauptstadtregion Dänemarks.
Ulla Pedersen - Cut-Up Paper I.5, 2016. Acryl auf Papier. 30 x 30 cm.
Paul Snell - Intersect # 201803
Intersect # 201803 ist ein ikonisches Beispiel für Snells sinnliches Verständnis des physischen Objekts. Dieser leuchtende, lebendige fotografische Druck mit vorherrschenden Blautönen ist das Ergebnis eines langen und anspruchsvollen Prozesses – durch digitale Entschlüsselung der von einer traditionellen Kamera aufgenommenen visuellen Informationen reduziert er Farben und Formen, bis ihre selbstbezüglichen Beziehungen innerhalb einer neuen Komposition sichtbar werden. In der Nachfolge der Moderne, des Minimalismus und der klar abgegrenzten Abstraktion schafft er ein spannendes Werk, das zum Nachdenken anregt und zum Nachsinnen einlädt. Snell verbindet traditionelle und digitale Techniken, um die Möglichkeiten von Abstraktion und Minimalismus in zeitgenössischen Fotomedien zu erforschen. Er lebt und arbeitet in Launceston, Tasmanien.
Paul Snell - Intersect # 201803, 2018. Chromogener Druck, hinter Acrylglas 4,5 mm. 118 x 118 cm.
Seb Janiak - Photon 06 (Medium)
Die Photon-Serie untersucht visuell die doppelte Natur des Lichts – sowohl als Welle als auch als Teilchen. Janiaks grundlegende (meta)physikalische Annahme und Ausgangspunkt seiner ästhetischen Erkundungen ist, dass sich die Natur des Lichts ändert, wenn der Beobachter es wahrnimmt. Um seine Behauptungen zu überprüfen, verwendet Janiak ein Kameraobjektiv, da es dem Auge am ähnlichsten ist. Ein Prisma, das als Vermittler zwischen Auge und Sichtbarem dient, zerlegt das unsichtbare weiße Licht in sieben Grundfarben, und Photon 04 isoliert den blauen Teil des Spektrums. Janiak ist ein fotografischer Künstler, dessen Werk Bedingungen erforscht, unter denen Gegensätze koexistieren können, und die visuellen Eigenschaften der verborgenen Kräfte offenbart, die das physische Universum formen. Er lebt und arbeitet in Paris, Frankreich.
Seb Janiak - Photon 06 (Medium), 2012. Chromogener Druck. 100 x 133 cm.
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Abgebildet: Joanne Freeman - Covers 24 Blue C Summer, 2016, Installationsansicht.
Von Jovana Vuković
