Abschied von Siri Berg

Die schwedisch-amerikanische abstrakte Künstlerin Siri Berg, Mitglied der American Abstract Artists, deren Werke in der Sammlung des Solomon R. Guggenheim Museums sowie in anderen Institutionen zu finden sind, ist im Alter von 98 Jahren in New York City gestorben. Wie Josef Albers und die anderen Bauhaus-Künstler, die sie inspirierten, widmete Berg ihre Aufmerksamkeit den grundlegenden Elementen der visuellen Kunst: Farbe, Licht, Form, Gestalt, Material und Komposition. Ihre geradlinigen Kunstwerke überzeugten durch ihre Ehrlichkeit und ihr Selbstbewusstsein. Berg bezeichnete ihre Werke einmal einfach als „Aussagen“. Obwohl ihre Arbeiten abstrakt sind, betrachtete sie sie nicht als mystisch, suggestiv oder indirekt. Eine Aussage ist vielmehr etwas Autoritatives. Sie behauptet. Sie offenbart. Das Wesen dessen, was Berg mit ihren Werken ausdrückte, schwankte je nach vielen Faktoren. Manchmal schuf sie rein formalistische Gemälde, die eindeutig als Aussagen über Farbe gedacht waren, wie ihre Serie „Gradation“. Zu anderen Zeiten malte sie Werke, die, obwohl sie Farbe als ästhetisches Mittel einsetzen, auch unverblümt allegorisch über die Beziehungen sind, die Menschen zueinander und zur Welt entwickeln. Ihr wegweisendes Werk „La Ronde“ (1972) trägt seinen Namen von dem 1897 erschienenen Theaterstück von Arthur Schnitzler, das sich mit sexuellen Beziehungen zwischen zehn verschiedenen Personen beschäftigt. Für ihre Version von „La Ronde“ malte Berg eine Reihe von Leinwänden, die die Beziehungen zwischen verschiedenen Farben erkundeten, indem sie verschiedene Farben in unterschiedlichen Kontexten zueinander stellte. So wie die Charaktere im Schnitzler-Stück unterschiedliche Aspekte ihrer Persönlichkeiten offenbaren, je nachdem, mit wem sie intim sind, zeigt Berg, wie Farben ihr Aussehen völlig verändern, je nachdem, mit welchen anderen Farben sie kombiniert werden – eine Aussage darüber, wie alle Arten von Veränderungen oft tatsächlich nur Fiktionen unserer Wahrnehmung sind, verursacht durch sich ändernde Umstände. Berg erfreute sich an Gesprächen wie diesen, von denen sie wusste, dass ihre Werke die Kraft hatten, sie zu entfachen.

Subtile Dialoge

Berg wurde 1921 in Stockholm, Schweden, geboren. 1940, nachdem sie ihren Abschluss am Institut für Kunst und Architektur der Universität Brüssel gemacht hatte – und gerade als die Deutschen zu Beginn des Zweiten Weltkriegs Belgien besetzten – floh sie allein nach Amerika und wagte eine 28-tägige Reise auf einem kleinen Frachter. Sie wusste von Anfang an, dass ihre wahren Ambitionen im Kunstbereich lagen, jedoch verbrachte Berg die ersten zwei Jahrzehnte in Amerika mit Arbeiten in angrenzenden kreativen Bereichen: zuerst in der Mode und dann als Schaufensterdesignerin für Kaufhäuser. Schließlich wandte sie sich in ihren 40ern ganz der Malerei zu, malte zunächst in ihrem Zuhause und mietete später einen Atelierraum in SoHo, in der Nähe ihres Wohnorts. Von Anfang an nahmen ihre Gemälde einen individualistischen Raum im Kontext ihrer Zeitgenossen ein. Nicht genau Minimalistisch, aber weit entfernt von expressionistisch; formal abstrakt, aber voller allegorischer Inhalte: das Werk veranschaulichte ein Ziel, das Berg als sicherstellen bezeichnete, dass sie "da" in dem Werk war.

Siri Berg - La Ronde, 1972. Kat.-Nr. 99, Acryl auf Masonit, 12" x 87" (7@12"x12" je). © Siri Berg

Was es für Berg bedeutete, "da" zu sein, war, dass sie Wege finden konnte, ihre Erfahrungen und persönlichen Prüfungen in die geometrischen Formen und Farbbeziehungen in ihren Gemälden einfließen zu lassen. Eines ihrer bekanntesten frühen Werke, "Cycle of Life" (1967), bietet ein perfekt subtil Beispiel für diese Verbindung von persönlichem Inhalt und formalistischer Präzision: Es mobilisiert ein einfaches, geschichtetes Gitter aus überlappenden Kreisen und eine begrenzte Farbpalette, um die Entwicklungsstufen eines Embryos auszudrücken. Ein weiteres nuanciertes Beispiel dafür, dass Berg "da" in der Arbeit ist, findet sich in ihrer Serie "Phases", in der teilweise und vollständig Kreise auf flachen Oberflächen in Gittermustern ausgerichtet sind. Die Kreise mögen den Mondphasen ähneln, aber sie sind in Wirklichkeit nur formale Aussagen über die Existenz von Phasen. Die Wahrheit der Existenz von Phasen ist das, was zählt, unabhängig davon, ob wir von geometrischen Phasen, natürlichen Phasen oder den sich verändernden und unvollständigen Phasen des Lebens der Künstlerin sprechen.

Siri Berg - Zyklus des Lebens, 1967. Kat. #53, Öl auf Leinwand, 28" x 28". © Siri Berg

Kontraste und Wahrnehmung

Im Laufe ihrer Karriere hielt sich Berg an eine einfache Palette von nur neun Grundfarben. Ausgehend von diesem grundlegenden Rahmen arbeitete sie daran, Farben zu mischen, die "nicht existieren" in der natürlichen Welt. Durch die Entwicklung unnatürlicher Farbtöne konnte sie Begegnungen mit den Betrachtern anstoßen, in denen sie sich nicht mehr mit der Suche nach Referenzen zur Natur belasten mussten. Künstlichkeit wurde zur Wahrheit in ihren Gemälden. Befreit von narrativen Referenzen außerhalb von sich selbst, ist das Werk frei, um den Inhalt zu kommunizieren, den Berg beabsichtigte, dass es trägt. Eines ihrer Lieblingsthemen war die Kabbala, ein Bereich esoterischer jüdischer Lehren über die Beziehung zwischen unendlichen, göttlichen Kräften und dem endlichen, sterblichen Universum. Berg erkundete dieses Konzept in ihren "Kabbala"-Gemälden, indem sie sich auf seinen wesentlichsten Aspekt konzentrierte: die Vorstellung von Kontrasten.

Siri Berg - Kabbala, 1983. Kat#443, Öl auf Leinwand, 12” x 12”. © Siri Berg

Andere für Berg wichtige Themen waren Architektur und Licht. Sie brachte diese Interessen klar in ihren Fundobjekt-Assemblagen zum Ausdruck. "Mouseballs" (1999), eine Assemblage aus sechs Rollkugeln von Computer-Mäusen, die auf eine Leinwand geklebt sind, ist ein klassisches Beispiel. Die Mouseballs und die Oberfläche sind alle in demselben violetten Farbton bemalt. Der zentrale Teil des Werkes ist gerippt, während der Rest flach ist. Die Mouseballs werfen Schatten auf die Rillen. Wenn das Auge von den Kugeln zu den Rillen und zur flachen Oberfläche wandert, erscheinen Nachbilder, die springende Illusionen von Schatten und Form erzeugen. Eine weitere Assemblage, "Singularitäten" (1980-99), besteht aus einem Raster von 25 transparenten, runden Saugnäpfen, die auf eine weiße Leinwand geklebt sind. Die Saugnäpfe werfen runde Schatten und erzeugen kreisförmige Nachbilder über die flache Oberfläche. Obwohl es definitiv Gemälde und keine Skulpturen sind, machen Werke wie diese klare Aussagen über das Potenzial von Raum und Licht, die menschliche Wahrnehmung zu beeinflussen. Letztendlich war die Idee der sich verändernden Wahrnehmungen das Wichtigste für Berg, insbesondere wenn es darum ging, wie die Menschen sie als Künstlerin wahrnahmen. Wie sie einmal auf die Frage antwortete, was es bedeute, eine feministische Künstlerin zu sein: "Ich möchte, dass mein Werk von Ihnen so gesehen und erlebt wird, wie es ist und nicht, wie ich bin."

Vorgestelltes Bild: Siri Berg - Phase 25, 1973. Kat#152a, Öl auf Leinwand, 12" x 14". © Siri Berg
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken.
Von Phillip Barcio