Abschied von Siri Berg

Die schwedisch-amerikanische abstrakte Künstlerin Siri Berg, Mitglied der American Abstract Artists, deren Werke unter anderem in der Sammlung des Solomon R. Guggenheim Museums vertreten sind, ist im Alter von 98 Jahren in New York City verstorben. Wie Josef Albers und die anderen Bauhaus-Künstler, die sie inspirierten, widmete Berg ihre Aufmerksamkeit den grundlegenden Elementen der bildenden Kunst: Farbe, Licht, Form, Gestalt, Material und Komposition. Ihre geradlinigen Kunstwerke überzeugten durch ihre Ehrlichkeit und Selbstsicherheit. Berg bezeichnete ihre Werke einmal einfach als „Aussagen“. Obwohl ihre Arbeit abstrakt ist, betrachtete sie sie nicht als mystisch, suggestiv oder indirekt. Eine Aussage ist vielmehr etwas Autoritäres. Sie behauptet. Sie offenbart. Das Wesen dessen, was Berg mit ihren Werken ausdrückte, schwankte je nach vielen Faktoren. Manchmal schuf sie rein formalistische Gemälde, die eindeutig als Aussagen über Farbe gedacht waren, wie ihre „Gradation“-Serie. Andere Male malte sie Bilder, die zwar Farbe als ästhetisches Mittel einsetzen, aber auch unverhohlen allegorisch über die Beziehungen sind, die Menschen zueinander und zur Welt entwickeln. Ihr wegweisendes Werk „La Ronde“ (1972) trägt seinen Namen nach dem gleichnamigen Stück von Arthur Schnitzler aus dem Jahr 1897, das sexuelle Beziehungen zwischen zehn verschiedenen Personen behandelt. Für ihre Version von „La Ronde“ malte Berg eine Reihe von Leinwänden, die Beziehungen zwischen verschiedenen Farben erforschten, indem sie verschiedene Farben in unterschiedlichen Kontexten zueinander stellte. So wie die Figuren im Schnitzler-Stück je nach Intimität unterschiedliche Seiten ihrer Persönlichkeit zeigen, zeigt Berg, wie Farben je nach ihrer Kombination mit anderen Farben ihr Aussehen völlig zu verändern scheinen – eine Aussage darüber, wie alle Arten von Veränderungen oft nur Fiktionen unserer Wahrnehmung sind, verursacht durch wechselnde Umstände. Berg genoss solche Gespräche, von denen sie wusste, dass ihre Arbeit die Kraft hatte, sie anzuregen.

Feine Dialoge

Berg wurde 1921 in Stockholm, Schweden, geboren. 1940, nachdem sie ihren Abschluss am Institut für Kunst und Architektur der Universität Brüssel erworben hatte – und gerade als die Deutschen in den frühen Jahren des Zweiten Weltkriegs begonnen hatten, Belgien zu besetzen – floh sie allein nach Amerika und wagte eine 28-tägige Reise auf einem kleinen Frachtschiff. Von Anfang an wusste sie, dass ihre wahren Ambitionen im Bereich der Kunst lagen, doch verbrachte Berg ihre ersten zwei Jahrzehnte in Amerika in angrenzenden kreativen Bereichen: zunächst in der Mode und dann als Schaufensterdekorateurin für Kaufhäuser. Erst in ihren Vierzigern wandte sie sich ganz der Malerei zu, zunächst zu Hause malend, später mietete sie Atelierraum in SoHo, in der Nähe ihres Wohnorts. Von Anfang an nahmen ihre Gemälde einen eigenständigen Platz im Kontext ihrer Zeitgenossen ein. Nicht ganz Minimalistisch, aber weit entfernt vom Expressionismus; formal abstrakt, doch voller allegorischer Inhalte: Die Arbeit verkörperte ein Ziel, das Berg als sicherzustellen bezeichnete, dass sie „dort“ in der Arbeit sei.

Siri Berg - La Ronde, 1972. Kat.-Nr. 99, Acryl auf Masonit, 30 cm x 221 cm (7x 30 cm x 30 cm). © Siri Berg

Was es für Berg bedeutete, „dort“ zu sein, war, dass sie Wege fand, ihre Erfahrungen und persönlichen Prüfungen in die geometrischen Formen und Farbzusammenhänge ihrer Gemälde einfließen zu lassen. Eines ihrer bekanntesten frühen Werke, „Cycle of Life“ (1967), bietet ein perfekt feines Beispiel für diese Verbindung von persönlichem Inhalt und formalistischer Präzision: Es nutzt ein einfaches, geschichtetes Raster aus sich überlappenden Kreisen und eine begrenzte Farbpalette, um die Entwicklungsstadien eines Embryos auszudrücken. Ein weiteres nuanciertes Beispiel dafür, wie Berg „dort“ in der Arbeit war, findet sich in ihrer „Phases“-Serie, in der teilweise und vollständige Kreise in Rastermustern auf flachen Flächen angeordnet sind. Die Kreise mögen Mondphasen ähneln, doch sind sie tatsächlich nur formale Aussagen über die Tatsache von Phasen. Die Wahrheit der Existenz von Phasen ist das Wesentliche, unabhängig davon, ob wir von geometrischen Phasen, natürlichen Phasen oder den wechselnden und unvollständigen Phasen im Leben der Künstlerin sprechen.

Siri Berg - Cycle Of Life, 1967. Kat.-Nr. 53, Öl auf Leinwand, 71 cm x 71 cm. © Siri Berg

Gegensätze und Wahrnehmung

Während ihrer gesamten Laufbahn hielt Berg an einer einfachen Palette von nur neun Grundfarben fest. Ausgehend von diesem Grundgerüst bemühte sie sich, Farben zu mischen, die in der natürlichen Welt „nicht existieren“. Durch die Entwicklung unnatürlicher Farbtöne konnte sie Begegnungen mit Betrachtern anregen, bei denen diese aufhörten, sich mit der Suche nach Naturbezügen zu belasten. Künstlichkeit wurde in ihren Gemälden zur Wahrheit. Befreit von Erzählbezügen außerhalb ihrer selbst, ist die Arbeit frei, jeglichen Inhalt zu vermitteln, den Berg ihr zu geben beabsichtigte. Eines ihrer Lieblingsthemen war die Kabbala, ein Bereich esoterischer jüdischer Lehren über die Beziehung zwischen unendlichen, göttlichen Kräften und dem endlichen, sterblichen Universum. Berg erforschte dieses Konzept in ihren „Kabbalah“-Gemälden, indem sie sich auf dessen wesentlichsten Aspekt konzentrierte: die Vorstellung von Gegensätzen.

Siri Berg - Kabbala, 1983. Kat.-Nr. 443, Öl auf Leinwand, 30 cm x 30 cm. © Siri Berg

Weitere wichtige Themen für Berg waren Architektur und Licht. Diese Interessen brachte sie deutlich in ihren Assemblagen aus Fundstücken zum Ausdruck. „Mouseballs“ (1999), eine Assemblage aus sechs Rollerbällen von Computermäusen, die auf eine Leinwand geklebt sind, ist ein klassisches Beispiel. Die Mouseballs und die Oberfläche sind alle im gleichen violetten Farbton bemalt. Der zentrale Teil des Werks ist geriffelt, während der Rest flach ist. Die Mouseballs werfen Schatten auf die Rillen. Wenn das Auge von den Kugeln zu den Rillen und zur flachen Oberfläche wandert, erscheinen Spuren, die springende Illusionen von Schatten und Form erzeugen. Eine weitere Assemblage, „Singularities“ (1980-99), besteht aus einem Raster von 25 transparenten, runden Saugnäpfen, die auf eine weiße Leinwand geklebt sind. Die Saugnäpfe werfen runde Schatten und erzeugen kreisförmige Spuren über die flache Oberfläche. Obwohl es sich eindeutig um Gemälde und nicht um Skulpturen handelt, machen solche Werke klare Aussagen über das Potenzial von Raum und Licht, die menschliche Wahrnehmung zu beeinflussen. Letztlich war die Idee wechselnder Wahrnehmungen für Berg am wichtigsten, besonders wenn es darum ging, wie Menschen sie als Künstlerin wahrnahmen. Wie sie einmal auf die Frage antwortete, was es bedeutet, eine feministische Künstlerin zu sein: „Ich möchte, dass meine Arbeit von Ihnen so betrachtet und erlebt wird, wie sie ist, und nicht, wer ich bin.“

Titelbild: Siri Berg - Phase 25, 1973. Kat.-Nr. 152a, Öl auf Leinwand, 30 cm x 36 cm. © Siri Berg
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken
Von Phillip Barcio