Elemente der Abstraktion - Elizabeth Gourlay in einem Interview

Elizabeth Gourlay betrachtet ihre Arbeit als Meditation über Formen und Farben und vergleicht ihre Atelierpraxis manchmal mit dem Komponieren von Musik. Mit einer Mischung aus Medien, die von Öl über Graphit bis hin zu Collage reichen, schafft Gourlay abstrakte Kompositionen, die auf ein ästhetisches Vokabular verweisen, das sublim zwischen Natur und Geometrie ausbalanciert ist. Gourlay lebt in Chester, Connecticut, und ist diesen Monat mit Arbeiten in vier Gruppenausstellungen in New York, Connecticut und Massachusetts vertreten. IdeelArt hatte Gelegenheit, mit ihr über ihre Praxis, ihren Ausstellungskalender und ihre neue Werkgruppe zu sprechen.

Interview mit Elizabeth Gourlay - Aktuelle Ausstellungen und Aktivitäten

IdeelArt: Sie haben einen ereignisreichen Monat! Diesen Monat sind Sie in vier Gruppenausstellungen in vier verschiedenen Städten vertreten. Wenn Sie sich in einer solchen Phase befinden, in der viele verschiedene Betrachter die Gelegenheit haben, Ihrer Arbeit zu begegnen, nehmen Sie sich dann weiterhin Zeit, im Atelier aktiv zu sein, oder sind Sie lieber in den Galerien, um mit diesen Betrachtern ins Gespräch zu kommen und ihre Reaktionen auf Ihre Arbeit aufzunehmen?

Elizabeth Gourlay: Dies ist das erste Mal, dass ich so viele Aktivitäten gleichzeitig habe. Es ist aufregend, aber ich bin es so gewohnt, einzelnen Ausstellungen meine ungeteilte Aufmerksamkeit zu widmen, dass ich nun eine Eröffnung verpassen musste, um an einer anderen teilzunehmen. Sobald die Kunstwerke jedoch geliefert sind, gehört die Zeit wieder mir. Obwohl ich nach selbst einer kurzen Phase von Aktivitäten, die mich vom Atelier fernhält, unbedingt wieder dorthin zurückkehren möchte, genieße ich auch den Austausch in der Galerie, wenn ich mich bei Eröffnungen und anderen Galerieveranstaltungen mit Künstlerkollegen und Freunden unterhalte. Abstrakte Kunst ist eine Sprache, und Gespräche mit Betrachtern, insbesondere mit Künstlern und Freunden bei Veranstaltungen, stärken das Gefühl der Widerstandsfähigkeit in den neuen Ausdrucksformen, die wir entwickeln.

IA: Sie haben diesen Monat Ausstellungen an idyllischen, ländlichen Orten, etwa in der Tremaine Gallery in Lakeville, CT, sowie in dicht besiedelten urbanen Zentren, etwa in der 1285 Avenue of the Americas Gallery in Midtown Manhattan. Auf welche Weise haben Betrachter in so unterschiedlichen Umgebungen unterschiedlich auf Ihre Arbeit reagiert?

E.G. In beiden Fällen waren die Besucher visuell anspruchsvoll und schienen interessiert und positiv eingestellt zu sein. In New York City waren sie im Allgemeinen gesprächiger, stellten eher Fragen und äußerten bereitwilliger ihre Meinungen. Ich glaube, die Betrachter in New York gingen tendenziell näher an die Werke heran!

IA: Wie haben Gespräche oder andere Arten des Austauschs mit Betrachtern die Richtung Ihrer künstlerischen Praxis beeinflusst?

E.G. Ich versuche, mich nicht von den Reaktionen der Betrachter beeinflussen zu lassen. Wenn die Reaktion auf eine neue Richtung, die mich an meiner Arbeit begeistert, jedoch positiv ist, beeinflusst mich das unweigerlich dazu, diesen Weg weiter zu erkunden. Es ist immer interessant, unterschiedliche Meinungen zu erleben und zu sehen, wie und warum Menschen sich zu verschiedenen Werken hingezogen fühlen.

Elizabeth Gourlay - Tantara 1, 2013. Monotypie auf Papier. 40.6 x 38.1 cm.

Vergangenheit und Gegenwart

IA: Wie unterscheidet sich die Arbeit, die Sie heute schaffen, von der Arbeit, die Sie in der Vergangenheit geschaffen haben? 

E.G. Meine Arbeit war ab etwa 1994 häufig auf Rastern aufgebaut und hatte ein quadratisches Format. Sie entstand in Schichten aus Lasuren und gezeichneten Linien. Um 2005 begann ich, mit viel kühneren geometrischen Formen und gesättigten Farben zu spielen. Seitdem habe ich zwischen kräftigen, starken Formen und Farben und einer zarteren, gedämpfteren Arbeitsweise hin und her gewechselt und gelegentlich beides miteinander verbunden. Die Werke beginnen oft auf ähnliche Weise, können aber sehr unterschiedlich enden. Die wahrscheinlich größte Veränderung ist die Freiheit, die ich mir im Schaffensprozess erlaube.

IA: Sie beziehen sich manchmal auf Meditation, wenn Sie über Ihre Arbeit sprechen. Könnten Sie erläutern, was dieses Wort im Verhältnis zu Ihrer Kunst bedeutet? Betrachten Sie beispielsweise den Prozess der Entstehung Ihrer Arbeit als meditativ? Sehen Sie im fertigen Werk einen möglichen meditativen Vermittler für die Betrachter? 

E.G. Ich betrachte den Prozess tatsächlich als meditativ. Ich versuche, nicht zu viele Ideen mit ins Atelier zu bringen, vielleicht eine Farbidee oder eine Formidee. Wenn ich beginne zu arbeiten, lasse ich das innere Auge, das Unbewusste, auf die Arbeit reagieren und mich dazu führen, das schwer fassbare mentale Element einzufangen, das fern und doch so gegenwärtig sein kann. Meine beste Arbeit entsteht gewöhnlich dann, wenn meine Gedanken unbeschwert sind und ich mit der Arbeit im Einklang bin. Ob ich direkt zeichne oder Lasuren übereinanderschichte, ich genieße die Erfahrung, das Werk entstehen zu lassen. Ich kann es nicht besser ausdrücken als Paul Klee, der sagte: „Meine Hand ist ganz und gar das Instrument einer ferneren Sphäre.“ Ich arbeite nicht mit der Absicht, etwas für die Erfahrung eines anderen Menschen zu schaffen, bin jedoch offen für dessen Reaktion und Interpretation. Menschen, die mit meiner Arbeit leben, haben mir oft gesagt, dass der Blick auf die Werke ihnen Frieden, ruhige Freude oder ein Gefühl der Erdung vermittelt. Daher bin ich sicher, dass es durchaus berechtigt ist, die fertigen Werke als meditative Vermittler zu betrachten. Ich überlasse jedoch den Menschen, die mit den Werken leben, und den Experten für Geist und Meditation die beste Einschätzung. Wenn ein Ikon oder meditativer Vermittler ein Objekt ist, das ruhige Freude oder einen erdenden Frieden vermittelt, dann wird mir oft gesagt, dass meine Werke diese Wirkung haben.

Elizabeth Gourlay - Kitha 4, 2014. Monotypie auf Papier. 38.1 x 40.6 cm.

Über den Prozess

IA: Wassily Kandinsky schrieb über Musik und ihre Fähigkeit, Emotionen auf abstrakter Ebene zu vermitteln. Auch Sie stellen Verbindungen zwischen Musik und Ihrer Arbeit her. Eine dieser Verbindungen besteht darin, dass Ihr visuelles Vokabular aus Linien und Farben als Bezug auf musikalische Tonleitern interpretiert werden könnte. Auf welche andere Weise weisen Ihr Prozess oder Ihre Kunstwerke Gemeinsamkeiten mit dem Komponieren von Musik auf?      

EG: Ich denke nicht bewusst über Musik oder das Komponieren von Musik nach. Doch die Zahl der Menschen, die diese Verbindung zur Musik herstellen, ist so groß, dass an dem Vergleich etwas dran sein muss. Ich höre häufig Musik, während ich arbeite, und habe als Kind Klavier spielen gelernt, daher kann dies die Arbeit beeinflussen. In gewisser Weise „komponiere“ ich, was dem Komponieren von Musik ähneln kann, insbesondere beim Spielen mit Balken, Linien und Farbblöcken. Sie auf der Bildfläche zu verschieben, ähnelt sehr dem Platzieren von Noten und Akkorden an unterschiedlichen Stellen einer Partitur. 

IA: Sprechen Sie ein wenig über Ihren Prozess, insbesondere über Ihre Beziehung zur Collage. Wie beeinflusst beispielsweise das Schichten von Papier in Ihrer Arbeit Sie anders als der Malprozess? 

EG: Meistens ist mein Malprozess, ob auf Papier oder Leinen, sehr direkt. Typischerweise beginne ich damit, Linien zu zeichnen, gefolgt von Farblasuren und anschließend Formelementen. Ich versuche, mich mit einer starken unerwarteten Form oder einer Farbe außerhalb meiner üblichen Palette zu überraschen. Ich verschiebe diese Elemente und versuche, ein Gleichgewicht zwischen Farbe und Form herzustellen. Diese Phase fühlt sich wie ein fortlaufender Tanz an, bei dem der Formalismus eine Weile eindringt und ich mich ihm widersetze. Die Entscheidung, ob ich die daraus entstehenden kühnen Eingriffe einbeziehe oder nicht, erzeugt eine Dynamik, die mich wochenlang an einem Werk fesseln kann. Die Collagearbeiten beginnen damit, mit Farbe zu spielen, Kanten mit Tinte zu färben und Linien auf Japanpapier zu zeichnen, um es anschließend in Streifen zu schneiden. Diese klebe ich sorgfältig auf die Leinwand oder das Leinen, ohne eine vorgefasste Komposition oder Struktur im Kopf zu haben. Während sich das Werk entwickelt, beginne ich zu analysieren und lasse den Redakteur wieder ins Zimmer, um Farbe oder Form anzupassen, bis sich das Werk richtig anfühlt.   

Titelbild: Elizabeth Gourlay im Atelier 

Von der IdeelArt-Redaktion

Quellen

• Elizabeth Gourlay: Connecticut-Koloristin, Two Coats of Paint: Unabhängiges Porträt, das ihre Basis in Connecticut, ihre farborientierte Praxis sowie den Einsatz von Collage, Gouache und Monotypie bestätigt.
• Der musikalische Maler: Paul Klee, The Sublime Blog: Hintergrund zu Klees musikalischer Erziehung und seinem zitierten Satz darüber, dass seine Hand das Werkzeug einer fernen Sphäre sei.
• Kandinsky, Über das Geistige in der Kunst (Text des Wabash College): Gehosteter Text von Kandinskys Buch, in dem die Farbe mit einer Klaviatur und die Seele mit einem Instrument verglichen wird, das der Künstler spielt.