Elemente der Abstraktion - Elizabeth Gourlay in einem Interview

Elizabeth Gourlay betrachtet ihre Arbeit als eine Meditation über Formen und Farben und vergleicht ihre Atelierpraxis manchmal mit dem Kompositionsprozess von Musik. Mit einer Mischung aus verschiedenen Materialien, von Ölfarben über Graphit bis hin zu Collagen, schafft Gourlay abstrakte Kompositionen, die ein ästhetisches Vokabular widerspiegeln, das auf wunderbare Weise zwischen Natur und Geometrie ausbalanciert ist. Als Bewohnerin von Chester, Connecticut, ist Gourlay diesen Monat mit Werken in vier Gruppenausstellungen in New York, Connecticut und Massachusetts vertreten. IdeelArt hatte die Gelegenheit, mit ihr über ihre Arbeit, ihren Ausstellungsplan und ihre neue Werkreihe zu sprechen.

Elizabeth Gourlay Interview – Aktuelle Ausstellungen und Aktivitäten

IdeelArt: Sie haben einen geschäftigen Monat! Diesen Monat sind Sie in vier Gruppenausstellungen in vier verschiedenen Städten vertreten. Wenn Sie sich in einer solchen Zeit befinden, in der viele verschiedene Betrachter die Gelegenheit haben, Ihre Arbeit zu sehen, nehmen Sie sich dann trotzdem Zeit, im Atelier aktiv zu bleiben, oder bevorzugen Sie es, in den Galerien mit den Betrachtern zu sprechen und ihre Reaktionen auf Ihre Arbeit aufzunehmen?

Elizabeth Gourlay: Das ist das erste Mal, dass ich so viel Aktivität auf einmal habe. Es ist aufregend, aber ich bin es gewohnt, Einzelausstellungen meine ungeteilte Aufmerksamkeit zu schenken, jetzt musste ich eine Eröffnung verpassen, um eine andere zu besuchen. Aber sobald die Kunstwerke geliefert sind, gehört die Zeit wieder mir. Obwohl ich nach auch nur kurzer Abwesenheit sehr darauf brenne, ins Atelier zurückzukehren, genieße ich auch die Begegnungen in der Galerie, das Gespräch mit anderen Künstlern und Freunden bei Eröffnungen und anderen Galerieveranstaltungen. Abstrakte Kunst ist eine Sprache, und der Austausch mit Betrachtern, besonders mit Künstlern und Freunden bei Veranstaltungen, stärkt die Widerstandskraft der neuen Ausdrucksformen, die wir finden.

IA: Sie haben diesen Monat Ausstellungen an idyllischen, ländlichen Orten wie der Tremaine Gallery in Lakeville, CT, sowie in dicht besiedelten Stadtzentren wie der 1285 Avenue of the Americas Gallery in Midtown Manhattan. Wie haben Betrachter in so unterschiedlichen Umgebungen unterschiedlich auf Ihre Arbeit reagiert?

E.G. In beiden Fällen waren die Besucher visuell versiert und schienen engagiert und positiv gestimmt. In New York City waren sie im Allgemeinen gesprächiger, stellten Fragen und äußerten Meinungen eher. Ich denke, die Betrachter in New York neigten dazu, näher an die Werke heranzugehen!

IA: Wie haben Gespräche oder andere Arten von Begegnungen mit Betrachtern die Richtung Ihrer Arbeit beeinflusst?

E.G. Ich versuche, mich nicht von den Reaktionen der Betrachter beeinflussen zu lassen, doch wenn die Resonanz auf eine neue Richtung, für die ich mich begeistere, positiv ist, beeinflusst mich das natürlich, diesen Weg weiter zu verfolgen. Es ist immer interessant, die unterschiedlichen Meinungen zu erleben und zu verstehen, wie und warum Menschen sich zu verschiedenen Werken hingezogen fühlen.

Elizabeth Gourlay – Tantara 1, 2013. Monotypie auf Papier. 40,6 x 38,1 cm.

Vergangenheit und Gegenwart

IA: Wie unterscheidet sich die Arbeit, die Sie heute machen, von der Arbeit, die Sie früher gemacht haben? 

E.G. Meine Arbeit war ab etwa 1994 sehr oft rasterbasiert und im quadratischen Format. Sie wurde in Schichten aus Lasuren und gezeichneten Linien aufgebaut. Um 2005 begann ich, mit viel kräftigeren geometrischen Formen und gesättigten Farben zu experimentieren. Seitdem schwanke ich zwischen kräftigen, starken Formen und Farben und Arbeiten, die zarter und gedämpfter sind, wobei ich die beiden Stile gelegentlich kombiniere. Die Werke beginnen oft ähnlich, können aber sehr unterschiedlich enden. Wahrscheinlich ist die größte Veränderung die Freiheit, die ich mir im Schaffensprozess erlaube.

IA: Sie sprechen manchmal von Meditation, wenn Sie über Ihre Arbeit sprechen. Könnten Sie erläutern, was dieses Wort in Bezug auf Ihre Kunst bedeutet? Betrachten Sie zum Beispiel den Entstehungsprozess als meditativ? Sehen Sie das fertige Werk als potenzielles meditatives Mittel für die Betrachter? 

E.G. Ich betrachte den Prozess als meditativ. Ich versuche, nicht zu viele Ideen mit ins Atelier zu bringen, vielleicht eine Farb- oder Formidee. Wenn ich beginne zu arbeiten, lasse ich das innere Auge, das Unterbewusstsein, auf das Werk reagieren und mich dazu führen, das schwer fassbare geistige Element einzufangen, das fern und doch so präsent sein kann. Meist entstehen meine besten Arbeiten, wenn mein Denken frei ist, wenn ich mit dem Werk im Einklang bin. Ob beim direkten Zeichnen oder beim Schichten von Lasuren, genieße ich es, das Werk entstehen zu lassen. Paul Klee hat es treffend gesagt: „Meine Hand ist ganz das Instrument einer ferneren Sphäre.“ Ich arbeite nicht mit der Absicht, etwas für die Erfahrung eines anderen zu schaffen, bin aber offen für deren Reaktion und Interpretation. Menschen, die mit meinen Werken leben, sagen oft, dass das Betrachten ihnen Frieden, ruhige Freude oder Erdung gibt. Daher halte ich es für sehr berechtigt, die fertigen Werke als meditative Mittel zu sehen, doch die beste Einschätzung überlasse ich denen, die mit den Werken leben und den Fachleuten für Geist und Meditation. Wenn ein Symbol oder meditatives Mittel ein Gegenstand ist, der ruhige Freude oder einen erdenden Frieden schenkt, dann wird mir oft gesagt, dass meine Werke diese Wirkung haben.

Elizabeth Gourlay – Kitha 4, 2014. Monotypie auf Papier. 38,1 x 40,6 cm.

Über den Prozess

IA: Wassily Kandinsky schrieb über Musik und ihre Fähigkeit, Gefühle auf abstrakter Ebene zu vermitteln. Sie ziehen ebenfalls Verbindungen zwischen Musik und Ihrer Arbeit. Eine Verbindung, die Sie herstellen, ist, dass Ihr visuelles Vokabular aus Linien und Farben als Anspielung auf musikalische Tonleitern interpretiert werden könnte. Welche weiteren Gemeinsamkeiten sehen Sie zwischen Ihrem Prozess oder Ihren Werken und der musikalischen Komposition?      

EG: Ich denke nicht bewusst an Musik oder musikalische Komposition. Doch da so viele Menschen diese Verbindung zur Musik herstellen, muss an der Analogie etwas dran sein. Ich höre oft Musik, wenn ich arbeite, und habe als Kind Klavier gelernt, was die Arbeit beeinflussen könnte. Ich „komponiere“ auf eine Weise, die der musikalischen Komposition ähnlich sein mag, besonders beim Spiel mit Balken, Linien und Farbflächen. Sie im Bildraum zu verschieben ist sehr ähnlich, wie Noten und Akkorde an verschiedenen Stellen einer Partitur zu haben. 

IA: Sprechen Sie ein wenig über Ihren Prozess, insbesondere über Ihre Beziehung zur Collage. Zum Beispiel, wie wirkt sich das Schichten von Papier in Ihrer Arbeit anders auf Sie aus als der Malprozess? 

EG: Meist ist mein Malprozess, ob auf Papier oder Leinen, sehr direkt. Typischerweise beginne ich mit gezeichneten Linien, gefolgt von Farblasuren und dann Formelementen. Ich versuche, mich selbst mit einer starken, unerwarteten Form oder einer Farbe außerhalb meiner üblichen Palette zu überraschen. Ich verschiebe diese, um ein Gleichgewicht zwischen Farbe und Form zu finden. Diese Phase fühlt sich an wie ein fortwährender Tanz, bei dem der Formalismus kurz hereinbricht und ich mich dagegen wehre. Die Entscheidung, ob ich die daraus resultierenden kräftigen Eingriffe einbeziehe, ist eine Dynamik, die mich wochenlang mit einem Werk beschäftigen kann. Die Collagen beginnen damit, mit Farbe zu spielen, Kanten mit Tinte zu färben und Linien auf japanisches Papier zu zeichnen, das dann in Streifen geschnitten wird. Diese klebe ich sorgfältig, aber ohne vorgefasste Komposition oder Struktur auf die Leinwand oder das Leinen. Während das Werk sich entwickelt, beginne ich zu analysieren, lasse den Bearbeiter wieder herein, um Farbe oder Form anzupassen, bis das Werk stimmig ist.   

Titelbild: Elizabeth Gourlay im Atelier