Elemente der Abstraktion - Elizabeth Gourlay in einem Interview

Elizabeth Gourlay betrachtet ihre Arbeit als Meditation über Formen und Farben und vergleicht manchmal ihre Studio-Praxis mit dem Prozess des Komponierens von Musik. Mit einer Mischung aus Materialien, die von Ölen über Graphit bis hin zu Collagen reichen, schafft Gourlay abstrakte Kompositionen, die auf ein ästhetisches Vokabular verweisen, das sublim zwischen Natur und Geometrie ausbalanciert ist. Als Bewohnerin von Chester, Connecticut, hat Gourlay in diesem Monat Arbeiten in vier Gruppenausstellungen in New York, Connecticut und Massachusetts. IdeelArt hatte die Gelegenheit, mit ihr über ihre Praxis, ihren Ausstellungskalender und ihr neues Werk zu sprechen.

Elizabeth Gourlay Interview - Aktuelle Ausstellungen und Aktivitäten

IdeelArt: Du hast einen geschäftigen Monat! In diesem Monat bist du in vier Gruppenausstellungen in vier verschiedenen Städten. Wenn du dich in einer Zeit wie dieser befindest, in der viele verschiedene Zuschauer die Gelegenheit haben, deine Arbeiten zu sehen, nimmst du dir dann trotzdem Zeit, um im Atelier aktiv zu bleiben, oder ziehst du es vor, in den Galerien zu sein, um mit diesen Zuschauern zu interagieren und ihre Reaktionen auf deine Arbeiten aufzusaugen?

Elisabeth Gourlay: "Das ist das erste Mal, dass ich so viel Aktivität auf einmal hatte. Es ist aufregend, aber ich bin es so gewohnt, einzelnen Ausstellungen meine ungeteilte Aufmerksamkeit zu schenken, dass ich jetzt eine Eröffnung verpassen musste, um zu einer anderen zu gehen. Aber sobald die Kunstwerke geliefert sind, gehört die Zeit wieder mir. Während ich extrem begierig bin, nach sogar einer kurzen Phase der Aktivität, die mich wegführt, ins Studio zu gehen, genieße ich auch die Interaktion, die in der Galerie stattfindet, das Gespräch mit anderen Künstlern und Freunden während der Eröffnungen und anderer Galerie-Events. Abstrakte Kunst ist eine Sprache, und das Gespräch mit den Zuschauern, insbesondere mit Künstlern und Freunden während der Veranstaltungen, stärkt das Gefühl der Resilienz in den neuen Ausdrucksformen, die wir finden."

IA: Sie haben in diesem Monat Ausstellungen an idyllischen, ländlichen Orten, wie der Tremaine Gallery in Lakeville, CT, sowie in dicht besiedelten städtischen Zentren, wie der 1285 Avenue of the Americas Gallery in Midtown Manhattan. Wie haben die Zuschauer in dramatisch unterschiedlichen Umgebungen unterschiedlich auf Ihre Arbeit reagiert?

Z.B. In beiden Fällen waren die Zuschauer visuell anspruchsvoll und schienen engagiert und positiv. In New York City schienen sie im Allgemeinen gesprächiger zu sein, stellten Fragen und äußerten ihre Meinungen eher. Ich denke, dass die Zuschauer in New York dazu neigten, näher an die Werke heranzutreten!

IA: In welcher Weise haben Gespräche oder andere Arten von Interaktionen mit Zuschauern die Richtung Ihrer Praxis beeinflusst?

Z.B. "Ich versuche, mich nicht von den Reaktionen der Zuschauer beeinflussen zu lassen, obwohl es unvermeidlich ist, dass mich eine positive Reaktion auf eine neue Richtung, die mich in der Arbeit begeistert, dazu neigt, weiter diesen Weg zu erkunden. Es ist immer interessant, die unterschiedlichen Meinungen zu erleben und zu verstehen, wie und warum Menschen zu verschiedenen Werken hingezogen werden."

Elizabeth Gourlay - Tantara 1, 2013. Monotypie auf Papier. 40,6 x 38,1 cm.

Vergangenheit und Gegenwart

IA: Wie unterscheidet sich die Arbeit, die Sie heute machen, von der Arbeit, die Sie in der Vergangenheit gemacht haben? 

Z.B. "Meine Arbeiten, die etwa 1994 entstanden sind, waren sehr oft gitterbasiert und im quadratischen Format. Sie wurden in Schichten aus Wäschen und gezeichneten Linien aufgebaut. Um 2005 begann ich, mit viel mutigeren geometrischen Formen und gesättigten Farben zu experimentieren. Seitdem habe ich zwischen kräftigen, starken Formen und Farben und Arbeiten, die zarter und gedämpfter sind, hin und her gewechselt, gelegentlich die beiden kombiniert. Die Stücke beginnen oft auf ähnliche Weise, können aber sehr unterschiedlich enden. Wahrscheinlich ist die größte Veränderung die Freiheit, die ich mir im Prozess des Schaffens erlaube."

IA: Du erwähnst manchmal Meditation, wenn du über deine Arbeit sprichst. Könntest du erläutern, was dieses Wort in Bezug auf deine Kunst bedeutet? Betrachtest du den Prozess des Schaffens der Arbeit als meditativ? Siehst du das fertige Produkt als potenziellen meditativen Vermittler für die Betrachter? 

Z.B. Ich betrachte den Prozess als meditativ. Ich versuche, nicht zu viele Ideen ins Studio zu bringen, vielleicht eine Farbidee oder eine Formidee. Wenn ich anfange zu arbeiten, lasse ich das innere Auge, den unbewussten Geist, auf das Werk reagieren und mich dazu führen, das flüchtige mentale Element einzufangen, das fern und doch so präsent sein kann. In der Regel geschieht mein bestes Werk, wenn mein Denken ungestört ist, wenn ich im Einklang mit dem Werk bin. Ob ich direkt zeichne oder beim Schichten von Wäschen, ich genieße die Erfahrung, das Stück entstehen zu lassen. Ich kann es nicht besser ausdrücken als Paul Klee, der sagte: „Meine Hand ist ganz das Instrument einer ferneren Sphäre.“ Ich arbeite nicht mit der Absicht, etwas für die Erfahrung eines anderen zu schaffen, doch ich bin offen für ihre Reaktion und Interpretation. Ich habe oft gehört, dass Menschen, die mit dem Werk leben, sagen, dass das Betrachten des Werkes ihnen Frieden, ruhige Freude gibt oder dass das Stück erdend ist. Daher bin ich mir sicher, dass es sehr gültig ist, die fertigen Stücke als meditative Zwischeninstanz zu betrachten, aber ich lasse es denjenigen, die mit den Stücken leben, und denjenigen, die Experten für Geist und Meditation sind, die beste Einschätzung abgeben. Wenn ein Symbol oder eine meditative Zwischeninstanz ein Objekt ist, das ruhige Freude oder einen Frieden gibt, der erdend ist, dann wird mir oft gesagt, dass meine Stücke diese Wirkungen haben.

Elizabeth Gourlay - Kitha 4, 2014. Monotypie auf Papier. 38,1 x 40,6 cm.

Über den Prozess

IA: Wassily Kandinsky schrieb über Musik und ihre Fähigkeit, Emotionen auf einer abstrakten Ebene zu kommunizieren. Auch Sie ziehen Verbindungen zwischen Musik und Ihrer Arbeit. Eine Verbindung, die Sie herstellen, ist, dass Ihr visuelles Vokabular aus Linien und Farben als Referenz auf musikalische Skalen interpretiert werden könnte. Welche anderen Möglichkeiten gibt es, wie Ihr Prozess oder Ihre Kunstwerke Gemeinsamkeiten mit musikalischer Komposition teilen?

Z.B: "Ich denke nicht bewusst an Musik oder musikalische Komposition. Doch die Anzahl der Menschen, die diese Verbindung zur Musik herstellen, ist so groß, dass es etwas an der Analogie geben muss. Ich höre oft Musik, während ich arbeite, und ich habe als Kind Klavier spielen gelernt, also könnte das die Arbeit beeinflussen. Ich "komponiere" auf eine Weise, die der musikalischen Komposition ähnlich erscheinen mag, insbesondere im Prozess des Spielens mit Balken, Linien und Farbbereichen. Sie umzustellen auf der Bildebene ist so ähnlich, wie Noten und Akkorde an verschiedenen Stellen eines Notenblatts zu haben." 

IA: Sprich ein wenig über deinen Prozess, insbesondere über die Beziehung, die du zur Collage hast. Zum Beispiel, wie beeinflusst dich der Prozess des Schichtens von Papier in deiner Arbeit anders als der Prozess des Malens? 

Z.B: Meistens ist mein Malprozess, egal ob auf Papier oder Leinen, sehr direkt. Typischerweise beginne ich mit dem Zeichnen von Linien, gefolgt von Farbwäschen, gefolgt von Formelementen. Ich versuche, mich mit einer starken unerwarteten Form oder einer Farbe, die von meiner gewohnten Palette abweicht, zu überraschen. Ich bewege diese herum und versuche, ein Gleichgewicht zwischen Farbe und Form zu finden. Diese Phase fühlt sich an wie ein fortlaufender Tanz, in dem der Formalismus für eine Weile eindringt und ich dagegen ankämpfe. Die Entscheidungen, ob die resultierenden kühnen Eindringlinge einbezogen werden oder nicht, sind eine Art Dynamik, die mich wochenlang mit einem Werk beschäftigen kann. Die Collage-Stücke beginnen damit, mit Farbe zu spielen, Kanten mit Tinte zu färben und Linien auf japanisches Papier zu zeichnen, um diese dann in Streifen zu schneiden. Ich collagiere diese sorgfältig, aber ohne eine vorgefasste Komposition oder Struktur im Kopf, auf die Leinwand oder das Leinen. Während sich das Stück entwickelt, beginne ich zu analysieren, um den Editor wieder ins Zimmer zu lassen, um Farbe oder Form anzupassen, bis das Stück sich richtig anfühlt.   

Vorgestelltes Bild: Elizabeth Gourlay im Studio