Elles Font l’Abstraction - Ein Interview mit der Chefkuratorin des Pompidou, Christine Macel
Das Centre Pompidou wird in diesem Sommer Geschichte schreiben mit Elles font l’abstraction – der umfassendsten Darstellung, die je über den Beitrag weiblicher Künstlerinnen zur Entwicklung der abstrakten Kunst erstellt wurde. Die Chefkuratorin des Pompidou, Christine Macel, versammelte für die Ausstellung mehr als 500 Werke von 106 Künstlerinnen. Weit davon entfernt, nur Galerien mit Kunst zu füllen, nutzte Macel diese Gelegenheit, um zu zeigen, was die Rolle einer Kuratorin wirklich ist – Kuratorinnen schreiben Kunstgeschichte und korrigieren sie im besten Fall. Dutzende der von ihr ausgewählten Künstlerinnen werden dem Publikum bekannt sein. Viele andere werden selbst Experten auf diesem Gebiet völlig neu sein. Das liegt daran, dass Macel und ihr Team die unglaublich mühsame Arbeit geleistet haben, weltweite weibliche Stimmen zu entdecken und ins Rampenlicht zu rücken, die trotz ihres Genies und Einflusses aus dem kunsthistorischen Kanon ausgeschlossen wurden. Die Ausstellung und die begleitenden Dokumentationen – darunter Texte, Filme und Vorträge – erstrecken sich von 1860 bis in die 1980er Jahre und werden unser Verständnis der Entwicklung der Abstraktion als plastische Sprache für immer verändern. Nach meinem jüngsten Gespräch mit Macel bin ich überzeugt, dass dies erst der Anfang ist. Unser Gespräch folgt im Folgenden.
Vielen Dank, dass Sie mit uns sprechen, Christine. Ich bin seit Ihrer Kuratierung der Biennale von Venedig 2017 ein Fan Ihrer Arbeit. Ist Elles font l’abstraction der ehrgeizigste institutionelle Versuch, den Sie kennen, um den internationalen Beitrag weiblicher abstrakter Künstlerinnen angemessen anzuerkennen?
Ja, in der Tat. Deshalb habe ich mich entschieden, diese Forschung und Ausstellung zu machen. Es gab eindeutig einen Prozess der Unsichtbarmachung von Künstlerinnen in der Geschichtsschreibung der Abstraktion.
Was war der schwierigste Teil bei der Realisierung dieser Ausstellung im Centre Pompidou?
Der Leihprozess und die Budgetfragen sowie die Pandemie-Situation. Aber ich muss sagen, dass es eine unglaubliche Unterstützung von Museen und privaten Sammlern weltweit sowie von Förderern gab. Mitten in der Pandemie konnte ich auf die Unterstützung von Van Cleef und Arpels, der Luma-Stiftung, den Freunden des Pompidou usw. zählen, die entscheidend für die Realisierung dieses Projekts waren. Ganz zu schweigen von der Zusammenarbeit mit dem Guggenheim Bilbao, die für diese Ausstellung von großer Bedeutung war. Viele Kunsthistorikerinnen und Wissenschaftlerinnen haben uns ebenfalls sehr unterstützt. An erster Stelle Griselda Pollock, die eine der vielen Autorinnen des Katalogs ist und unsere Ehrengast beim Symposium mit der Aware-Vereinigung war. Auch die Künstlerinnen selbst waren sehr begeistert. Das war ein großer Energieschub! Ich hatte großartige Gespräche mit Sheila Hicks, Dorothea Rockburne, Tania Mouraud und Jessica Stockholder, um nur einige zu nennen.
Gerade diese vier Künstlerinnen haben so unterschiedliche bildnerische Sprachen. Es ist erfrischend, die unglaublich breite Palette an bildnerischen Positionen in dieser Ausstellung zu sehen.
Meine Aussage ist, die Definition der Medien, die von der Abstraktion betroffen sind, zu öffnen, ausgehend von den Positionen der Künstlerinnen selbst. Spiritualismus, Tanz, dekorative Künste, Fotografie und Film waren Teil dieser Geschichtsschreibung. Ich möchte auch auf jede Künstlerin als eigenständig und originell bestehen.
Huguette Caland – Bribes de corps, 1973. Mit freundlicher Genehmigung der Familie Caland. Foto Elon Schoenholz, mit freundlicher Genehmigung der Familie Caland
Welchen Tonfall möchten Sie mit dieser Ausstellung setzen?
Eine Explosion von Freude und Vergnügen; Bewunderung und Respekt für all diese Künstlerinnen; ein Bewusstsein für den langen Weg, der vor uns liegt, um diese Geschichte wirklich zu vertiefen.
So viele Künstlerinnen in dieser Ausstellung haben nie die gebührende Bewunderung und den Respekt erhalten. Ist es heute noch eine entfremdende Erfahrung, eine weibliche abstrakte Künstlerin zu sein?
Nein, heute befinden wir uns nicht in einer Situation der Entfremdung, sondern der Offenheit, der Entdeckung und Wiederentdeckung. Die Tür steht weit offen, und viele Museen, Kunsthistorikerinnen und junge Wissenschaftlerinnen arbeiten daran, eine andere Zukunft zu schaffen.
Sie hätten zweifellos viele weitere Künstlerinnen in diese Ausstellung aufnehmen können. Wie haben Sie Ihre Auswahl eingegrenzt?
Es ist ein so komplexer Prozess, dass ich ihn nicht in wenigen Worten beschreiben kann. Verfügbarkeit der Werke, Transportkosten, Platzprobleme usw. sind ebenfalls Teil des Endergebnisses. Aber ich habe einen großen Teil dessen realisiert, was ich machen wollte.
Georgiana Houghton – Album of Spirit Art, 1866-84. Bild mit freundlicher Genehmigung des College of Psychic Studies, London
Hatten Sie Angst, jemanden Wichtiges auszulassen?
Es ist weniger eine Angst als eine gewisse Traurigkeit, manchmal ein Bedauern, gezwungen zu sein, eine Auswahl zu treffen. Auslassungen gehören immer zum Beruf, denn Geschichte ist immer eine teilweise Erzählung. Dieses Bewusstsein der Unmöglichkeit einer vollständigen Erzählung steht im Zentrum der Forschung allgemein. Kunstgeschichte ist immer unvollendet und wird neu geschrieben. Nichts ist endgültig, nur ein Vorschlag.
Sie waren acht Jahre alt, als Sie das Centre Pompidou zum ersten Mal besuchten. Wie hätte sich Ihre Wahrnehmung beim Aufwachsen verändert, wenn Elles font l’abstraction damals die gezeigte Ausstellung gewesen wäre?
Es wäre ein völlig anderer Zugang gewesen. Es hat eine Weile gedauert, zu erkennen, wie die Kunstgeschichte von männlichen Kunsthistorikern und Künstlern dominiert wurde. Ich erinnere mich genau an die Künstler, die ich als Kind im Pompidou entdeckte: Arman, Ben, John de Andrea, Jean Tinguely, alles Männer! Aber als Jugendliche interessierte ich mich sehr für Schriftstellerinnen: Anais Nin, Lou Andreas Salomé, Simone de Beauvoir, Marguerite Yourcenar, Marguerite Duras. Ich erinnere mich auch daran, Shere Hite gelesen zu haben, die im öffentlichen Bibliotheksregal neben Freud stand! Deshalb habe ich vielleicht als Studentin beschlossen, meine Abschlussarbeit über Rebecca Horn zu schreiben und alle ihre Filme aus dem Deutschen ins Französische zu übersetzen.
Um die Frage, die Sie 2017 als Direktorin des Bereichs Bildende Künste der Biennale von Venedig stellten, neu zu formulieren: Was bedeutet es heute, eine weibliche abstrakte Künstlerin zu sein?
Eigentlich sollte die richtige Haltung sein, einfach Künstlerin zu sein. Wir sind hoffentlich über den Essentialismus hinaus. Ich habe mich nie als „weibliche Kuratorin“ gesehen. Wie ich immer sage, hat niemand Okwui Enwezor während seiner Interviews als Direktor der Biennale von Venedig gefragt, ob er Vater oder verheiratet sei. Ich fand es sehr störend, immer nach meinem Geschlecht und meiner sogenannten „Frauen“-Situation gefragt zu werden, statt nach meiner Arbeit. Wir brauchen noch viel Forschung und Ausstellungen, um diesen Punkt auch für „weibliche Künstlerinnen“ zu erreichen. Aber die Tür steht jetzt weit offen, und es wird dank der jüngeren Generation von Kunststudierenden keinen Rückschritt geben.
Joan Mitchell – Mephisto, 1958. © Nachlass Joan Mitchell © Centre Pompidou, MNAM-CCI/Jacques Faujour/Dist. RMN-GP
Sie erzählen Ihre ganze Karriere hindurch eine umfassendere Geschichte der Kunstgeschichte. Aber Abstraktion geht weniger darum, Geschichten zu erzählen, als vielmehr darum, die Wahrnehmung herauszufordern. Bedeutet das Erscheinen dieser Ausstellung zu dieser Zeit, dass Sie glauben, unsere Generation müsse zu esoterischeren Beschäftigungen zurückkehren?
Nein, das würde ich nicht sagen. Aber in einer Zeit, in der Menschen mit Virtualität und Bildern in einer parallelen, meist gegenständlichen Welt leben, habe ich das Gefühl, dass die Präsenz abstrakter Kunst uns in eine andere Sphäre führt. Sie erzählt uns von etwas, das sowohl in unseren kognitiven als auch spirituellen Dimensionen verankert ist. Man kann sehr genau spüren, was ein abstraktes Werk einem sagt, ob es zum Beispiel materialistisch oder transzendental ist, ob es lustig oder fühlbar ist, ganz ohne Worte. Es ist ein bisschen wie Musik. Die Wahrnehmung reicht aus, um die Punkte zu erfassen und sogar zu fühlen, wer die Künstlerin dahinter ist. In einer Zeit, in der Kunst manchmal zu sehr mit Erklärungen und Nebendiskursen belastet ist, liebe ich es, bei Werken zu sein, die für sich selbst „sprechen“.
Unser Dank gilt Christine Macel, die IdeelArt dieses Interview großzügig ermöglicht hat. Elles font l’abstraction ist vom 5. Mai bis 23. August 2021 im Centre Pompidou in Paris zu sehen.
Abgebildetes Bild: Hilma Af Klint – Der Schwan, Nr. 16, Gruppe IX/SUW, 1915. Mit freundlicher Genehmigung der Hilma af Klint Stiftung. Foto: Moderna Museet, Stockholm
Alle Bilder dienen nur zur Veranschaulichung
Interview von Phillip Barcio
