Wie der Abstract Expressionismus die Skulptur beeinflusste - Eine Guggenheim-Ausstellung
Eine kürzlich eröffnete Skulpturenausstellung im Solomon R. Guggenheim Museum in New York wirkt verwirrt, wenn es um das Erbe der weißen, patriarchalen Kunstbewegungen der Vergangenheit geht. Knotted, Torn, Scattered: Sculpture after Abstract Expressionism beansprucht, eine Auseinandersetzung mit „den vielfältigen Wegen, auf denen Künstler in den 1960er und 70er Jahren auf die Errungenschaften der abstrakten Expressionisten reagierten, um einzigartige Ansätze zur skulpturalen Praxis zu formulieren“, zu sein. Die Kuratierung umfasst Werke aus der Guggenheim-Sammlung von sechs Künstlern: Richard Serra, Robert Morris, Tony Smith, Lynda Benglis, Senga Nengudi und Maren Hassinger. Die Kuratierung (und die begleitenden Texte) implizieren ein allgemeines Maß an Sympathie für den abstrakten Expressionismus, das sich wirklich nur auf die Hälfte der Künstler in der Ausstellung bezieht – die Männer. Ob sie versuchten, ihn weiterzuführen oder ihn in ihrer Praxis ausdrücklich abzulehnen, Serra, Morris und Smith haben zumindest irgendwann einmal eine Vertrautheit mit der Idee geäußert, Teil der offiziellen kunsthistorischen Linie zu sein, zu der der abstrakte Expressionismus gehört. Es ist jedoch weit hergeholt, dasselbe über Benglis, Nengudi und Hassinger zu sagen – die drei Frauen, deren Arbeiten in der Ausstellung enthalten sind. Während ihrer gesamten Karriere hat Benglis die Misogynie des abstrakten Expressionismus, des Minimalismus und ihrer Protagonisten sowie die gesamte rassistische, sexistische, patriarchale Vision der Kunstgeschichte, die sie repräsentieren, ins Rampenlicht gerückt. Nengudi und Hassinger hingegen haben ihre jeweiligen Karrieren damit verbracht, völlig eigenständige visuelle Stimmen zu entwickeln, die, wenn überhaupt, die geschlechtsspezifischen, patriarchalen Systeme untergraben, die in dieser Ausstellung gefeiert werden. Vielleicht wollte das Guggenheim anti-sexistisch und anti-rassistisch sein, indem es Benglis – eine Größe der feministischen Kunst – sowie Nengudi und Hassinger – zwei Frauen of Color – in eine Ausstellung mit drei Ikonen der weißen, patriarchalen Kunstgeschichte kuratierte. Wenn das die Idee war, habe ich das Gefühl, dass der Versuch misslungen ist und vielleicht sogar das gegenteilige Ziel erreicht.
Darstellung in Inspiration
Im Jahr 2014 veranstaltete das Museum für zeitgenössische Kunst in Denver eine ehrgeizige Retrospektive über das Werk von Senga Nengudi, die seit langem in der nahegelegenen Stadt Colorado Springs lebt. Diese Retrospektive gab den Inspirationen dieser Künstlerin angemessene Darstellung. Dabei wurde deutlich, dass Nengudi eine eigenständige Künstlerin ist, deren Werk nicht im Rahmen des üblichen kunsthistorischen Kanons erklärt werden kann. Geboren 1943 in Chicago, zog sie 1949 mit ihrer Mutter nach Los Angeles. Nach dem Erwerb ihres BA an der Cal State besuchte sie ein Jahr lang die Waseda-Universität in Tokio, wo sie sich mit den Ideen und Methoden der Gutai-Gruppe vertraut machte. Nach ihrer Rückkehr nach Los Angeles wurde sie Teil des experimentellen Kollektivs Studio Z und begann, eine multidisziplinäre Praxis zu entwickeln, die an der Schnittstelle von Black Feminist Performance und Skulptur verwurzelt ist. 1974 begann sie mit Strumpfhosen zu arbeiten und dokumentierte intuitive Tanzaufführungen, in denen sie skulpturale Besetzungen des Raums manifestierte und sich mit Längen des Materials verstrickte, die an Wänden befestigt waren. Ihre Arbeiten in der aktuellen Guggenheim-Ausstellung stammen aus dieser Serie. Sie könnten plausibel im Erbe von Gutai, Fluxus, Feminismus und der Black Avantgarde eingeordnet werden, aber sie in eine Diskussion über den Abstrakten Expressionismus zu zwängen, ist ein weiter Weg.
Senga Nengudi - Performance Piece, 1978/2013. Gelatin-Silberdrucke, Triptychon, 40 x 31 1/2 Zoll (101,6 x 80 cm) und 31 1/2 x 40 Zoll (80 x 101,6 cm) jeweils. A.P. 1/1, Auflage von 5. Fotografien von Harmon Outlaw. Solomon R. Guggenheim Museum, New York, gekauft mit Mitteln, die vom Photography Council beigetragen wurden, mit zusätzlichen Mitteln, die von Manuel de Santaren beigetragen wurden 2019.20. © 2020 Senga Nengudi
Eine gebürtige Los Angeles, Maren Hassinger hat eine lebenslange Verbindung zu Nengudi, und die beiden sind sogar gelegentliche Kollaborateure. Wie Nengudi ist Hassinger eine völlig eigenständige Künstlerin, deren Werk fast keine Verbindung zum ideologischen Erbe des Abstrakten Expressionismus aufweist. Hassinger studierte am Bennington College in Vermont und beklagte, wie ihre Lehrer Clement Greenberg und seine Vision der Kunstgeschichte als das Nonplusultra hochhielten. Ihre Faserskulpturen und Installationen haben ein emotionales Gewicht, das mehr mit den Werken von Eva Hesse, einer weiteren völlig eigenständigen Künstlerin, die Hassinger als Einfluss zählt, gemeinsam hat. Das Hassinger-Werk in der Guggenheim-Ausstellung wurde kürzlich vom Museum erworben. Es zeigt großflächige nautische Seile mit Knoten. Irgendwie bringt der begleitende Text zur Ausstellung dieses Werk mit einer Filzskulptur von Robert Morris in Verbindung. Ich verstehe, dass das Guggenheim diese erstaunliche neue Hassinger-Akquisition präsentieren möchte, aber warum so tun, als hätte es etwas mit Minimalismus oder Morris zu tun? Waren die Kuratoren unwohl dabei, diesem kraftvollen Werk seinen eigenen Raum zu geben, um seine wahren Anliegen auszudrücken?
Lynda Benglis - Juliet, 1974. Aluminiumgips, Aluminiumscreen, 32 1/2 × 19 3/4 × 7 1/4 Zoll (82,6 × 50,2 × 18,4 cm). Solomon R. Guggenheim Museum, New York, Geschenk, Andrew Powie Fuller und Geraldine Spreckels Fuller Sammlung, 2009.4. © Lynda Benglis / Lizenziert von VAGA bei Artists Rights
Ersetze das Patriarchat
In gewisser Weise ist Lynda Benglis die eine weibliche Künstlerin, die in diese Ausstellung aufgenommen werden könnte, denn in den späten 1960er Jahren schuf Benglis eine Reihe von Bodenmalereien als Reaktion auf die dominierende, patriarchalische Haltung, die von Pollock und den Abstrakten Expressionisten vertreten wurde. Allerdings war Benglis nicht sympathisch, indem sie diese Malweise nachahmte. Ganz im Gegenteil. Es war eine Geste, die darauf abzielte, die Bewegung zu verspotten. Die beiden Werke von Benglis, die in Knotted, Torn, Scattered enthalten sind – „Two“ und „Juliet“ – wurden 1973 bzw. 1974 geschaffen. Zu diesem Zeitpunkt hatte Benglis begonnen, bahnbrechende Videoarbeiten zu erstellen, und obwohl sie auch in anderen Medien wie Skulptur arbeitete, befand sie sich vollständig in einem kreativen geistigen Raum, der von Männlichkeit getrennt war – und völlig losgelöst von der Ethik des männlich zentrierten kunsthistorischen Kanons. Es scheint falsch, dass diese beiden verknoteten Skulpturen von Benglis in dieser Ausstellung als Erweiterungen eines ästhetischen oder intellektuellen Erbes präsentiert werden, das Pollock begonnen hat.
Im Vordergrund gezeigt: Tony Smith - Wingbone, 1962. Gips, Stoff und Holz, 66 x 63,5 x 299,7 cm (26 x 25 x 118 Zoll). Solomon R. Guggenheim Museum, New York, Erworben durch frühere Geschenke von Andrew Powie Fuller und Geraldine Spreckels Fuller Nachlass sowie Richard S. Zeisler Nachlass, 2013.7. © 2020 Nachlass von Tony Smith / Artists Rights Society (ARS), New York
Um das Manifest der feministischen Revolte (1970) zu zitieren: „Die Frau darf nicht in Beziehung zum Mann definiert werden. Der Mann ist nicht das Modell, an dem der Prozess der Selbstentdeckung der Frau gemessen werden sollte.“ Dasselbe Gefühl gilt für Künstler, die sich selbst mit einer menschlichen Identität identifizieren, die in Beziehung zu Künstlern anderer menschlicher Identitäten definiert wird. Die Werke von Benglis, Nengudi und Hassinger in eine Ausstellung zu bündeln, die die weiße, patriarchale Kunstgeschichte feiert, untergräbt die Arbeit, die diese Künstler geleistet haben, um ihr volles Potenzial als Individuen zu manifestieren, und negiert ihr wahres Erbe. Die willkürliche und bestenfalls partielle Version der Kunstgeschichte, auf der Knotted, Torn, Scattered basiert, hat ihren Platz, aber diese Künstler verdienen es besser, als in Knechtschaft zu ihr gezeigt zu werden.
Vorschaubild: Maren Hassinger - Untitled, 1972/2020. Seil. Maße variabel. Solomon R. Guggenheim Museum, New York. Erworben durch das vorherige Geschenk von Richter und Frau Samuel I. Rosenman, 2020 © 2020 Maren Hassinger
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken.
Von Phillip Barcio
