Interview mit dem amerikanischen abstrakten Maler Dana Gordon

Neue Gemälde von Dana Gordon sind bis zum 4. Juni 2017 in der Sideshow Gallery in Brooklyn zu sehen. Kürzlich hatten wir die Gelegenheit, mit Gordon zu sprechen und ihn über dieses aufregende neue Werk zu interviewen.

IdealArt: In seinem Katalogessay für Ihre aktuelle Ausstellung in der Sideshow Gallery in Brooklyn bezeichnet James Panero Ihr neues Werk als „etwas anderes“ und plädiert für die Auffassung, dass es eine wesentliche Richtungsänderung für Sie darstellt. Wie reagieren Sie auf diese Einschätzung?
Dana Gordon: Ich stimme zu, außer dass ich es nicht als einen Richtungswechsel sehe. Ich sehe es als die gleiche Richtung, nur die nächsten Entwicklungen; wesentliche neue Entwicklungen.

IA: Bitte teilen Sie Ihre Gedanken über die Beziehung, die Sie zur Improvisation hatten, während Sie diese Gemälde gemacht haben.
DG: Ich sehe den gesamten Prozess des Malens als Improvisation. Ich denke an etwas, das ich tun möchte, probiere es aus, und es funktioniert oder es funktioniert nicht. Dann reagiere ich erneut auf das, was da ist. Ich improvisiere weiter, bis es sich fertig anfühlt. Was ich wähle, kann mehr oder weniger auf der jüngeren Vergangenheit meiner Arbeit, der älteren Vergangenheit meiner Arbeit, anderer Kunst, anderen Dingen jeglicher Art, die ich gesehen, gedacht, gefühlt oder erlebt habe, und all dem oben Genannten basieren – und oft ist es etwas, das mir einfach in den Sinn kommt und ich probiere es aus. Natürlich gibt es immer unbewusste Gründe für Dinge, die "einfach in" deinen Kopf kommen. Ich versuche, mein Unbewusstes meine Arbeit leiten zu lassen, denn im Unbewussten gibt es viel mehr als im Bewusstsein. Dies geschieht durch visuelle Reaktion auf den unbewussten Anstoß, nicht durch psychologische oder literarische Analyse. Ich denke, man muss diese Art der Reaktion üben, um sie natürlich und vollständig zu bekommen, denn der allgemeine Verlauf der Bildung besteht darin, sie aus deinen Fähigkeiten zu tilgen, obwohl sie primär und urtümlich ist. Es ist auch eine breite Erfahrung der visuellen Kunst, die von viel akademischer Kritik geleugnet wird. Das liegt daran, dass diese Schriftsteller einfach nicht verstehen oder sehen, das Visuelle und alles in der Kunst durch literarische, politische oder wörtliche Ansätze erklären. Es gibt natürlich Schriftsteller, die das Visuelle verstehen. Es ist schwer, darüber zu schreiben.

IA: Die Werke in dieser Ausstellung vermitteln mir das Gefühl, dass sie aus einer Art Verhandlung entstanden sind. Welche Gefühle von Konflikt und/oder Kooperation haben Sie während des Schaffensprozesses erlebt?
DG: Konflikt oder Kooperation spielten keine Rolle – zumindest nicht in meiner bewussten Erfahrung. Ich nehme an, es gibt immer eine Art Verhandlung – im Sinne von: Wenn ich dies hierhin stelle und das dorthin, wird es besser sein, oder wenn ich es anders mache. Ich wiege immer ab, wie gut verschiedene Dinge funktionieren. Es gibt auch eine letztendliche Verhandlung, ich schätze, man könnte es so nennen, wenn man entscheiden muss, ob man einen schönen, erstaunlichen Teil des Bildes behält oder ihn opfert, um das Gemälde als Ganzes besser zu machen. Dies ist ein häufiges Vorkommen. Vielleicht ergibt sich Ihre Frage aus der Tatsache, dass all diese Gemälde vertikal in zwei Hälften geteilt sind. Und sie verwenden anscheinend mehrere verschiedene Arten von abstrakten Techniken. Ich fand es interessant, was wie zwei Gemälde in einem Gemälde erscheinen könnte. Und dass ich diese beiden zu einem gemacht habe. Und, wirklich, drei. Es gibt jede Seite und es gibt das Ganze. Vielleicht gibt es wirklich vier: jede Seite, das Ganze der beiden Seiten und das Ganze der beiden Seiten und das eine. Früher in meiner Karriere habe ich Filme gemacht, die Teile hatten, die miteinander sprachen, sowohl wörtlich als auch bildlich und konzeptionell. Es gibt ein Filmstill davon im Katalog. James Panero verwies im Katalog auf „ähnliche Spannungen, mit einem Gitter, das ein freies Formdesign überlagert“ und „Dreiecke mit harten Kanten, die gegen wilde Linien ausbalanciert sind.“ Was die Verwendung variierter abstrakter Techniken betrifft, sehe ich sie als Teil meines Erbes als Künstler. Ich kann tun oder verwenden, was ich will. Es gibt eine starke Tendenz in der abstrakten Kunst, insbesondere seit dem Zweiten Weltkrieg, die eigene Arbeit auf einen einfachen Aspekt des Visuellen zu reduzieren, so weit wie möglich reduziert. Warum nicht viele visuelle Techniken verwenden, anstatt nur eine? Die Verwendung variierter Techniken und komplexer Räume ist typisch für die alten Meister, obwohl sie durch die Nahtlosigkeit der dargestellten Szene, der Geschichte, verborgen ist.

Dana Gordon - Unruly Subjects, 2015-2017, 72 x 120 Zoll, Öl und Acryl auf Leinwand, © der Künstler

IA: Gibt es einen Unterschied zwischen Konflikt und Kooperation?
DG: Ich würde sagen, sie sind Gegensätze. Natürlich kann Konfliktlösung zu Zusammenarbeit führen. Ich finde nicht, dass die Bereiche und Techniken in meinen neuen Gemälden im Widerspruch zueinander stehen. Ich denke, dass in jedem Gemälde alles gut zusammenarbeitet. Das bedeutet nicht, dass alle Teile eines Gemäldes gleich sind.

IA: Bitte teilen Sie Ihre Gedanken zu Ihren Farbwahl für dieses Werk mit.
DG: Im Allgemeinen benutze ich fast ausschließlich keine Erdtöne oder Schwarz. Nur das, was ich als „spektrale“ Farben betrachte. Die Primärfarben, die Sekundärfarben; hellere und dunklere. Und verschiedene Versionen davon, die von verschiedenen Farbenherstellern erhältlich sind. Es gibt wirklich keine unendliche Vielfalt dieser spezifischen Farben – der Betrachter kann nur relativ wenige verschiedene Schattierungen einer Farbe wahrnehmen (es sei denn, sie liegen direkt nebeneinander, und selbst dann sind es nicht so viele). Glücklicherweise bieten die unterschiedlichen Herstellungsverfahren und verschiedenen Materialquellen Variationen. Ich benutze die Primär- und Sekundärfarben hauptsächlich, weil ihre Reinheit intensivere Farben liefert, d.h. mehr Farbe. Ein röteres Rot, ein blaueres Blau usw. Diese Eigenschaften ändern sich auch je nachdem, wo man die Farbe im Bild platziert, welche Form sie hat und wie groß sie ist. Mein Farbempfinden stammt aus vielen Quellen. Zuerst bin ich mir sicher, dass es ein angeborenes Farbempfinden gibt, das jeder Mensch hat und das unterschiedlich ist. Dann gibt es all das, was ich sowohl in der Natur als auch in der Kunst gesehen habe. Darüber hinaus habe ich das Albers-Farbsystem studiert. Die Wahl erfolgt aus einer unbewussten Interaktion, die mir sagt, welche Farbe ich verwenden soll. Alle Farben tragen oder können starke Gefühle und Bedeutungen tragen.

IA: Fühlen Sie, dass die Farbbeziehungen, die Sie in diesen Gemälden ausgedrückt haben, anders sind als die Farbbeziehungen, die Sie in früheren Werkgruppen ausgedrückt haben?
DG: Nein. Nicht für mich. Es gibt jedoch mehr Maltechniken, sodass die gleichen Farben unterschiedlich erscheinen können.

IA: In welcher Weise hat der Prozess des Malens dieser Bilder deine Beziehung zur Gestik beeinflusst?
DG: Offensichtlich gibt es in diesen Arbeiten eine stärkere Verwendung von Gesten als in denen der letzten zehn Jahre. Gesten im normalen Sinne – das Gefühl der Bewegung der Farbe oder aus der Art und Weise, wie die Farbe aufgetragen wurde, und kalligrafische Linien. Gesten (und als Zeichnung) tragen alle möglichen Bedeutungen. Ich wollte mehr davon in diesen Gemälden verwenden. Meine Arbeiten aus früheren Jahrzehnten verwendeten ebenfalls breite Gesten. In meinen mittleren Zwanzigern habe ich viel Zeit damit verbracht, chinesische Landschafts- und Zen-Malerei zu studieren, da ich das Gefühl hatte, dass dies ein Teil der Malerei ist, den ein Maler verdauen sollte. Und um die Mitte der 1970er Jahre, nach einem Jahrzehnt der Arbeit mit geformten und dreidimensionalen Leinwänden und anderen verwandten Experimenten, „ging ich zurück zum Anfang“, machte einen Kreide-Strich auf ein Stück schwarzes Papier und entwickelte meine Arbeit von dort aus neu, indem ich erkundete, wie Striche zu Linien werden und Formen bilden. Im Laufe der Jahre wurden alle Arten von Linien und Strichführungen erkundet, die feinste Linie wird zur Kontur für gefärbte Formen.

Dana Gordon - Coming To, 2015-16, Öl und Acryl auf Leinwand, 72 x 60 Zoll (Links) und Jacobs Leiter, 2015-2016, Öl und Acryl auf Leinwand, 72 x 60 Zoll (Rechts), © der Künstler

IA: Bitte teilen Sie die Wege, auf denen Sie dieses Werk als ästhetisches Statement wahrnehmen, und die Wege, auf denen Sie es als den Beginn eines Gesprächs mit den Zuschauern wahrnehmen.
DG: Jede Kunst ist eine ästhetische Aussage. Ich denke, das ist das Wesentliche. Alles andere darin – Politik, literarische Ideen usw. – ist Sentiment und reduziert oder verschleiert die Kunst. Die Emotion in einem Giotto zum Beispiel kommt mehr aus der ästhetischen Fähigkeit des Künstlers als aus seinen religiösen Überzeugungen. Seine ästhetische Fähigkeit ermöglicht es ihm, seine Spiritualität in das Visuelle zu verkörpern.

IA: In welcher Funktion, wenn überhaupt, glauben Sie, dass diese Werke von den Zuschauern fertiggestellt werden müssen?
DG: Ich führe als Betrachter ein Gespräch mit dem Gemälde, während ich es mache. Ich denke nicht, dass das Gemälde durch die Betrachter vollendet werden muss. Es ist vollendet, wenn ich damit fertig bin. Ich hoffe, dass die Betrachter eine Auseinandersetzung mit den Gemälden haben, in einem visuellen Gespräch, wenn man so will. Ich freue mich, wenn die Gemälde im Kopf des Betrachters ein Eigenleben entwickeln. Ich hoffe, dieses Leben ist nah an dem, was ich im Kopf und in meinen Gefühlen hatte, als ich das Gemälde gemacht habe. Ich weiß, dass es in gewisser Weise, oder ziemlich anders, sein wird.

IA: Sie haben in der Vergangenheit gesagt, dass Sie inspiriert sind, "abstrakte Gemälde zu schaffen, die so voll, reich, vollständig und bedeutungsvoll sind wie die großen Meisterwerke der Vergangenheit." Im Kontext dieser Aussage, wie definieren Sie das Wort "groß"?
DG: Was ich mit dieser Aussage meinte, ist, dass ich das Gefühl habe, dass die abstrakte Malerei historisch gesehen nicht die Fülle des Geistes, die umfassende Ausdruckskraft und die Offenheit sowie Komplexität des Raumes erreicht hat, die die alten Meisterwerke hatten. Ich denke, Cezanne hat dieses Problem früh erkannt, wie wir in seiner berühmten Aussage sehen können: „Aber ich wollte aus dem Impressionismus etwas Solides und Dauerhaftes machen, wie die Kunst der Museen.“ Ich glaube nicht, dass er das erreicht hat, was er damit meinte; er hat etwas anderes erreicht. Das soll nicht heißen, dass viele der großen modernen abstrakten Meister keine tiefgründige und berührende Kunst geschaffen haben. Natürlich haben sie das. Aber es ist auf die Einhaltung beschränkt, nur eine Sache zu tun, und auf das ausschließliche Bedürfnis nach Flachheit, das sich zum Betrachter hin ausdehnt. Ja, es gibt etwas Raum in diesen Gemälden, aber er ist begrenzt. Ich sage das, obwohl ich Rothko, Pollock und andere als große Künstler verehre. Miro hat es manchmal verstanden. Nach dem Krieg denke ich, dass Arshile Gorky dem, was ich im Sinn habe, in vielen seiner Arbeiten von 1944 und danach am nächsten kam (und ich habe oft gedacht, dass er der größte seiner Zeitgenossen war – Pollock, de Kooning und andere). Hans Hofmann und Helen Frankenthaler kommen hier und da nahe daran. (Ich spreche hier von abstrakt, nicht von figurativ in einem abstrakten Stil.)

IA: Könnten Sie einige spezifische Beispiele der großartigen Meistergemälde der Vergangenheit nennen?
DG: Giotto, vor allem. Viele der Meister der Renaissance und des Barock: Masaccio, die Limbourgs, Titian, Georgione, Bosch, Velasquez, El Greco usw., bis hin zu spät (aber nicht früh) Goya.

IA: Hast du bereits die Bewertungsphase über die Arbeiten in dieser Ausstellung erreicht?
DG: Ich bin oft in der Bewertungsphase. Über all die Arbeiten, die ich je gemacht habe, sogar bevor ich mit dem Malen beginne, bis zum gegenwärtigen Moment. Es gibt viele Zeiten, in denen ich das Gefühl habe, dass ich das Urteil aus meinem Kopf verbannt habe und frei davon arbeite. (Etwas wie „alle Stimmen in deinem Kopf loswerden“, sagte einmal ein Malerfreund.) Diese Zeiten sind sehr wichtig. Aber ob sie wirklich frei von Urteil sind, da bin ich mir nicht so sicher.

Vorschaubild: Porträt des Künstlers, © IdeelArt
Von Phillip Barcio