Jim Hodges verwandelt New Yorks Grand Central in eine abstrakte Installation

Jim Hodges ist einer jener seltenen abstrakten Künstler, deren Werk es schafft, die schwierigsten Aspekte des Geistes unserer Zeit auszudrücken und zugleich ihre Schönheit zu zeigen. Eine neue Installation von Hodges mit dem Titel „I dreamed a world and called it Love“ wurde kürzlich im Grand Central Station in New York City eröffnet. Sie nimmt ihren Namen und ihre materielle Präsenz von einer gleichnamigen Ausstellung aus dem Jahr 2016 in der Gladstone Gallery an der 21st Street in New York auf. Die Installation bedeckt mehrere Flächen mit mehr als 65 Quadratmetern und besteht aus über 5.000 einzelnen Stücken geschnittenen Glases. Das Werk teilt eine materielle Tradition mit dem Bleiglasfenster. Anders als ein Bleiglasfenster, das Licht durch die Oberfläche lässt, ist diese Installation auf undurchsichtigen Flächen montiert, was die reflektierenden Eigenschaften des farbigen Glases hervorhebt. Wie drückt dieses Werk die schwierigsten Aspekte des Geistes unserer Zeit aus? Es ist zerbrochen; manchmal chaotisch; und sieht mehr als nur ein wenig apokalyptisch aus. Wie drückt es die Schönheit dieses Moments aus? Es umarmt Bewegung; Dynamik; Glanz; und mobilisiert ein Farbspektrum, das – anders als die meisten visuellen Darstellungen von Regenbögen – Schwarz und Braun einschließt. Die Farbpalette schreit nach Natur, vom Blau des Ozeans und der Atmosphäre bis zum Grün des Waldes und den Rot- und Brauntönen des Bodens. Doch der künstliche Eindruck des Werks zeigt uns, dass es eindeutig das Ergebnis menschlichen Eingreifens ist. Schließlich ist an dieser Installation etwas offen Optimistisches. Sie bezieht sich nicht auf die Last von Fakten und Daten, sondern auf die urzeitlichen Möglichkeiten, die im Akt der Schöpfung enthalten sind. Sie gehört nicht zum sterbenden Zeitalter der Information, das mich ehrlich gesagt erschöpft und ausgebeutet fühlen lässt, sondern zum aufkommenden Zeitalter der Vorstellungskraft, das verspricht, dass alles möglich ist.

Das erweiterte Feld erweitern

Jedes Fachgebiet umfasst bestimmte schmutzige, schwierige Aufgaben, die erledigt werden müssen. Menschen, die mit einer dieser Aufgaben beginnen und später an die Spitze aufsteigen, sind oft meine Lieblingsmenschen, weil sie auf einer grundlegenden, materiellen Ebene verstehen, worum es in ihrem Beruf wirklich geht. In den bildenden Künsten ist eine dieser Aufgaben die des Kunsthandhabers: die Menschen, die die Kunst verpacken, versenden und in Galerien und Museen aufhängen. Künstler, die als Kunsthandler arbeiten, lernen die Bedeutung des Handwerks und verstehen buchstäblich, wie wichtig es ist, dass Menschen eine körperliche Beziehung zur Kunst haben. Nach seinem Masterabschluss in Malerei am Pratt Institute in Brooklyn begann Jim Hodges seine Karriere als Kunsthandler. Er erledigte die Arbeit im Tausch gegen kostenlosen Atelierplatz. Während er Kunst in New York verpackte, schleppte und aufhängte, verwandelte er sich von einem traditionellen Maler zu einem Künstler, der im erweiterten Feld der Malerei arbeitet: einem theoretischen Universum, in dem Farbe, Oberfläche und Komposition sich vom Leinwandbild und der Wand lösen, um alle Flächen, alle Materialien und alle Räume zu bewohnen.

Installationsansicht, Jim Hodges, I Dreamed a World and Called it Love, in der Gladstone Gallery, New York, 2016

Seine Retrospektive zur Mitte seiner Karriere aus dem Jahr 2014 mit dem Titel „Give More Than You Take“ im Institute of Contemporary Art in Boston war eine Lehrstunde darin, wie Hodges die drei Jahrzehnte seit seinen frühen Tagen als Kunsthandler genutzt hat, um das erweiterte Feld weiter auszudehnen. Eine Wand aus gebrauchten Servietten, jede mit einem zerbrechlichen Bild einer Blume verziert, zeigte, wie ein gemaltes Bild in mancher Hinsicht unheimlich und schön einer Gruft ähnelt: ein reizvoller Behälter, um etwas zu bewahren, das vielleicht einmal war oder vielleicht nie war. Eine Decke, die mit hängenden, geblasenen Glasglocken ausgekleidet war, jede innen mit einem zarten Pastellton bemalt, wurde mehr als eine ortsspezifische Installation zum Durchschreiten. Sie fing das wechselnde Licht eines angrenzenden Fensters ein und gab es wieder frei; sie reizte den Geist mit dem Versprechen bezaubernder Klänge; und wenn ein Betrachter kühn und mutig genug war, sich auf den Boden zu legen und nach oben zu schauen, verwandelte sie sich in eine Komposition aus Farbe und Form auf einer ebenen Fläche – ein Gemälde im erweiterten Feld.

Pendler, die an der permanenten Installation von Jim Hodges I dreamed a world and called it Love im Grand Central Terminal in New York vorbeigehen. Bild mit freundlicher Genehmigung der Gladstone Gallery.

Reflektierendes Potenzial

Als er seine Karriere in den 1980er Jahren begann, war die AIDS-Krise ein zentrales Anliegen für Hodges. Er hat manchmal über den Mangel an Menschlichkeit in unserer Gesellschaft gesprochen, eine zentrale Herausforderung, die die schlimmsten Jahre der AIDS-Pandemie so viel tödlicher machte, als sie hätten sein müssen. Heute, in unserer aktuellen Pandemie, weigern wir uns, uns in anderen zu sehen, genauso wie damals, und erkennen oft nicht einmal an, was wir selbst wirklich sind. In vielen seiner Werke hat Hodges die Idee der Menschlichkeit und ihren ständigen Begleiter, den Tod, ausgedrückt. Ein Bild, das er häufig heranzieht, ist das eines Spinnennetzes – eine abstrahierte Allegorie für diejenigen von uns, die sich gegenseitig nähren, und für diejenigen, die hilflos in den Fallen ihrer Peiniger gefangen sind.

Die permanente Installation von Jim Hodges I dreamed a world and called it Love im Grand Central Terminal in New York. Bild mit freundlicher Genehmigung der Gladstone Gallery.

Mit seinen tropfenden, fließenden, biomorphen Formen ist „I dreamed a world and called it Love“ im Grand Central Station so sehr in der Natur verwurzelt wie ein Spinnennetz. Viele Menschen, die ihm begegnen, werden zweifellos so schnell wie eine Fliege vorbeieilen, in der Verzweiflung, nicht in eine vermeintliche Falle zu geraten. Diejenigen, die innehalten und das Werk betrachten, werden zunächst das Oberflächliche daran sehen – seine plastischen Qualitäten; Licht und Bewegung. Sie könnten das Gewicht des Glases spüren, eines Materials, das aus Erde und Feuer geboren ist. Mit der Zeit könnten sie metaphysische Reaktionen haben – ein unbehagliches Gefühl urzeitlicher Kräfte, die grundlegende Veränderungen bewirken. Ob sie nun innehalten und auf diese Weise nach innen schauen oder einfach vorbeieilen, jeder, der dieses Werk sieht, wird zumindest intuitiv sein reflektierendes Potenzial erfassen. Sie werden sich selbst darin sehen. Sie werden andere darin sehen. Es ist auf diese Weise ein mitfühlendes Kunstwerk – ein Zeugnis eines Künstlers, der viele Jahre damit verbracht hat, uns zu helfen zu verstehen, was es bedeutet, Mensch zu sein.

Titelbild: Die permanente Installation von Jim Hodges I dreamed a world and called it Love im Grand Central Terminal in New York. Bild mit freundlicher Genehmigung der Gladstone Gallery.
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken
Von Phillip Barcio