Jim Hodges verwandelt New Yorks Grand Central in eine abstrakte Installation

Jim Hodges ist einer dieser seltenen abstrakten Künstler, deren Werke die problematischsten Aspekte des Geistes unserer Zeit ausdrücken und gleichzeitig deren Schönheit verkörpern. Eine neue Installation von Hodges mit dem Titel „Ich träumte eine Welt und nannte sie Liebe“ wurde kürzlich im Grand Central Station in New York City eröffnet. Sie trägt ihren Namen und ihre materielle Präsenz von einer gleichnamigen Ausstellung aus dem Jahr 2016 in der 21st Street-Location der Gladstone Gallery in New York. Die Installation erstreckt sich über mehrere Flächen von mehr als 700 Quadratfuß und besteht aus mehr als 5.000 einzelnen Stücken geschnittenem Glas. Das Werk teilt eine materielle Tradition mit Buntglas. Im Gegensatz zu einem Buntglasfenster, das Licht durch die Oberfläche lässt, ist diese Installation jedoch auf opaken Flächen montiert, was die reflektierenden Eigenschaften des farbigen Glases hervorhebt. Wie drückt dieses Werk die problematischsten Aspekte des Geistes unserer Zeit aus? Es ist zerbrochen; manchmal chaotisch; und sieht mehr als ein wenig apokalyptisch aus. Wie drückt es die Schönheit dieses Moments aus? Es umarmt Bewegung; Dynamik; Glanz; und mobilisiert ein Regenbogen von Farben, die – im Gegensatz zu den meisten visuellen Darstellungen von Regenbögen – Schwarz und Braun einschließen. Die Palette schreit nach Natur, vom Blau des Ozeans und der Atmosphäre bis zum Grün des Waldes und den Rottönen und Brauntönen des Bodens. Doch der fabrikmäßige Look des Stücks sagt uns, dass es eindeutig das Ergebnis menschlichen Eingreifens ist. Schließlich gibt es etwas offen Optimistisches an dieser Installation. Sie kommentiert nicht die Last von Fakten und Daten, sondern die urtümlichen Möglichkeiten, die im Akt der Schöpfung enthalten sind. Sie gehört nicht zum sterbenden Zeitalter der Informationen, das mich ehrlich gesagt erschöpft und ausgebeutet fühlen lässt, sondern zum aufkommenden Zeitalter der Vorstellungskraft, das verspricht, dass alles möglich ist.

"Das erweiterte Feld erweitern"

Jedes Feld umfasst bestimmte schmutzige, schwierige Arbeiten, die erledigt werden müssen. Menschen, die mit einem dieser Jobs anfangen und später an die Spitze aufsteigen, sind oft meine Lieblingsmenschen, weil sie auf einer grundlegenden, materiellen Ebene verstehen, worum es in ihrem Beruf geht. In den visuellen Künsten ist einer dieser Jobs der Kunstverpacker: die Menschen, die die Kunst verpacken, versenden und aufhängen, die wir an den Wänden von Galerien und Museen sehen. Künstler, die als Kunstverpacker arbeiten, lernen die Bedeutung des Handwerks und verstehen buchstäblich, wie wichtig es ist, dass Menschen eine physische Beziehung zur Kunst haben. Nach dem Erwerb seines MFA in Malerei am Pratt Institute in Brooklyn begann Jim Hodges seine Karriere als Kunstverpacker. Er machte den Job im Austausch für kostenlosen Studioplatz. Während er Kunst in New York verpackte, schleppte und aufhängte, verwandelte er sich von einem traditionellen Maler in einen Künstler, der im erweiterten Feld der Malerei arbeitet: ein theoretisches Universum, in dem Farbe, Oberfläche und Komposition sich von der Leinwand und der Wand befreien, um alle Oberflächen, alle Materialien und alle Räume zu bewohnen.

Installationsansicht, Jim Hodges, Ich träumte von einer Welt und nannte sie Liebe, in der Gladstone Gallery, New York, 2016

Seine 2014, mid-career Retrospektive mit dem Titel „Give More Than You Take“ im Institute of Contemporary Art in Boston war eine Lehrstunde darin, wie Hodges die drei Jahrzehnte seit diesen frühen Tagen als Kunstvermittler genutzt hat, um das erweiterte Feld auszudehnen. Eine Wand aus gebrauchten Servietten, jede mit einem zerbrechlichen Bild einer Blume verziert, demonstrierte, wie ein gemaltes Bild in mancherlei Hinsicht unheimlich und schön ähnlich einem Grab ist: ein schöner Behälter, um etwas zu halten, das vielleicht einmal war oder vielleicht nie war. Eine Decke, die mit hängenden, geblasenen Glasglocken ausgekleidet war, die innen mit einem zarten, pastellfarbenen Farbton bemalt waren, wurde mehr als eine ortsspezifische Installation, durch die man gehen konnte. Sie fing das wechselnde Licht von einem angrenzenden Fenster ein und ließ es wieder los; sie reizte den Geist mit dem Versprechen von bezaubernden Klängen; und wenn ein Betrachter mutig und kühn genug wäre, sich auf den Boden zu legen und nach oben zu schauen, verwandelte sie sich in eine Komposition aus Farbe und Form auf einer flachen Fläche – ein Gemälde in einem erweiterten Feld.

Pendler, die an Jim Hodgess permanenter Installation I dreamed a world and called it Love im New Yorker Grand Central Terminal vorbeigehen. Bild mit freundlicher Genehmigung von Gladstone Gallery.

Reflexives Potenzial

Als er in den 1980er Jahren seine Karriere begann, war die AIDS-Krise ein zentrales Anliegen für Hodges. Er hat manchmal über den Mangel an Menschlichkeit in unserer Gesellschaft gesprochen, eine zentrale Herausforderung, die die schlimmsten Jahre der AIDS-Pandemie so viel tödlicher machte, als sie hätten sein müssen. Heute, in unserer aktuellen Pandemie, weigern wir uns, uns selbst in anderen zu sehen, und versäumen es häufig sogar, anzuerkennen, was wir selbst wirklich sind. In so vielen seiner Werke hat Hodges die Idee der Menschlichkeit und ihres ständigen Begleiters, des Todes, zum Ausdruck gebracht. Ein Bild, das er häufig heraufbeschwört, ist das eines Spinnennetzes – eine abstrahierte Allegorie für diejenigen von uns, die voneinander leben, und für diejenigen von uns, die hilflos in den Fallen unserer Peiniger gefangen sind.

Jim Hodges permanente Installation Ich träumte von einer Welt und nannte sie Liebe im Grand Central Terminal in New York. Bild mit freundlicher Genehmigung von Gladstone Gallery.

Mit seinen oozenden, fließenden, biomorphen Formen ist „Ich träumte eine Welt und nannte sie Liebe“ im Grand Central Station so in der Natur verwurzelt wie ein Spinnennetz. Viele Menschen, die ihm begegnen, werden zweifellos so schnell daran vorbeihasten wie eine Fliege, verzweifelt darum bemüht, nicht in eine vermeintliche Falle zu geraten. Diejenigen, die anhalten und das Werk betrachten, werden zunächst das Oberflächliche daran sehen – seine plastischen Qualitäten; Licht und Bewegung. Sie könnten das Gewicht des Glases spüren, ein Material, das aus Erde und Feuer geboren wurde. Im Laufe der Zeit könnten sie metaphysische Reaktionen haben – ein unbehagliches Gefühl von urtümlichen Kräften, die grundlegende Veränderungen hervorrufen. Ob sie aufhören und auf diese Weise introspektiv werden oder einfach vorbeihasten, jeder, der dieses Werk sieht, wird zumindest intuitiv sein reflektierendes Potenzial erfassen. Sie werden sich selbst darin sehen. Sie werden andere darin sehen. Es ist auf diese Weise ein empathisches Kunstwerk – ein Zeugnis eines Künstlers, der viele Jahre damit verbracht hat, uns zu helfen zu verstehen, was es bedeutet, menschlich zu sein.

Vorgestelltes Bild: Jim Hodgess permanente Installation Ich träumte von einer Welt und nannte sie Liebe im New Yorker Grand Central Terminal. Bild mit freundlicher Genehmigung von Gladstone Gallery.
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken.
Von Phillip Barcio