Joanne Freeman Interview

Elegante weiße Leinwände, die nur mit wenigen sorgfältig gestalteten Schleifen in verschiedenen Farben verziert sind und einen bestimmten Rhythmus von Friedlichkeit und Harmonie ausstrahlen. Das Weniger-ist-mehr-Prinzip ist in den Werken von Joanne Freeman offensichtlich. Mit nur wenigen effektiven Linien gelingt es ihr, eine eindrucksvolle Vision zu schaffen und den Betrachter zu fesseln. IdeelArt hatte die einzigartige Gelegenheit, Joanne Freeman ein paar Fragen zu ihrem Werk, ihrem kreativen Prozess und ihrem Leben als Künstlerin zu stellen. Wir haben über ihre Gedanken zu ihrem Werk, wie sie die Beziehung zwischen dem Schöpfer und der Kunst sowie zwischen der Kunst und dem Betrachter wahrnimmt, gesprochen. Genießen Sie also unser kurzes, aber aufschlussreiches Interview mit der sehr lieben Joanne Freeman. 

"Sie haben in Madison, Wisconsin, studiert, in Massachusetts Vorträge gehalten, in den USA und international weitreichend ausgestellt, und Sie leben und arbeiten in New York City. Können Sie darüber sprechen, wie Ihre Arbeit von einem Gefühl für den Ort beeinflusst wird?"

Mein Werk wird stark von dem Ort beeinflusst. Wie bereits erwähnt, lebe und arbeite ich in New York City, und dieses visuelle und kulturelle Klima hat einen starken Einfluss auf meine Arbeit. Ich bin immer überrascht, wenn ich gehe und wieder zurückkomme, über das, was ich bemerke. Die Zeit weg gibt mir immer eine erneuerte Perspektive und eine Frische des Sehens. Reisen bewirkt dasselbe, wenn ich in einer anderen Umgebung bin, bin ich offen für Dinge, die andere durch Vertrautheit als alltäglich empfinden. Ich kann viele der Einflüsse auf das Werk erzählen, manchmal direkt während ich es erschaffe und manchmal lange danach, wenn ich es betrachte.

Wie wird Ihre Arbeit von Ihrer eigenen Körperlichkeit beeinflusst?

"Mein Prozess im Studio ist körperlich anstrengend, besonders wenn die Größe der Gemälde zunimmt. Die scharfen Kantenlinien in den Gemälden entstehen durch den Schwung meines Arms von einer Kante der Leinwand zur anderen. Die Größe sowohl der äußeren Stützen als auch der inneren Linien steht im Verhältnis sowohl zum Prozess als auch zu den Proportionen meines Körpers."

"Sie arbeiten manchmal an runden Oberflächen. In Anbetracht der physischen Natur der Gesten, die Sie machen, wie entwickelt sich Ihre Verbindung zur Oberfläche, wenn Sie mit einem kreisförmigen Raum konfrontiert werden?"

Die Gesten werden gezügelter und kontrollierter, wenn sie mit einem kreisförmigen Raum kombiniert werden. Sie sind absichtlicher und drehen sich, während sie die kreisförmige Form der Leinwand nachahmen. Während ich in den größeren rechteckigen Gemälden große Schwünge ausführe, die über die Ränder hinausgehen und Unendlichkeit suggerieren, zentrieren sich die kreisförmigen Stücke auf sich selbst und betonen die Form und den Rand der Oberfläche, was zur Objektivierung des Gemäldes beiträgt.

"Ein Teil der Arbeiten, die Sie machen, besteht darin, Ihren Zugang zur Oberfläche durch Abkleben von Bereichen zu begrenzen. Wie variiert Ihr emotionaler/intellektueller Zustand, wenn Sie mit einer solchen Arbeit konfrontiert sind, im Vergleich dazu, wenn Sie völlige Freiheit haben, auf die gesamte Oberfläche zuzugreifen?"

Ich denke, Sie beziehen sich auf meine Arbeiten auf Papier, bei denen ich Bereiche abklebe und Farbsch shapes kreiere, im Gegensatz zu meinen Gemälden, die offener erscheinen. Der Prozess ist zwischen den beiden Medien tatsächlich ziemlich ähnlich und ist eigentlich sehr intuitiv. Ich setze entweder eine Linie oder eine Form auf die Oberfläche und baue darauf auf. Bei den Gemälden ist die Komposition fester und meine Optionen beziehen sich mehr auf Farbwahl. Die monochromatische Farbe, die ich in den Zeichnungen verwende, ermöglicht es mir, mehr mit der Komposition zu spielen. So oder so habe ich die Sprache reduziert, Grenzen gesetzt und meine Entscheidungen eingeschränkt, was paradoxerweise mehr Freiheit ermöglicht.

"Sie haben erwähnt, dass Sie von der Arbeit reduktiver Künstler beeinflusst wurden. Könnten Sie einige der Künstler nennen, deren Arbeit Sie bewundern, und darüber sprechen, welche Fragen sie Ihnen geholfen haben zu finden oder zu beantworten?"

"Ich schaue mir die Arbeiten vieler Künstler an, einige, die mir einfallen, sind: Paul Feeley, Morris Louis, Kenneth Noland, Mary Heilmann, Carla Accardi und Ellsworth Kelly. Ich bewundere die Arbeiten von Künstlern, deren Werke minimal und monumental erscheinen, aber gleichzeitig das Handgemachte und Verspielt feiern. Es ist ein bisschen ein Teufelskreis, der Prozess der reduktiven Malerei, denn man muss viel Arbeit und Übertreibung durchlaufen, um zu einer einfachen, ehrlichen Aussage zu gelangen. Ich hinterfrage meine Reaktionen auf die Arbeiten meiner Vorgänger und versuche, das Vertrauen zu finden, mit weniger mehr zu sagen."

Was erleben Sie intellektuell während des physischen Aktes der reduktiven Bildherstellung?

Ich versuche, im Studio reflexiv zu handeln, indem ich kritische Bewertungen kontrolliere und versuche, Urteile viszeral zu fällen, basierend auf den Informationen, die vor mir liegen. Die Kanonisierung von Künstlern und die mächtigen Einflüsse der Kunstgeschichte können zu einer Situation führen, die mir als das Mona-Lisa-Syndrom beschrieben wurde, bei der die Mythologie eines Werkes eine ehrliche Reaktion darauf überschattet. Ich habe eine reduktive visuelle Sprache internalisiert, die für mich auf ihren kunsthistorischen Vorgängern basiert: Russischer Konstruktivismus, das Bauhaus, Neoplastizismus und weniger offensichtlich die frühchristliche Kunst von Giotto und Fra Angelico im Konvent von San Marco. Diese Lehren zusammen mit den Einflüssen zeitgenössischer Künstler sind immer bei mir im Studio. Hoffentlich führt diese erlernte gemeinsame Sprache zu einer einzigartigen Interpretation.

Was hoffen Sie, wird der Betrachter erleben, wenn er auf Ihr Werk trifft?

Seltsamerweise habe ich, weil ich so in den Prozess der Schaffung meiner Arbeit involviert bin, manchmal Schwierigkeiten, sie im Moment tatsächlich zu sehen. Ich habe die Erfahrung gemacht, meine Arbeit ein paar Jahre später im Zuhause eines anderen oder im Kontext einer anderen Institution zu sehen. In diesem Moment ist es immer schön zu denken: „Oh wow, das funktioniert.“ Ich würde mir das Gleiche für einen Betrachter wünschen.

Joanne Freeman

Vorgestelltes Bild: Fotografie von Joanne Freeman‘s ''Covers''-Serie an Art on Paper, Kathryn Markel-Stand, Pier 36, New York, NY.  4.-6. März - Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers