Joanne Freeman Interview

Elegante weiße Leinwände, verziert mit nur wenigen sorgfältig gestalteten Schleifen in verschiedenen Farben, die einen gewissen Rhythmus von Ruhe und Harmonie ausstrahlen. Das Weniger-ist-mehr-Prinzip zeigt sich deutlich in den Werken von Joanne Freeman. Mit nur wenigen wirkungsvollen Linien gelingt es ihr, eine eindrucksvolle Vision zu erschaffen und den Betrachter zu fesseln. IdeelArt hatte die einzigartige Gelegenheit, Joanne Freeman einige Fragen zu ihrer Arbeit, ihrem kreativen Prozess und ihrem Leben als Künstlerin zu stellen. Wir sprachen über ihre Gedanken zu ihrer Arbeit, wie sie die Beziehung zwischen Schöpfer und Kunst sowie zwischen Kunst und Betrachter wahrnimmt. Genießen Sie also unser kurzes, aber aufschlussreiches Interview mit der sehr liebenswürdigen Joanne Freeman.

Sie haben in Madison, Wisconsin, studiert, in Massachusetts Vorträge gehalten, sind in den USA und international weit ausgestellt und leben und arbeiten in New York City. Können Sie darüber sprechen, wie Ihr Werk von einem Gefühl für den Ort geprägt ist?

Meine Arbeit ist stark vom Ort beeinflusst. Wie erwähnt, lebe und arbeite ich in New York City, und dieses visuelle und kulturelle Klima hat einen starken Einfluss auf meine Arbeit. Ich bin immer wieder überrascht, wenn ich die Stadt verlasse und zurückkomme, was mir auffällt. Die Zeit fernab gibt mir stets eine erneuerte Perspektive und eine Frische des Sehens. Reisen bewirken dasselbe: In einer anderen Umgebung bin ich offen für Dinge, die andere durch Vertrautheit als alltäglich empfinden. Ich kann viele Einflüsse auf die Arbeit benennen, manchmal direkt während des Schaffens und manchmal lange danach, wenn ich sie betrachte.

Wie wird Ihre Arbeit von Ihrer eigenen Körperlichkeit beeinflusst?

Mein Arbeitsprozess im Atelier ist körperlich anstrengend, besonders wenn die Größe der Gemälde zunimmt. Die scharfen Kantenlinien in den Bildern entstehen durch die Schwungbewegung meines Arms von einem Rand der Leinwand zum anderen. Die Größe sowohl der äußeren Stützen als auch der inneren Linien steht in Beziehung zum Prozess und zu den Proportionen meines Körpers.

Sie arbeiten manchmal auf runden Flächen. Wie entwickelt sich Ihre Verbindung zur Oberfläche angesichts des kreisförmigen Raums, wenn man die körperliche Natur Ihrer Gesten bedenkt?

Die Gesten werden tatsächlich zurückhaltender und kontrollierter, wenn sie mit einem kreisförmigen Raum verbunden sind. Sie sind bewusster drehend und ahmen die runde Form der Leinwand nach. Während ich bei den größeren rechteckigen Gemälden weite Schwünge ausführe, die über die Ränder hinausgehen und Unendlichkeit andeuten, konzentrieren sich die runden Stücke auf sich selbst, betonen die Form und den Rand der Fläche, was zur Objektivierung des Gemäldes beiträgt.

Einige Ihrer Arbeiten entstehen, indem Sie den Zugang zur Oberfläche durch Abkleben von Bereichen einschränken. Wie variiert Ihr emotionaler und geistiger Zustand, wenn Sie sich einer solchen Arbeit stellen, im Vergleich zu der völligen Freiheit, die gesamte Fläche zu nutzen?

Ich denke, Sie meinen meine Arbeiten auf Papier, bei denen ich Bereiche abklebe und Farbflächen erschaffe, im Gegensatz zu meinen Gemälden, die offener wirken. Der Prozess ist tatsächlich bei beiden Medien recht ähnlich und sehr intuitiv. Ich setze entweder eine Linie oder eine Form auf die Fläche und baue darauf auf. Bei den Gemälden ist die Komposition fester und meine Möglichkeiten beziehen sich mehr auf die Farbwahl. Die einfarbige Farbe, die ich bei den Zeichnungen verwende, erlaubt mir mehr Spielraum in der Komposition. So oder so habe ich die Sprache reduziert, Grenzen gesetzt und meine Wahlmöglichkeiten eingeschränkt, was paradoxerweise mehr Freiheit ermöglicht.

Sie haben erwähnt, von der Arbeit reduktiver Künstler beeinflusst zu sein. Können Sie einige der Künstler nennen, deren Werke Sie bewundern, und darüber sprechen, welche Fragen sie Ihnen geholfen haben zu finden oder zu beantworten?

Ich sehe mir viele Künstlerarbeiten an, einige, die mir einfallen, sind: Paul Feeley, Morris Louis, Kenneth Noland, Mary Heilmann, Carla Accardi und Ellsworth Kelly. Ich bewundere die Werke von Künstlern, deren Arbeiten minimal und monumental erscheinen, aber gleichzeitig das Handgemachte und Verspielte feiern. Es ist ein bisschen ein Teufelskreis, der Prozess der reduktiven Malerei, denn man muss viel Arbeit und Übermaß durchlaufen, um eine einfache, ehrliche Aussage zu erreichen. Ich hinterfrage meine Reaktionen auf die Werke meiner Vorgänger und versuche, das Selbstvertrauen zu finden, mit weniger mehr zu sagen.

Was erleben Sie geistig während des körperlichen Akts der reduktiven Bildgestaltung?

Ich versuche im Atelier reflexhaft zu handeln, indem ich kritische Bewertungen kontrolliere und versuche, Urteile instinktiv zu fällen, basierend auf den vor mir liegenden Informationen. Die Kanonisierung von Künstlern und die starken Einflüsse der Kunstgeschichte können zu einer Situation führen, die mir als Mona-Lisa-Syndrom beschrieben wurde, bei der die Mythologie eines Werkes eine ehrliche Reaktion darauf überschattet. Ich habe eine reduzierte Bildsprache verinnerlicht, die für mich funktioniert, basierend auf ihren kunstgeschichtlichen Vorbildern: Russischer Konstruktivismus, die Bauhaus-Schule, Neoplastizismus und weniger offensichtlich die frühchristliche Kunst von Giotto und Fra Angelico im Kloster San Marco. Diese Lehren zusammen mit den Einflüssen zeitgenössischer Künstler sind immer bei mir im Atelier. Hoffentlich führt diese erlernte gemeinsame Sprache zu einer einzigartigen Interpretation.

Was hoffen Sie, dass der Betrachter erlebt, wenn er auf Ihre Arbeit trifft?

Seltsamerweise habe ich, weil ich so sehr in den Schaffensprozess meiner Arbeit eingebunden bin, manchmal Schwierigkeiten, sie im Moment wirklich zu sehen. Ich habe die Erfahrung gemacht, meine Arbeit einige Jahre später im Zuhause einer anderen Person oder im Rahmen einer anderen Einrichtung zu sehen. In diesem Moment ist es immer schön zu denken: „Oh, das funktioniert.“ Dasselbe würde ich mir für einen Betrachter wünschen.

Joanne Freeman

Abgebildetes Bild: Fotografie der Serie „Covers“ von Joanne Freeman bei Art on Paper, Stand Kathryn Markel, Pier 36, New York, NY. 4. bis 6. März – Mit freundlicher Genehmigung der Künstlerin