Zeitgenössische Tradition schaffen - Jeffrey Gibson

Vor Kurzem machte ich eine seltene Erfahrung, als ich die Arbeiten von Jeffrey Gibson betrachtete. Etwas an den Werken öffnete für mich eine Tür. Es zeigte mir eine größere und interessantere Beziehung zum physischen Raum. Sehen Sie, ich besuche viele Kunstausstellungen. Und ich habe meist die gleiche allgemeine Art von Beziehung zu jeder Ausstellung, die ich besuche. Sie können wahrscheinlich erraten, welche Art von Beziehung das ist, basierend darauf, wie ich gerade darüber spreche. Sie ist dadurch definiert, dass ich mich von der Kunst und dem Raum, den sie einnimmt, getrennt fühle. Ich sehe mich selbst, die Kunst, die Ausstellung und den Raum als vier getrennte Dinge ohne eine innewohnende Verbindung. Ich betrete einen Raum, in dem Kunst ausgestellt ist, ich betrachte die Kunst, ich denke darüber nach, was ich sehe, und später, mit der Zeit, kann es sein, dass die Arbeit auf verschiedene Weise bei mir nachklingt oder auch nicht. Natürlich gab es einige Fälle, in denen die Arbeit mich dazu brachte, sie nicht so zu sehen, wie etwa bei einem James Turrell Skyspace, in dem der Raum selbst die Kunst ist. Aber meistens sehe ich Kunstausstellungen fast immer nur als Gelegenheiten, irgendwohin zu gehen und etwas anzuschauen. Was jedoch bei den Werken von Jeffrey Gibson geschah, war, dass sie eine andere Art von Beziehung aus mir herauslockten. Sie wollten sich nicht mit der Beschränkung abfinden, nur Dinge in einem Raum zu sein, die betrachtet und bedacht werden. Durch die Kraft ihrer Präsenz ließen sie mich wissen, dass ich nicht das ganze Bild sah. Sie ließen mich erkennen, dass Kunst nicht nur Raum einnimmt: Raum und Kunst bewohnen einander. Und wenn ein Mensch in diese Beziehung eintritt, entsteht ein Ereignis, bei dem alle drei – die Kunst, der Raum und die Person – gleichberechtigte Mitwirkende werden. Ich spreche hier nicht von etwas Geistigem oder Metaphysischem. Ich sage, dass auf dieselbe Weise, wie eine Person, die eine Militäruniform anlegt, „zum“ Soldaten wird, oder eine Person, die ein liturgisches Gewand anlegt, „zum“ Geistlichen wird, wenn ein Raum eine Kunstausstellung zeigt, er „etwas Neues wird, etwas Mehr“. Und wenn wir in Beziehung zu diesem Neuen treten – dieser Verbindung von Kunst und Raum – bewohnen wir es so, wie ein Priester ein Gewand oder ein Soldat eine Uniform bewohnt. Wir hauchen ihm Leben ein. Wir verleihen ihm Kraft und seine Rechte. Es ist mehr, als es sonst gewesen wäre, wegen unserer Anwesenheit. Und es liegt an uns, zu zeigen, was das bedeutet.

Powwows und Raves

Jeffrey Gibson wurde 1972 in Colorado geboren. Seine familiäre Herkunft ist indianisch, teils Cherokee, teils Choctaw. Wegen der Arbeit seines Vaters reiste Gibson als junger Mann und lebte zeitweise in Südkorea, Deutschland, England und verschiedenen Orten in den Vereinigten Staaten. Die Mischung kultureller Einflüsse war für ihn manchmal erhellend, zu anderen Zeiten frustrierend. Ein gutes Beispiel ist seine Liebe zur Musik und zum Tanz. Als junger Mann wurde er in die indianische Tradition des Powwow eingeführt, ein gesellschaftliches Treffen, bei dem Musik gespielt wird und lebendige Kostüme von Tänzern zum Leben erweckt werden. Und als Jugendlicher in Asien und Europa konnte er denselben Geist in sein Leben bringen, indem er mit Freunden in Clubs ging, um Musik zu hören und zu tanzen. Doch als er mit 16 Jahren in die Vereinigten Staaten zurückkehrte, wurde er in eine Kultur geworfen, in der er zu jung war, um Bars und Clubs zu betreten. Es war eine subtile, aber allgegenwärtige kulturelle Eigenart. Er fühlte sich zur Musik und zum Tanz hingezogen, hatte aber kaum eine Möglichkeit, dieses Gefühl auf sozial akzeptierte Weise auszudrücken.

Ein Ventil fand er in der Untergrund-Rave-Szene, die er in vielerlei Hinsicht als denselben Geist wie das Powwow empfand: Sie war sozial, drehte sich um Musik, und die Szene ermutigte Einzelne, ihre Persönlichkeit durch Schmuck und Kostüme auszudrücken und durch Tanz Aufmerksamkeit auf sich zu ziehen. Nach dem Schulabschluss erwarb er 1995 seinen Bachelor of Fine Arts am Art Institute of Chicago. Nachdem er die Zulassung zum Masterstudium der Bildenden Künste am Royal College of Art in London erhalten hatte, erfuhr er von seinem Häuptling, dass der Mississippi-Stamm der Choctaw-Indianer bereit war, seine Studiengebühren zu übernehmen. Gibson sagte in einem Interview mit ARTnews 2007: „Mein Häuptling meinte, dass ich, indem ich dort hingehe und ein starker Künstler bin, ihn stärker mache.“ Die Arbeiten, die Gibson seit dem Erwerb seines MFA 1998 und seiner Rückkehr in die Vereinigten Staaten schafft, sind geprägt von dieser weiten und vielfältigen Palette kultureller Erfahrungen, die seine Kindheit prägten, besonders von einem Bewusstsein für seine vielen Gemeinschaften und einer Anziehungskraft auf das Erbe von Powwows und Raves: Räume, die lebendig werden, wenn sie von Menschen und Kunst bewohnt werden.

Jeffrey Gibson - Here it Comes, 2014, Mischtechnik, Foto: Scott McCrossen/ FIVE65 Design

Gegen Verallgemeinerungen ankämpfen

Gibsons Werke umfassen viele Medien und Formen, vermitteln jedoch eine einheitliche ästhetische Sprache. Diese Sprache wird von lebendigen, reinen Farben, klar abgegrenzten geometrischen Formen und optischen Mustern dominiert. Die Bildsprache erinnert sofort sowohl an modernistische Abstraktion als auch an indianische Ästhetik. Was an dieser Kombination so wirkungsvoll ist, ist, dass sie sofort öffnet, was beide ästhetischen Positionen potenziell bieten können. Modernistische abstrakte Kunst verwendet Formen und Muster auf selbstbezügliche Weise, nennt Dreiecke Dreiecke und nichts weiter und fordert die Betrachter auf, Farbzusammenhänge für sich zu genießen, ohne nach einem verschlüsselten, tieferliegenden Sinn zu suchen. Die indianische Tradition hingegen ist von Natur aus verschlüsselt. Ein Dreieck ist niemals nur ein Dreieck. Es symbolisiert etwas: vielleicht etwas Persönliches, vielleicht etwas Kulturelles, vielleicht etwas Poetisches. Aber auf jeden Fall hat es für jemanden eine Bedeutung. Wegen der doppelten Traditionen, aus denen diese Werke hervorgehen, sind wir frei, sie offen zu interpretieren und unsere eigenen Traditionen, Codes und Erwartungen mit einzubringen.

Eines der ikonischsten Werkgruppen, die Gibson bisher geschaffen hat, ist eine Serie von Boxsäcken, die mit farbenfroher Perlenstickerei verziert sind. Er kam erstmals mit Boxsäcken in Berührung, als sein Therapeut ihm vorschlug, einen Personal Trainer zu engagieren, um ihm bei der Wut zu helfen, die er als junger Künstler empfand, der seine Stimme und seinen Weg in der zeitgenössischen Kunstwelt suchte. Die Form des Sackes ist selbst symbolisch. Sie deutet auf Widerstand, Isolation und Energieübertragung hin. Boxsäcke bewegen sich und schwanken. Sie geben dem Druck nach, kehren aber immer wieder in ihre ursprüngliche Position zurück. Sie sind zugleich weich und hart. Gibson gestaltet auf ihnen Bilder mit Materialien wie Perlen und fließenden Textilien, die auf das vorgefasste Verständnis zeitgenössischer Menschen von indianischer Kunst verweisen. Manchmal fügt er auch Text in die Kompositionen ein, der zu tieferer Betrachtung von Bild und Form einlädt. Die Boxsäcke sind bedeckt mit der Bildsprache der Kunstgeschichte, ebenso wie mit der verschlüsselten Sprache kultureller Erzählungen und der materiellen Sprache von Verallgemeinerungen. Sie sprechen von dem Kampf, den wir alle erleben, wenn wir versuchen herauszufinden, was wir werden wollen.

Jeffrey Gibson - Stillwater, 2017, Acryl und Graphit auf Leinwand, 31 × 27 Zoll, 78,7 × 68,6 cm (links) und Village, 2017, Acryl und Graphit auf Leinwand, 31 × 27 Zoll, 78,7 × 68,6 cm (rechts), Foto: De Buck Gallery

Formen bewohnen

Was mich am meisten beeinflusst, wenn ich über die Arbeiten von Jeffrey Gibson nachdenke, sind seine Kostüme. Er schafft fließende, farbenfrohe, aufwendige Kostüme und setzt sie auf hölzerne Gestelle. Sofort stelle ich mir vor, eines anzuziehen. Ich denke darüber nach, wie das Kostüm mich verwandeln würde, wenn ich es trüge. Dann denke ich darüber nach, wie ich es verwandeln würde. Zusammen würden wir etwas Ausdrucksstärkeres werden, als wir es allein sind. Die Formen, Farben und Muster des Kostüms würden eine neue Bedeutung annehmen, wenn sie mit den Bewegungen meines Körpers verbunden sind. Das Kunstobjekt und ich würden verschmelzen und zu einer lebendigen Form der Kommunikation werden.

Etwas an der Art, wie diese Kostüme das Zusammenfließen von Kunst, Raum und menschlichem Körper veranschaulichen, hat mir neue Einsichten gegeben – nicht nur in diese Kunstwerke, sondern in alle Kunstwerke. Der Ausstellungsraum ist ein Behälter für Bilder und Gegenstände, genau wie diese Kostüme. Ich betrete ihn, so wie ich ein Kostüm an meinen Körper lege. Während ich die Ausstellung bewohne und mich darin bewege, werden die Bilder und Gegenstände auf seinen Flächen durch meine Bewegung zum Leben erweckt. Vielleicht klingt das kitschig, aber ich fühle mich nicht mehr nur als jemand, der zu Kunstausstellungen geht, um Kunst anzuschauen. Jetzt erkenne ich, dass jeder Raum, der Kunst zeigt, wie eines dieser Kostüme ist, die Jeffrey Gibson macht. Er erwartet uns, erwartet unseren Atem und unsere Körper, damit wir ihn füllen, beleben, zum Leben erwecken und einander mehr Bedeutung schenken, als wir je allein hätten haben können.

Jeffrey Gibson - Another Tongue, 2016, 18 × 11 1/2 × 13 Zoll, 45,7 × 29,2 × 33 cm (links) und I Should Know Better, 2016, 18 1/2 × 15 × 14 Zoll, 47 × 38,1 × 35,6 cm (rechts), Foto: Roberts & Tilton, Culver City

Titelbild: Jeffrey Gibson - Infinite Sampling, 2010, Bleistift, Aquarell, Acrylfarbe, Klebeband, Faden, archivierte Pigmentdrucke, 58 5/8 × 96 3/8 × 2 3/4 Zoll, 148,9 × 244,8 × 7 cm

Alle Bilder dienen nur zur Veranschaulichung

Von Phillip Barcio