Zeitgenössische Tradition schaffen - Jeffrey Gibson

Ich hatte kürzlich eine seltene Erfahrung, während ich die Arbeiten von Jeffrey Gibson betrachtete. Etwas an den Arbeiten öffnete mir eine Tür. Es machte mich mit einer größeren und interessanteren Beziehung zum physischen Raum vertraut. Sehen Sie, ich besuche viele Kunstausstellungen. Und ich habe tendenziell die gleiche allgemeine Art von Beziehung zu jeder Ausstellung, die ich besuche. Sie können wahrscheinlich erraten, um welche Art von Beziehung es sich handelt, basierend darauf, wie ich gerade darüber spreche. Sie ist definiert durch die Tatsache, dass ich mich von der Kunst und dem Raum, den sie bewohnt, getrennt fühle. Ich sehe mich selbst, die Kunst, die Ausstellung und den Raum als vier separate Dinge, ohne inhärente Verbindung. Ich gehe in einen Raum, in dem Kunst ausgestellt ist, ich schaue mir die Kunst an, ich denke darüber nach, was ich sehe, und später, mit der Zeit, kann es sein, dass das Werk in verschiedener Weise mit mir resoniert oder auch nicht. Natürlich gab es einige Fälle, in denen das Werk mich nicht dazu gebracht hat, es auf diese Weise zu sehen, wie zum Beispiel ein James Turrell Skyspace, in dem der Raum die Kunst ist. Aber größtenteils sehe ich Kunstausstellungen fast immer nur als Gelegenheiten, irgendwo hinzugehen und mir etwas anzusehen. Was jedoch mit den Arbeiten von James Gibson geschah, ist, dass sie eine andere Art von Beziehung aus mir herauskitzelten. Sie war nicht bereit, die Einschränkung zu akzeptieren, nur Dinge in einem Raum zu sein, die betrachtet und durchdacht werden. Durch die Kraft ihrer Präsenz ließ sie mich wissen, dass ich das Gesamtbild nicht sah. Sie ließ mich erkennen, dass Kunst nicht nur Raum einnimmt: Raum und Kunst bewohnen einander. Und wenn eine Person in diese Beziehung eintritt, geschieht ein Ereignis, in dem alle drei – die Kunst, der Raum und die Person – gleichwertige Mitwirkende werden. Ich spreche nicht von etwas Spirituellem oder Metaphysischem. Ich sage, dass auf die gleiche Weise, wie eine Person, die eine Militäruniform anzieht, "zu" einem Soldaten "wird", oder eine Person, die ein Gewand anzieht, "zu" einem Minister "wird", wenn ein Raum eine Kunstausstellung "anzieht", "wird" er zu etwas Neuem, zu etwas mehr. Und wenn wir in eine Beziehung mit diesem neuen Ding – dieser Kombination aus Kunst und Raum – eintreten, bewohnen wir es auf die gleiche Weise, wie ein Priester ein Gewand bewohnt oder ein Soldat eine Uniform bewohnt. Wir hauchen ihm Leben ein. Wir geben ihm Kraft und seine Privilegien. Es ist mehr, als es sonst gewesen wäre, wegen unserer Präsenz. Und es liegt an uns, zu demonstrieren, was es bedeutet.

Powwows und Raves

Jeffrey Gibson wurde 1972 in Colorado geboren. Sein familiäres Erbe ist amerikanisch-indianisch, teilweise Cherokee und teilweise Choctaw. Aufgrund des Berufs seines Vaters reiste Gibson als junger Mann und lebte zu verschiedenen Zeiten in Südkorea, Deutschland, England und an verschiedenen Orten in den Vereinigten Staaten. Die Mischung aus kulturellen Einflüssen war für ihn manchmal erhellend und manchmal frustrierend. Ein herausragendes Beispiel ist seine Liebe zur Musik und zum Tanzen. Als junger Mann wurde er in die amerikanisch-indianische Tradition des Powwow eingeführt, einer sozialen Zusammenkunft, bei der Musik gespielt wird und lebendige Kostüme von Tänzern zum Leben erweckt werden. Und als Teenager in Asien und Europa konnte er diesen Geist in seinem Leben umsetzen, indem er mit seinen Freunden in Clubs ging, um Musik zu hören und zu tanzen. Aber als er mit 16 Jahren in die Vereinigten Staaten zurückkam, wurde er in eine Kultur geworfen, in der er zu jung war, um in Bars und Clubs zu gehen. Es war eine subtile, aber allgegenwärtige kulturelle Eigenart. Er fühlte sich zur Musik und zum Tanz hingezogen, hatte aber wenig Möglichkeiten, dieses Gefühl auf sozial akzeptable Weise auszudrücken.

Eine Möglichkeit, die er fand, war die Underground-Rave-Szene, die er in vielerlei Hinsicht als den gleichen Geist wie das Powwow empfand: Es war sozial, es war um Musik herum aufgebaut, und die Szene ermutigte Einzelpersonen, ihre Persönlichkeit durch Schmuck und Kostüme auszudrücken und durch Tanz Aufmerksamkeit auf sich zu ziehen. Nach dem Abschluss der High School erwarb er 1995 seinen BFA am Art Institute of Chicago. Dann, nachdem er die Zulassung zum Master of Fine Art-Programm am Royal College of Art in London erhalten hatte, erfuhr er von seinem Chief, dass der Mississippi Band of Choctaw Indians bereit war, sein Studium zu finanzieren. Gibson sagte in einem Interview mit ARTnews im Jahr 2007: „Mein Chief war der Meinung, dass ich, als starker Künstler dorthin zu gehen, ihn stärker machte.“ Die Arbeiten, die Gibson seit dem Erwerb seines MFA im Jahr 1998 und seiner Rückkehr in die Vereinigten Staaten schafft, sind von dieser umfangreichen und vielfältigen Palette kultureller Erfahrungen geprägt, die seine Kindheit prägten, insbesondere von einem Gefühl seiner vielen Gemeinschaften und einer Anziehung zur Tradition von Powwows und Raves: Räume, die zum Leben erwachen, wenn sie von Menschen und Kunst bewohnt werden.

Jeffrey Gibson - Here it Comes, 2014, Mixed Media, Foto Credit Scott McCrossen/ FIVE65 Design

Allgemeine Vorstellungen bekämpfen

Die Arbeiten von Gibson integrieren viele Medien und Formen, vermitteln jedoch eine einheitliche ästhetische Sprache. Diese Sprache wird von lebendigen, reinen Farben, harten geometrischen Formen und optischen Mustern dominiert. Die Bilder rufen sofort sowohl modernistische Abstraktion als auch ästhetische Elemente der amerikanischen Ureinwohner in Erinnerung. Was an dieser Kombination so effektiv ist, ist, dass sie sofort eröffnet, was beide ästhetischen Positionen potenziell bieten können. Modernistische abstrakte Kunst nutzt Formen und Muster auf eine selbstreferenzielle Weise, indem sie Dreiecke Dreiecke nennt und nichts weiter, und die Betrachter auffordert, Farbbeziehungen nach ihrem eigenen Wert zu genießen, ohne nach einer Art kodierter, zugrunde liegender Bedeutung zu suchen. Aber die Tradition der amerikanischen Ureinwohner ist von Natur aus kodiert. Ein Dreieck ist niemals nur ein Dreieck. Es symbolisiert etwas: vielleicht etwas Persönliches, vielleicht etwas Kulturelles, vielleicht etwas Poetisches. Aber unabhängig davon hat es für jemanden eine Bedeutung. Aufgrund der dualen Traditionen, aus denen diese Stücke hervorgehen, sind wir frei, sie offen zu interpretieren und unsere eigenen Traditionen, Codes und Erwartungen in die Mischung einzubringen.

Eines der ikonischsten Werke, die Gibson bisher geschaffen hat, ist eine Serie von Boxsäcken, die mit buntem Perlenhandwerk verziert sind. Er begegnete Boxsäcken zum ersten Mal, als sein Therapeut ihm vorschlug, einen Personal Trainer zu engagieren, um ihm bei der Wut zu helfen, die er als junger Künstler fühlte, der versuchte, seine Stimme und seinen Weg in der zeitgenössischen Kunstwelt zu finden. Die Form des Sacks ist selbst symbolisch. Sie impliziert Widerstand, Isolation und den Transfer von Energie. Boxsäcke bewegen sich und schwanken. Sie geben dem Druck nach, kehren aber immer wieder in ihre ursprüngliche Position zurück. Sie sind gleichzeitig weich und hart. Gibson schafft Bilder auf ihnen mit Mitteln wie Perlen und fließenden Textilien, die das vorgefasste Verständnis der zeitgenössischen Menschen von der indianischen Kunst ansprechen. Manchmal fügt er auch Text in die Kompositionen ein, um eine tiefere Kontemplation über die Bilder und die Form einzuladen. Die Boxsäcke sind mit der visuellen Sprache der Kunstgeschichte sowie der kodierten Sprache kultureller Erzählungen und der materiellen Sprache der Verallgemeinerung bedeckt. Sie sprechen von dem Kampf, den wir alle erleben, während wir versuchen herauszufinden, was wir werden wollen.

Jeffrey Gibson - Stillwater, 2017, Acryl und Graphit auf Leinwand, 31 × 27 in, 78,7 × 68,6 cm (Links) und Village, 2017, Acryl und Graphit auf Leinwand, 31 × 27 in, 78,7 × 68,6 cm (Rechts), Foto Credits De Buck Gallery

Bewohnende Formen

Was mich am direktesten beeinflusst, wenn ich an die Arbeiten von Jeffrey Gibson denke, sind seine Kostüme. Er kreiert fließende, bunte, aufwendige Kostüme und platziert sie auf Holzstrukturen. Ich stelle mir sofort vor, eines anzuziehen. Ich denke darüber nach, wie das Kostüm mich verwandeln würde, wenn ich es tragen würde. Dann denke ich darüber nach, wie ich es verwandeln würde. Zusammen würden wir etwas Ausdrucksvolleres werden, als wir es allein sind. Die Formen, Farben und Muster des Kostüms würden eine neue Bedeutung annehmen, wenn sie mit den Bewegungen meines Körpers kombiniert werden. Das Kunstobjekt und ich würden verschmelzen, um eine lebendige Form der Kommunikation zu werden.

Etwas an der Art und Weise, wie diese Kostüme das Zusammenfließen von Kunst, Raum und dem menschlichen Körper veranschaulichen, hat mir neue Einsichten gegeben – nicht nur in diese Kunstwerke, sondern in alle Kunstwerke. Der Ausstellungsraum ist ein Träger von Bildern und Objekten, genau wie diese Kostüme. Ich trete ein, als würde ich ein Kostüm über meinen Körper ziehen. Während ich den Ausstellungsraum bewohne und mich darin bewege, werden die Bilder und Objekte auf seinen Oberflächen durch meine Bewegung zum Leben erweckt. Vielleicht klingt es kitschig, aber ich fühle mich nicht mehr wie ein Typ, der zu Kunstausstellungen geht, um Kunst zu betrachten. Jetzt wird mir klar, dass jeder Raum, der Kunst zeigt, wie eines dieser Kostüme ist, die Jeffrey Gibson macht. Er wartet auf uns, wartet auf unseren Atem und unsere Körper, damit wir ihn füllen, beleben, zum Leben erwecken und uns gegenseitig mehr Bedeutung verleihen, als wir je allein gehabt hätten.

Jeffrey Gibson - Another Tongue, 2016 18 × 11 1/2 × 13 in, 45.7 × 29.2 × 33 cm (Links) und I Should Know Better, 2016, 18 1/2 × 15 × 14 in, 47 × 38.1 × 35.6 cm (Rechts), Foto Credits Roberts & Tilton, Culver City

Vorgestelltes Bild: Jeffrey Gibson -Unendliche Probenahme, 2010, Bleistift, Aquarell, Acrylfarbe, Klebeband, Faden, Archivpigmentdrucke, 58 5/8 × 96 3/8 × 2 3/4 Zoll, 148,9 × 244,8 × 7 cm

Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken.

Von Phillip Barcio