Zeitgenössische Tradition schaffen - Jeffrey Gibson

Vor Kurzem hatte ich beim Betrachten der Arbeiten von Jeffrey Gibson ein seltenes Erlebnis. Etwas an den Arbeiten öffnete für mich eine Tür. Sie machten mich mit einer größeren und interessanteren Beziehung zum physischen Raum vertraut. Wissen Sie, ich besuche viele Kunstausstellungen. Und normalerweise entwickle ich zu jeder Ausstellung, die ich besuche, dieselbe allgemeine Art von Beziehung. Sie können wahrscheinlich erraten, um welche Art von Beziehung es sich handelt, wenn Sie hören, wie ich gerade darüber spreche. Sie wird dadurch bestimmt, dass ich mich von der Kunst und dem Raum, in dem sie sich befindet, getrennt fühle. Ich sehe mich selbst, die Kunst, die Ausstellung und den Raum als vier voneinander getrennte Dinge ohne inhärente Verbindung. Ich gehe in einen Raum, in dem Kunst ausgestellt ist, betrachte die Kunst, denke darüber nach, was ich sehe, und später, im Laufe der Zeit, spricht mich die Arbeit vielleicht auf unterschiedliche Weise an - oder auch nicht. Natürlich gab es einige Fälle, in denen die Arbeit dazu geführt hat, dass ich sie nicht auf diese Weise wahrgenommen habe, etwa ein Skyspace von James Turrell, in dem der Raum die Kunst ist. Doch meistens sehe ich Kunstausstellungen fast immer einfach als Gelegenheiten, irgendwohin zu gehen und etwas anzuschauen. Was bei der Arbeit von James Gibson geschah, war jedoch, dass sie mir eine andere Art von Beziehung entlockte. Sie war nicht bereit, sich auf die Einschränkung zu beschränken, einfach etwas in einem Raum zu sein, das betrachtet und über das nachgedacht wird. Durch die Kraft ihrer Präsenz ließ sie mich wissen, dass ich nicht das gesamte Bild sah. Sie ließ mich erkennen, dass Kunst nicht nur Raum einnimmt: Raum und Kunst bewohnen einander. Und wenn ein Mensch in diese Beziehung eintritt, ereignet sich ein Vorgang, bei dem alle drei - die Kunst, der Raum und der Mensch - zu gleichberechtigten Mitwirkenden werden. Ich spreche von nichts Spirituellem oder Metaphysischem. Ich sage, dass ein Raum, wenn er eine Kunstausstellung anlegt, auf dieselbe Weise wie ein Mensch, der eine Militäruniform anzieht, ein Soldat „wird“, oder ein Mensch, der ein liturgisches Gewand anzieht, ein Geistlicher „wird“, etwas Neues, etwas Mehr wird. Und wenn wir eine Beziehung zu diesem neuen Ding eingehen - dieser Verbindung aus Kunst und Raum -, bewohnen wir es auf dieselbe Weise, wie ein Priester ein liturgisches Gewand oder ein Soldat eine Uniform bewohnt. Wir hauchen ihm Leben ein. Wir verleihen ihm Kraft und seine Privilegien. Durch unsere Anwesenheit ist es mehr, als es sonst gewesen wäre. Und es liegt an uns zu zeigen, was das bedeutet.

Powwows und Raves

Jeffrey Gibson wurde 1972 in Colorado geboren. Seine familiären Wurzeln sind indigener amerikanischer Herkunft, teils Cherokee und teils Choctaw. Aufgrund der beruflichen Tätigkeit seines Vaters reiste Gibson als junger Mann viel und lebte zu verschiedenen Zeiten in Südkorea, Deutschland, England und an unterschiedlichen Orten in den Vereinigten Staaten. Die Mischung kultureller Einflüsse war für ihn mitunter erhellend, zu anderen Zeiten jedoch frustrierend. Ein wichtiges Beispiel dafür ist seine Liebe zu Musik und Tanz. Als junger Mann wurde er in die indigene amerikanische Tradition des Powwows eingeführt, einer gesellschaftlichen Zusammenkunft, bei der Musik gespielt wird und farbenprächtige Kostüme durch Tänzer zum Leben erweckt werden. Und als Teenager in Asien und Europa konnte er denselben Geist in sein Leben einbringen, indem er mit seinen Freunden in Clubs ging, um Musik zu hören und zu tanzen. Als er jedoch im Alter von 16 Jahren in die Vereinigten Staaten zurückkehrte, wurde er in eine Kultur versetzt, in der er noch zu jung war, um Bars und Clubs zu besuchen. Es war eine subtile, aber allgegenwärtige kulturelle Merkwürdigkeit. Er fühlte sich zu Musik und Tanz hingezogen, hatte aber kaum eine Möglichkeit, dieses Gefühl auf gesellschaftlich akzeptierte Weise auszudrücken.

Eine Ausdrucksmöglichkeit fand er in der Underground-Rave-Szene, die seiner Ansicht nach in vielerlei Hinsicht denselben Geist wie das Powwow hatte: Sie war gesellig, um Musik herum aufgebaut, und die Szene ermutigte Einzelne, ihre Persönlichkeit durch Schmuck und Kostüme zum Ausdruck zu bringen und durch Tanz Aufmerksamkeit auf sich zu ziehen. Nach seinem Highschool-Abschluss erwarb er 1995 seinen BFA am Art Institute of Chicago. Nachdem er anschließend zum Master-of-Fine-Arts-Programm am Royal College of Art in London zugelassen worden war, erfuhr er von seinem Chief, dass die Mississippi Band of Choctaw Indians bereit war, seine Studiengebühren zu übernehmen. Gibson sagte 2007 in einem Interview mit ARTnews: „Mein Chief fand, dass es ihn stärker machte, wenn ich dorthin ging und ein starker Künstler war.“ Die Arbeiten, die Gibson seit dem Erwerb seines MFA im Jahr 1998 und seiner Rückkehr in die Vereinigten Staaten schafft, sind geprägt von der großen und vielfältigen Bandbreite kultureller Erfahrungen, die seine Jugend ausfüllten, insbesondere von einem Bewusstsein für seine vielen Gemeinschaften und einer Faszination für das Erbe von Powwows und Raves: Räume, die zum Leben erwachen, wenn Menschen und Kunst sie bewohnen.

Jeffrey Gibson - Here it Comes, 2014, Mischtechnik, Foto: Scott McCrossen/ FIVE65 Design

Gegen Verallgemeinerungen

Die Arbeiten, die Gibson schafft, umfassen viele Medien und Formen, vermitteln jedoch eine einheitliche ästhetische Sprache. Diese Sprache wird von leuchtenden, reinen Farben, scharfkantigen geometrischen Formen und optischen Mustern dominiert. Die Bildsprache erinnert unmittelbar sowohl an die modernistische Abstraktion als auch an indigene amerikanische Ästhetik. Das Wirksame an dieser Kombination ist, dass sie unmittelbar eröffnet, was beide ästhetischen Positionen potenziell bieten können. Modernistische abstrakte Kunst verwendet Formen und Muster auf selbstreferenzielle Weise, nennt Dreiecke Dreiecke und nichts weiter und fordert die Betrachter auf, Farbverhältnisse um ihrer selbst willen zu genießen, ohne nach einer codierten, tiefer liegenden Bedeutung zu suchen. Die indigene amerikanische Tradition ist jedoch von Grund auf codiert. Ein Dreieck ist niemals nur ein Dreieck. Es symbolisiert etwas: vielleicht etwas Persönliches, vielleicht etwas Kulturelles, vielleicht etwas Poetisches. Doch unabhängig davon hat es für jemanden eine Bedeutung. Aufgrund der beiden Traditionen, aus denen diese Arbeiten hervorgehen, steht es uns frei, sie offen zu interpretieren und unsere eigenen Traditionen, Codes und Erwartungen in die Mischung einzubringen.

Eine der ikonischsten Werkgruppen, die Gibson bisher geschaffen hat, ist eine Serie von Boxsäcken, die mit farbenfrohen Perlenarbeiten verziert sind. Zum ersten Mal begegnete er Boxsäcken, als sein Therapeut ihm vorschlug, einen Personal Trainer zu engagieren, der ihm mit der Wut helfen sollte, die er als junger Künstler empfand, der versuchte, seine Stimme und seinen Weg in der zeitgenössischen Kunstwelt zu finden. Die Form des Sacks ist selbst symbolisch. Sie deutet auf Widerstand, Isolation und die Übertragung von Energie hin. Boxsäcke bewegen und wiegen sich. Sie geben unter Druck nach, kehren aber auch immer in ihre ursprüngliche Position zurück. Sie sind zugleich weich und hart. Gibson erzeugt auf ihnen mit Medien wie Perlen und herabhängenden Textilien Bilder, die an das vorgefasste Verständnis erinnern, das zeitgenössische Menschen von indigener amerikanischer Kunst haben. Mitunter fügt er den Kompositionen auch Text hinzu und lädt so zu einer vertieften Betrachtung von Bildsprache und Form ein. Die Boxsäcke sind mit der visuellen Sprache der Kunstgeschichte ebenso bedeckt wie mit der codierten Sprache kultureller Erzählungen und der materiellen Sprache von Verallgemeinerungen. Sie sprechen von dem Kampf, den wir alle erleben, wenn wir herauszufinden versuchen, was aus uns werden soll.

Jeffrey Gibson - Stillwater, 2017, Acryl und Graphit auf Leinwand, 31 × 27 Zoll, 78,7 × 68,6 cm (links) und Village, 2017, Acryl und Graphit auf Leinwand, 31 × 27 Zoll, 78,7 × 68,6 cm (rechts), Fotos: De Buck Gallery

Formen bewohnen

Was mich bei der Betrachtung der Arbeiten von Jeffrey Gibson am unmittelbarsten beeinflusst, sind seine Kostüme. Er schafft fließende, farbenfrohe, aufwendige Kostüme und platziert sie auf Holzstrukturen. Ich stelle mir sofort vor, eines davon anzuziehen. Ich denke darüber nach, wie das Kostüm mich verändern würde, wenn ich es trüge. Dann denke ich darüber nach, wie ich es verändern würde. Zusammen würden wir zu etwas Ausdrucksstärkerem werden, als wir es jeweils allein sind. Die Formen, Farben und Muster des Kostüms würden in Verbindung mit den Bewegungen meines Körpers eine neue Bedeutung annehmen. Das Kunstobjekt und ich würden zu einer lebendigen Form der Kommunikation verschmelzen.

Etwas an der Art und Weise, wie diese Kostüme die Verschmelzung von Kunst, Raum und menschlichem Körper veranschaulichen, hat mir neue Einsichten gegeben - nicht nur in diese Kunstwerke, sondern in alle Kunstwerke. Der Ausstellungsraum ist ein Träger von Bildern und Objekten, genau wie diese Kostüme. Ich betrete ihn, so wie ich ein Kostüm über meinen Körper ziehe. Während ich die Ausstellung bewohne und mich in ihr bewege, werden die Bilder und Objekte auf ihren Oberflächen durch meine Bewegung zum Leben erweckt. Vielleicht klingt das kitschig, aber ich fühle mich nicht länger wie jemand, der einfach zu Kunstausstellungen geht, um Kunst anzusehen. Jetzt erkenne ich, dass jeder Raum, in dem Kunst gezeigt wird, einem dieser Kostüme gleicht, die Jeffrey Gibson schafft. Er wartet auf uns, auf unseren Atem und unsere Körper, damit wir ihn füllen, beleben, zum Leben erwecken und einander mehr Bedeutung verleihen können, als einer von uns allein je hätte haben können.

Jeffrey Gibson - Another Tongue, 2016, 18 × 11 1/2 × 13 Zoll, 45,7 × 29,2 × 33 cm (links) und I Should Know Better, 2016, 18 1/2 × 15 × 14 Zoll, 47 × 38,1 × 35,6 cm (rechts), Fotos: Roberts & Tilton, Culver City

Titelbild: Jeffrey Gibson -Infinite Sampling, 2010, Bleistift, Aquarell, Acrylfarbe, Klebeband, Faden, archivfeste Pigmentdrucke, 58 5/8 × 96 3/8 × 2 3/4 Zoll, 148,9 × 244,8 × 7 cm

Alle Bilder dienen ausschließlich illustrativen Zwecken

Von Phillip Barcio 2017

Bearbeitet von IdeelArt (2026)