Licht trifft auf Chemikalien in Mariah Robertsons Fotografie

Das Werk von Mariah Robertson wurde als aufregend, extrem, ja sogar explosiv beschrieben. Ein Blick auf ihre großformatigen Installationen aus Fotopapierrollen genügt, um zu verstehen, warum. Das Werk ist unbestreitbar. Seine Farben sind fantastisch lebendig, die Kompositionen unbegreiflich komplex, und seine physische Präsenz einladend und frisch. Robertson arbeitet mit fotografischen Medien – Fotopapier, Chemikalien und Licht – doch sie benutzt keine Kamera mehr. Sie schafft Kompositionen auf Fotopapier, indem sie es zunächst strategisch dem Licht aussetzt, um kontrollierte Muster und Formen zu erzeugen, und dann verschiedene chemische Mischungen auf die Oberfläche spritzt, tropfen lässt und wirft, sodass kontrolliertes Chaos das belichtete Bild auf unvorhersehbare Weise verwandelt. Ihre Techniken und die daraus entstehenden Bilder rufen die Meister hervor: Helen Frankenthaler, Jackson Pollock, Man Ray. Doch ihre Sichtweise ist eigenwillig und frisch. Ich habe das Werk mehrmals mit Freude gesehen, nie absichtlich, sondern immer zufällig darauf gestoßen. Ein Wort fasst jedes Mal mein Gefühl zusammen: großzügig. Es gab mir mehr zu sehen, als ich Zeit hatte aufzunehmen. Es ließ mich wünschen, länger bleiben zu können. Es ließ mich darauf freuen, es ein weiteres Mal zu sehen. Ich kann mir kein besseres Gefühl vorstellen, das man vom Tun im Leben empfangen kann, als die Hoffnung, es eines Tages wieder tun zu dürfen.

Dies sind keine Drucke

Die frühesten Werke, die ich von Mariah Robertson sah, waren C-Prints. Sie waren größtenteils gegenständlich: Fotogramme mit geschichteten Mustern und spektralen Bildern von Blumen, Innenräumen und nackten menschlichen Formen. Die Kompositionen waren präzise und selbstbewusst, die Bildsprache zeitgenössisch und kühn. Ich fühlte mich unweigerlich in das Werk hineingezogen. Es rührte mich. Es war meisterhaft. Doch aus irgendeinem Grund wirkte es nicht kostbar. Das ist die merkwürdige Beziehung, die ich zu manchen gedruckten Kunstwerken habe. So sehr ich sie auch liebe, weiß ich, dass sie eines von vielen sind. Sie können, und höchstwahrscheinlich wurden sie, in mehrfacher Ausführung hergestellt, die alle gleich sind. Dieses Gefühl habe ich nicht bei Gemälden oder anderen Kunstwerken, die nicht exakt reproduziert werden können. Und es ist eine Vorstellung, die ich über Andy Warhol-Drucke gehört habe: die Idee, dass sein handgemachter Prozess tatsächlich kleine Variationen hervorbrachte, und in diesen Variationen die Einzigartigkeit und damit die Kostbarkeit jedes Werkes zu finden ist.

Mariah Robertson – Installationsansicht im Baltic Centre for Contemporary Art, Großbritannien, 2011

Doch im Laufe der Zeit hatte Robertson eine Offenbarung. Nachdem sie auf einen Vorrat belichteten Fotopapiers gestoßen war, beschloss sie, es nicht wegzuwerfen, sondern damit zu experimentieren. Sie benutzte es wie eine Malfläche, aber statt Farbe verwendete sie Mischungen aus Entwicklerlösungen (Metol, Phenidon, Borax, Natronlauge, Natriumsulfit usw.), Fixierer (Natrium- oder Ammoniumthiosulfat) und Wasser. Diese Chemikalien sind in jedem Fotolabor üblich. Doch anstatt die Mischungen in normalen Verhältnissen zu halten, die vorhersehbare Ergebnisse liefern, stellte Robertson giftige Cocktails her, die unbekannte ästhetische Wirkungen auf das Fotopapier hatten. Sie erhitzte die Chemikalien, kühlte sie ab und rührte sie um, um zu entdecken, welche neuen Variationen in Bezug auf Farbe, Viskosität und Wechselwirkung mit vorherigen Schichten entstehen. Um sich vor möglichen Nebenwirkungen ihrer Experimente zu schützen, trug sie einen kompletten Schutzanzug und ließ ihrer Fantasie freien Lauf. Die Ergebnisse sind visuell beeindruckend und kreativ inspirierend. Am besten ist, dass jedes Werk, das sie auf diese Weise schafft, einzigartig ist.

Mariah Robertson – Chaos Power Center, 11R, New York, 2017, Installationsansicht

Im Gleichgewicht schweben

Videos, die Robertson bei der Arbeit zeigen, zeigen jemanden, der ekstatisch zwischen mehreren Welten schwebt. Sie verkörpert eine kindliche Spielfreude, spritzt tödliche Chemikalien sorglos auf Papier, das über eine Wanne gespannt ist. Gleichzeitig hat sie eindeutig einen Plan: Das Studio ist eine absichtlich konstruierte Ein-Personen-Fabrik, die sie eigens für diesen Zweck erfunden hat. Sie strahlt die Intensität einer abstrakten Expressionistin aus: eine Künstlerin, die nach dem großen ultimativen Ausdruck des Urtriebs strebt, dem uralten Gebot, den Geist sichtbar zu machen. Gleichzeitig ist sie präzise: Sie klebt geometrische Muster und Formen ab, kanalisiert Bridget Riley, Agnes Martin, Josef Albers und viele andere, die mit ruhiger Genauigkeit arbeiteten. Der Balanceakt, der in ihrem Prozess am deutlichsten wird, ist der zwischen Hoffnung und Furcht. Sie hat eine Vision und eilt ihr entgegen, ohne zu wissen, wann sie aufhören soll oder ob sie schon zu weit gegangen ist. Die Hoffnung ist, dass sie den Moment spürt, in dem sie Erfolg hat, und intuitiv, klug stoppt. Die Furcht ist, dass Chaos, Unfälle, Fehleinschätzungen oder Fehler ein mögliches Meisterwerk in Schlamm verwandeln.

Mariah Robertson – Permanent Puberty, American Contemporary, New York, 2013, Installationsansicht

Ein besonders eindrucksvoller Ausdruck dieses Gleichgewichts zeigt sich in den monumentalen Rollen, die Robertson schafft. Diese Werke entstanden, als sie feststellte, dass niemand mehr vorgestanzte Bögen des Fotopapiers herstellte, das sie verwenden wollte. Sie konnte nur große Rollen bestellen, die von Hand zugeschnitten werden mussten. Doch dann kam ihr der Gedanke: Warum zuschneiden? Warum nicht die ganze Rolle als Fläche für einen großformatigen Ausdruck ihrer Idee verwenden? Seitdem hat sie zahlreiche Rollen geschaffen. In jeder von ihnen tanzt das ganze Spektrum von Erfolg und Misserfolg, Planung und Chaos, Arbeit und Spiel, Hoffnung und Furcht. Stellen Sie sich den Stress bei ihrer Entstehung vor: das Gefühl des Perfektionsrausches, wenn ein Abschnitt fertig ist, nur um dann die vernichtende Enttäuschung eines unerwarteten chemischen Unglücks im nächsten zu erleben. Doch das Werk kann nicht rückgängig gemacht werden. Es muss sowohl die Höhen als auch die Tiefen besitzen. Diese Tatsache zu akzeptieren öffnet Robertson für die Möglichkeit der Überraschung. Und für die Betrachter lädt es uns ein, die Realität anzuerkennen, dass jeder von uns Schönheit, Hoffnung, Furcht, Arbeit, Spiel, Erfolg und Misserfolg auf seine eigene Weise wahrnimmt. Wie Robertson sagt, ist das Werk eine Erinnerung daran, dass „alle deine Versuche, das Leben zu kontrollieren, scheitern werden. Also solltest du das loslassen, damit du tatsächlich sehen kannst, was passiert.“

Mariah Robertson – Solo-Präsentation, Paris Photo Los Angeles, 2014, Installationsansicht

Titelbild:Mariah Robertson-Solo-Präsentation, FIAC'S (OFF)ICIELLE, Paris, 2015, Installationsansicht

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Von Phillip Barcio