Licht trifft auf Chemikalien in Mariah Robertsons Fotografie

Die Arbeiten von Mariah Robertson wurden als aufregend, extrem, sogar explosiv beschrieben. Ein Blick auf ihre großflächigen Installationen mit Fotopapierrollen und Sie werden verstehen, warum. Die Arbeiten sind unbestreitbar. Ihre Farben sind fantastischen lebendig, ihre Kompositionen sind unbegreiflich komplex und ihre physische Präsenz ist einladend und frisch. Robertson arbeitet mit fotografischen Medien – Fotopapier, Chemikalien und Licht – aber sie verwendet keine Kamera mehr. Sie erstellt Kompositionen auf Fotopapier, indem sie es zunächst strategisch dem Licht aussetzt, um kontrollierte Muster und Formen zu erzeugen, und dann indem sie verschiedene chemische Cocktails über die Oberfläche spritzt, tropft und schleudert, wobei kontrolliertes Chaos das belichtete Bild auf unvorhersehbare Weise transformiert. Ihre Techniken und die Bilder, die daraus entstehen, rufen die Meister hervor: Helen Frankenthaler, Jackson Pollock, Man Ray. Aber ihre Vision ist eigenwillig und frisch. Ich habe die Arbeiten ein paar Mal gesehen, nie absichtlich, immer zufällig. Ein Wort fasst zusammen, wie ich mich jedes Mal fühlte: großzügig. Sie boten mir mehr zum Anschauen, als ich Zeit hatte, um es aufzunehmen. Es ließ mich wünschen, ich könnte länger bleiben. Es ließ mich darauf freuen, es ein weiteres Mal zu sehen. Ich kann mir kein besseres Gefühl vorstellen, das man aus irgendetwas im Leben empfangen kann, als die Hoffnung, eines Tages das wieder tun zu können.

Das sind keine Drucke

Die frühesten Werke, die ich von Mariah Robertson sah, waren C-Prints. Sie waren größtenteils figürlich: Fotogramme mit geschichteten Mustern und spektralen Bildern von Blumen, Innenräumen und nackten menschlichen Formen. Die Kompositionen waren präzise und selbstbewusst, und die Bildsprache zeitgenössisch und kühn. Ich konnte nicht anders, als mich von der Arbeit angezogen zu fühlen. Sie ließ mich etwas fühlen. Es war meisterhaft. Aber aus irgendeinem Grund fühlte es sich nicht kostbar an. Das ist die seltsame Beziehung, die ich zu einigen gedruckten Kunstwerken habe. Egal wie sehr ich sie liebe, ich weiß, dass sie eines von vielen sind. Sie können, und mit großer Wahrscheinlichkeit wurden sie, in mehreren Exemplaren angefertigt, die alle gleich sind. Dieses Gefühl habe ich nicht bei Gemälden oder anderen Kunstwerken, die nicht präzise reproduziert werden können. Und es ist eine Idee, die ich über Andy Warhol-Drucke gehört habe: die Idee, dass sein handgefertigter Prozess zu kleinen Variationen führte, und in diesen Variationen die Einzigartigkeit und damit die Kostbarkeit jedes Werkes gefunden werden kann.

Mariah Robertson - Installationsansicht im Baltic Centre for Contemporary Art, UK, 2011

Aber auf dem Weg hatte Robertson eine Offenbarung. Nachdem sie auf einen Vorrat an belichtetem Fotopapier gestoßen war, beschloss sie, es nicht wegzuwerfen, sondern damit zu experimentieren. Sie verwendete es wie eine Oberfläche zum Malen, aber anstelle von Farbe benutzte sie Mischungen aus Entwicklerlösungen (Metol, Phenidon, Borax, Natriumhydroxid, Natriumsulfid usw.), Fixierer (Natrium- oder Ammoniumthiosulfat) und Wasser. Dies sind gängige Chemikalien, die in jedem Dunkelraum zu finden sind. Aber anstatt die Mischungen in normalen Verhältnissen zu halten, die vorhersehbare Ergebnisse liefern, kreierte Robertson toxische Cocktails, die unbekannte ästhetische Effekte auf das Fotopapier haben würden. Sie erhitzte die Chemikalien, kühlte sie ab und agitierte sie, wobei sie entdeckte, was jede neue Variation in Bezug auf Farbe, Viskosität und Wechselwirkung mit vorherigen Schichten hervorbrachte. Um sich vor den potenziellen Nebenwirkungen ihrer Experimente zu schützen, trug sie einen vollständigen Hazmat-Anzug und ließ ihrer Fantasie freien Lauf. Die Ergebnisse sind visuell atemberaubend und kreativ inspirierend. Am besten ist, dass jedes Werk, das sie auf diese Weise schafft, einzigartig ist.

Mariah Robertson - Chaos Power Center, 11R, New York, 2017, Installationsansicht

Hängend in der Balance

Videos von Robertson zeigen jemanden, der ekstatisch im Gleichgewicht zwischen mehreren Welten schwebt. Sie verkörpert ein kindliches Spielgefühl, spritzt sorglos tödliche Chemikalien auf Papier, das über eine Rinne gehängt ist. Gleichzeitig hat sie eindeutig einen Plan: Die Studioeinrichtung ist eine absichtlich konstruierte Ein-Personen-Fabrik, die sie genial für diesen spezifischen Zweck geschaffen hat. Sie strahlt die Intensität einer Abstrakten Expressionistin aus: eine Künstlerin, die nach dem grandiosen ultimativen Ausdruck des urtümlichen Drangs greift, dem alten Diktat, den Geist visuell zu manifestieren. Gleichzeitig ist sie präzise: Sie klebt geometrische Muster und Formen ab und kanalisiert Bridget Riley, Agnes Martin, Josef Albers und viele andere, die mit ruhiger Genauigkeit arbeiteten. Der Balanceakt, der in ihrem Prozess am deutlichsten wird, ist der zwischen Hoffnung und Angst. Sie hat eine Vision und sie rast darauf zu, ohne zu wissen, wann sie anhalten soll oder ob sie bereits zu weit gegangen ist. Die Hoffnung ist, dass sie den Moment spüren wird, in dem sie erfolgreich war und intuitiv, weise stoppt. Die Angst ist, dass Chaos, Unfälle, Fehlurteile oder Fehler ein potenzielles Meisterwerk in Schlamm verwandeln.

Mariah Robertson - Permanente Pubertät, Amerikanische Gegenwartskunst, New York, 2013, Installationsansicht

Ein besonders eloquenter Ausdruck dieses Gleichgewichts zeigt sich in den monumentalen Rollen, die Robertson schafft. Diese Werke entstanden, als ihr klar wurde, dass niemand mehr vorgeschnittene Blätter der Art Fotopapier produzierte, die sie verwenden wollte. Sie konnte nur große Rollen bestellen, die von Hand zugeschnitten werden mussten. Doch dann kam ihr der Gedanke: Warum schneiden? Warum nicht die gesamte Rolle als Fläche für einen großflächigen Ausdruck ihrer Idee nutzen? Seitdem hat sie zahlreiche Rollen hergestellt. In jeder von ihnen tanzt das gesamte Spektrum von Erfolg und Misserfolg, Planung und Chaos, Arbeit und Spiel, Hoffnung und Angst. Stellen Sie sich den Stress ihrer Entstehung vor: das Gefühl des Nervenkitzels der Perfektion, wenn ein Abschnitt abgeschlossen ist, nur um der erdrückenden Enttäuschung eines unerwarteten chemischen Desasters im nächsten gegenüberzustehen. Aber das Stück kann nicht rückgängig gemacht werden. Es muss sowohl die Höhen als auch die Tiefen besitzen. Diese Tatsache zu akzeptieren öffnet Robertson für die Möglichkeit der Überraschung. Und für die Betrachter lädt es uns ein, die Realität zu erkennen, dass jeder von uns Schönheit, Hoffnung, Angst, Arbeit, Spiel, Erfolg und Misserfolg auf unsere eigene Weise wahrnimmt. Wie Robertson es ausdrückt, ist das Werk eine Erinnerung daran, dass "Alle deine Versuche, das Leben zu kontrollieren, scheitern werden. Also solltest du das loslassen, damit du tatsächlich sehen kannst, was passiert."

Mariah Robertson - Solo-Präsentation, Paris Photo Los Angeles, 2014, Installationsansicht

Vorgestelltes Bild:Mariah Robertson-Solo-Präsentation, FIAC'S (OFF)ICIELLE, Paris, 2015, Installationsansicht

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Von Phillip Barcio