Warum die Kunstkritikerin Rosalind Krauss für die Abstraktion nach wie vor entscheidend ist

Rosalind Krauss gilt bei vielen Künstlern, Kunstpädagogen und Fachleuten der Kunstwelt als die bedeutendste lebende Kunstkritikerin. Und obwohl es unbestreitbar ist, dass sie durch ihre Schriften einige der einflussreichsten Kunsttheorien der letzten fünfzig Jahre verbreitet hat, kann ich beim besten Willen nicht verstehen, warum sie mit dem Wort Kritikerin bezeichnet wird. Nach meinem Verständnis dessen, was sie tut, ist Krauss keine Kritikerin. Sie ist eine Anti-Kritikerin. Sie ist jemand, der tief über Kunst nachdenkt und darüber schreibt, aber nicht festlegt, wie wir anderen sie bewerten sollen. Sie ist eine Kunstschriftstellerin. Sie ist eine Kunstbefürworterin. Sie ist eine Kunstverteidigerin. Aber Kritik? Wer braucht die schon? Künstler brauchen Kritik sicherlich nicht. Das Einzige, was ein Künstler hören muss, ist Lob. Kritik ist für den Markt. Sie ist ein Mittel, um Geschmacksstandards aufrechtzuerhalten. Aber es gibt keine „gute“ oder „schlechte“ Kunst. Das Einzige, was Kunstkritiker wirklich bewirken, ist Streit anzufangen, den Spaß zu verderben und Möglichkeiten einzuschränken. Sie verbreiten unter den Massen subjektive und oft unbelegte Werturteile. Sie beeinflussen die öffentliche Meinung basierend auf der Meinung einer Minderheit von einer Person. Aber was Krauss meines Erachtens ihr Leben lang getan hat, ist genau das Gegenteil. Sie hat die Möglichkeiten der Künstler erweitert. Sie hat den Status quo herausgefordert und über mehr als fünf Jahrzehnte hinweg kontinuierlich die Art und Weise vergrößert, wie Menschen sich befähigt fühlen, Kunst zu betrachten, darüber zu sprechen und zu schreiben. Für mich persönlich hat Krauss durch ihre Schriften gelehrt, dass das Wichtigste, was ich im Dienst eines Kunstwerks tun kann, darin besteht, es zu beschreiben. Sie zeigte mir, dass eine durchdachte, genaue Beschreibung das höchste Lob ist, das ich einem Künstler oder einem Kunstwerk geben kann, weit höher als das Urteil: etwas sei „gut“ oder dass ich etwas „mag“. Geschmack ist subjektiv. Urteil ist manipulierend. Eine genaue Beschreibung zeigt, dass man das Werk genug respektiert hat, um es genau anzuschauen und ehrlich in eine einfache Sprache zu übersetzen, die jeder verstehen kann.

Die junge Rosalind Krauss

Rosalind Krauss wurde 1941 in Washington, D.C. geboren. Ihr Vater war Anwalt im Justizministerium der Vereinigten Staaten. Er nahm Rosalind oft mit in die National Gallery of Art. Dort begann sie, den Wunsch und die Fähigkeit zu entwickeln, intellektuell über den Wert der modernen Kunst zu sprechen. In einem Interview von 2016 mit Dylan Kerr für Artspace erinnerte sich Krauss, dass ihr Vater der modernen Kunst kritisch gegenüberstand. Doch schon als junge Frau fühlte sie sich gedrängt, die Werke zu verteidigen. Sie hatte die Vorstellung, dass sie wichtig sei, und setzte sich regelmäßig für sie bei ihrem Vater ein, während sie das Museum besuchten. „Ich nahm eine gewisse Kampfeslust an“, sagt sie, „denn ich musste meinen Vater davon überzeugen, dass diese modernen Kunstwerke nicht unecht waren, dass sie wirklich bedeutend sind. Das schärfte meinen Wunsch zu erklären.“

1958 schrieb sie sich am Wellesley College ein und begann damit eine lebenslange wissenschaftliche Laufbahn, die der Idee gewidmet ist, die Bedeutung von Kunst zu erklären. Sie studierte Kunstgeschichte und begann ernsthaft zu lesen, was andere Kunstschriftsteller über die vorherrschenden Strömungen der Zeit zu sagen hatten. Es war eine aufregende Zeit für die amerikanische Kunst. Der Abstrakte Expressionismus stand auf dem Höhepunkt seiner Kraft, und Künstler, die ihm entweder ablehnend gegenüberstanden oder von ihm inspiriert waren, bewegten die amerikanische Kunstlandschaft in vielfältige faszinierende Richtungen: Konzeptkunst, Installationskunst, Erdarbeiten und Land Art, Performancekunst, Licht- und Raumkunst sowie Minimalismus, um nur einige zu nennen. Krauss war scharfsinnig und aufmerksam. Obwohl sie Geschichte schnell erfasste, entwickelte sie auch eigene Ideen zu dem, was sie studierte. Dabei sah sie sich einer harten Realität der Zeit gegenüber: der engen Sichtweise, wie es akzeptabel war, über Kunst zu sprechen, und der kleinen Zahl einflussreicher Stimmen, die dies bestimmten.

Rosalind Krauss - Die Originalität der Avantgarde und andere modernistische Mythen (MIT Press), Buchcover

Die Bergs

Die zwei einflussreichsten Kunstkritiker der Mitte des 20. Jahrhunderts waren Harold Rosenberg und Clement Greenberg. Clement Greenberg war verantwortlich für die Karrieren einiger der berühmtesten Künstler der Nachkriegszeit. Er ist am bekanntesten dafür, weiße, männliche Abstrakte Expressionisten wie Jackson Pollock und Willem de Kooning zu fördern und Frauen sowie Künstlerinnen und Künstler mit anderer Hautfarbe zu ignorieren. Am einfachsten lässt sich Greenbergs Art, über Kunst zu schreiben, als formalistisch beschreiben. Er sprach über Gemälde nicht in Bezug auf ihren Inhalt, ihre Erzählung oder ihre kulturelle Bedeutung. Er sprach über sie in Bezug auf Farbe, Linie, Form, Oberflächeneigenschaften und Mediumsspezifität.

Harold Rosenberg sprach über Kunst mit einer anderen Sprache als Clement Greenberg. Rosenberg lässt sich am einfachsten als Kritiker beschreiben, der sich auf die poetischen Elemente der Kunst konzentrierte. Er schrieb über die Fähigkeit bestimmter Künstler, nachdenkliche Werke zu schaffen, und über die transzendenten Qualitäten ihrer Kunst. Sowohl Greenberg als auch Rosenberg waren weithin respektiert und werden auch heute noch ernst genommen. In großem Maße sind sie Helden, weil sie die Abstraktion im amerikanischen Bewusstsein weitgehend legitimierten. Jeder auf seine Weise lehrten diese beiden Kritiker die Nachkriegsamerikaner, dass abstrakte Kunst größer, tiefer und komplizierter war, als es den meisten Menschen damals erschien. Sie erhoben die Abstraktion auf das gleiche Ansehen wie die realistische Kunst, die Museen und Geschichtsbücher füllte. Doch in anderer Hinsicht repräsentierten beide Kritiker eine alte Art, über Kunst zu sprechen. Sie setzten sich strukturiert mit ihr auseinander, verwurzelt in den Traditionen der Vergangenheit. Sie beurteilten sie und fällten Werturteile basierend auf Zielen, die in die bestehende Machtstruktur der Gesellschaft passten, und schränkten so ein, was Kunst werden konnte.

Rosalind Krauss - Dauerinventar (October Books), Buchcover

Poststrukturalistische Kunstschreibung

Nach ihrem Abschluss am Wellesley College ging Rosalind Krauss nach Harvard, wo sie 1969 ihren Doktortitel erwarb. Noch als Studentin begann sie, für Artforum über Kunst zu schreiben. Anfangs fühlte sie sich der Arbeit von Clement Greenberg verbunden. Doch mit der Zeit nahm sie eine poststrukturalistische Sichtweise an. Grundsätzlich ist der Strukturalismus die Idee, dass die Welt in identifizierbaren, beschreibbaren Strukturen verstanden werden kann, die wiederum alles andere verständlich machen. Geschichte wird oft als eine strukturierte Reihe von Ereignissen betrachtet, die zwangsläufig zur heutigen Welt führten. Ein strukturalistischer Kunstkritiker glaubt, dass jedes Element eines Kunstwerks im Hinblick darauf verstanden werden kann, wie es sich auf ein bestehendes, strukturiertes Denksystem bezieht. Und poststrukturalistisch wird diese Idee im Wesentlichen infrage gestellt.

Poststrukturalistische Kunstschreibung ist keine Kritik im Sinne eines abschließenden Urteils über ein Kunstwerk. Poststrukturalismus lädt zu vielfältigen Interpretationen ein. Er befürwortet individuelle Bewertungen. Er lehnt die Autorität überlieferter Strukturen ab. Er setzt sich für eine Art des Sprechens ein, die den Status quo hinterfragt. Er erkennt an, dass historische soziale Strukturen eine Sicht- und Umgangsweise mit der Welt unterstützen, die mit den bestehenden Erzählungen der Machtinhaber übereinstimmt. Poststrukturalisten glauben, dass durch das Infragestellen dieser Sicht- und Umgangsweisen eine vielfältigere, gerechtere, experimentellere und interessantere Welt entstehen kann: eine, die letztlich auch wahrhaftiger sein wird.

Rosalind Krauss - Bachelors, Buchcover

Über das Raster

Nach zehn Jahren bei Artforum verließ Rosalind Krauss die Zeitschrift, um zusammen mit Annette Michelson eine neue Kunstzeitschrift namens October zu gründen. Die Idee von October war, neue Denkweisen über Kunst voranzubringen. Die Zeitschrift wurde nach dem Monat benannt, der den Beginn der Bolschewistischen Revolution markierte. In den Seiten von October veröffentlichte Krauss ihre einflussreichsten kunsttheoretischen Schriften. In Band 8 veröffentlichte sie ihren Aufsatz Sculpture in the Expanded Field, der eine stark erweiterte Sichtweise auf die Bildhauerei erklärte. Der Aufsatz beschrieb nicht eine bestimmte Definition von Bildhauerei, sondern begann vielmehr ein Gespräch darüber, wie man über plastische Kunsttendenzen sprechen kann, ohne sie starr definieren zu müssen. Dieser Aufsatz gilt heute als Lebensader für experimentelle, interdisziplinäre Künstler.

Und in Band 9 von October veröffentlichte Krauss einen Aufsatz namens Grids, der von vielen heute als einer der wichtigsten Essays des 20. Jahrhunderts zur Erklärung der Abstraktion angesehen wird. Der Aufsatz erforscht die Geschichte der Verwendung von Rastern in der Kunst und betrachtet die verschiedenen Wege, wie Künstler ihre Werke auf die Erforschung des Rasters reduziert haben. Bemerkenswert an dem Aufsatz ist meiner Meinung nach, dass er trotz akademischer Fundierung und hoher Beschreibungsoffenheit offen bleibt und zu wenigen Schlussfolgerungen kommt. Eine Verallgemeinerung, zu der Krauss gelangt, ist die Idee, dass Raster letztlich symbolisch sind. Was sie symbolisieren, bleibt jedoch offen. Krauss präsentiert viele Beispiele, eröffnet viele Möglichkeiten und untermauert sie mit gebildeten Beispielen. Am Ende beschreibt sie weit mehr, als sie beurteilt. Und das ist für mich ihr größtes Vermächtnis. Sie öffnet die Tür für das, was als Nächstes kommen könnte, und lässt die Zukunft der Kunst sich entfalten, wie sie will.

Rosalind Krauss - The Optical Unconscious, Buchcover

Titelbild: Rosalind Krauss, Foto von Judy Olausen, ca. 1978

Von Phillip Barcio