Warum die Kunstkritikerin Rosalind Krauss für die Abstraktion nach wie vor entscheidend ist

Rosalind Krauss wird von vielen Künstlern, Kunstpädagogen und Fachleuten der Kunstwelt als die wichtigste lebende Kunstkritikerin angesehen. Und obwohl es unbestreitbar ist, dass sie durch ihre Schriften einige der einflussreichsten Kunsttheorien der letzten fünfzig Jahre verbreitet hat, kann ich beim besten Willen nicht verstehen, warum sie mit diesem Wort bezeichnet wird: Kritikerin. Nach meinem Verständnis dessen, was sie tut, ist Krauss keine Kritikerin. Sie ist eine Anti-Kritikerin. Sie ist jemand, der tief über Kunst nachdenkt und darüber schreibt, aber nicht definiert, wie der Rest von uns sie bewerten sollte. Sie ist eine Kunstautorin. Sie ist eine Kunstbefürworterin. Sie ist eine Kunstverteidigerin. Aber Kritik? Wer braucht das? Künstler haben sicherlich keinen Nutzen für Kritik. Das Einzige, was ein Künstler hören muss, ist Lob. Kritik ist für den Markt. Es ist eine Möglichkeit, Standards des Geschmacks aufrechtzuerhalten. Aber es gibt kein „gutes“ Kunstwerk oder „schlechtes“ Kunstwerk. Das Einzige, was Kunstkritiker wirklich tun, ist, Streitigkeiten zu beginnen, den Spaß zu verderben und Möglichkeiten einzuschränken. Sie verbreiten unter den Massen subjektive und oft unbegründete Werturteile. Sie beeinflussen die öffentliche Meinung basierend auf den Meinungen einer Minderheit von einer Person. Aber was Krauss ihr Leben lang getan hat, ist meiner Meinung nach das genaue Gegenteil. Sie hat die Möglichkeiten der Künstler erweitert. Sie hat den Status quo herausgefordert und hat über mehr als fünf Jahrzehnte hinweg kontinuierlich die Art und Weise vergrößert, wie Menschen sich ermächtigt fühlen, Kunst zu betrachten, darüber zu sprechen und darüber zu schreiben. Was mich betrifft, hat Krauss mir durch ihr Schreiben beigebracht, dass das Wichtigste, was ich im Dienst eines Kunstwerks tun kann, darin besteht, es zu beschreiben. Sie hat mir gezeigt, dass eine durchdachte, genaue Beschreibung das höchste Kompliment ist, das ich einem Künstler oder einem Kunstwerk geben kann, viel höher als in die Bewertungsphase zu gelangen: zu sagen, dass etwas „gut“ ist oder dass ich etwas „mag“. Geschmack ist subjektiv. Urteil ist manipulativ. Eine genaue Beschreibung zeigt, dass man das Werk genug respektiert hat, um es genau zu betrachten und es ehrlich in eine einfache Sprache zu übersetzen, die jeder verstehen kann.

Die junge Rosalind Krauss

Rosalind Krauss wurde 1941 in Washington, D.C. geboren. Ihr Vater war Anwalt im US-Justizministerium. Er nahm Rosalind oft mit, um die National Gallery of Art zu besuchen. Dort begann sie, den Wunsch und die Fähigkeit zu entwickeln, intellektuell über den Wert der modernen Kunst zu sprechen. In einem Interview von 2016 mit Dylan Kerr für Artspace erinnerte sich Krauss daran, dass ihr Vater kritisch gegenüber der modernen Kunst war. Aber selbst als junge Frau fühlte sie sich dazu gedrängt, die Werke zu verteidigen. Sie hatte die Vorstellung, dass sie von entscheidender Bedeutung waren, und plädierte regelmäßig dafür bei ihrem Vater, während sie das Museum besuchten. “Ich nahm eine gewisse Militanz an,” sagt sie, “denn ich musste versuchen, meinen Vater davon zu überzeugen, dass diese modernen Kunstwerke nicht falsch waren, dass sie wirklich wichtig waren. Das schärfte meinen Wunsch zu erklären.”

Die Einschreibung am Wellesley College im Jahr 1958 markierte den Beginn einer lebenslangen akademischen Karriere, die der Idee gewidmet ist, die Bedeutung von Kunst zu erklären. Sie studierte Kunstgeschichte und begann ernsthaft zu lesen, was andere Kunstschriftsteller über die vorherrschenden Trends der Zeit zu sagen hatten. Es war eine aufregende Zeit für die amerikanische Kunst. Der Abstrakte Expressionismus war auf dem Höhepunkt seiner Kräfte, und Künstler, die ihm entgegenstanden oder von ihm inspiriert waren, bewegten die amerikanische Kunstlandschaft in eine Vielzahl faszinierender Richtungen: Konzeptkunst, Installationskunst, Erdarbeiten und Land Art, Performancekunst, Licht- und Raumkunst sowie Minimalismus, um nur einige zu nennen. Krauss war scharfsinnig und wahrnehmend. Obwohl sie schnell die Geschichte studierte, entwickelte sie auch ihre eigenen Ideen zu dem, was sie studierte. Und dabei sah sie sich einer harten Realität der Zeit gegenüber: dem engen Blickwinkel, wie es akzeptabel war, über Kunst zu sprechen, und der geringen Anzahl einflussreicher Stimmen, die sie definierten.

Rosalind Krauss - Die Originalität der Avantgarde und andere modernistische Mythen (MIT Press), Buchcover

Die Bergs

Die beiden einflussreichsten Kunstkritiker des mittleren 20. Jahrhunderts waren Harold Rosenberg und Clement Greenberg. Clement Greenberg war verantwortlich dafür, die Karrieren einiger der berühmtesten Künstler der Nachkriegszeit zu fördern. Er ist am bekanntesten dafür, weiße, männliche Abstract Expressionists wie Jackson Pollock und Willem de Kooning zu unterstützen und Frauen sowie Künstler*innen of Color zu ignorieren. Die einfachste Art, die Art und Weise zu beschreiben, wie Greenberg über Kunst schrieb, ist zu sagen, dass er ein Formalist war. Er sprach über Gemälde nicht in Bezug auf ihren Inhalt, ihre Erzählung oder ihre kulturelle Bedeutung. Er sprach über sie in Bezug auf Farbe, Linie, Form, Oberflächenqualitäten und Mediumspezifität.

Harold Rosenberg sprach über Kunst mit einer anderen Sprache als Clement Greenberg. Rosenberg könnte am einfachsten als ein Kritiker beschrieben werden, der sich auf die poetischen Elemente der Kunst konzentrierte. Er schrieb über die Fähigkeit bestimmter Künstler, kontemplative Werke zu schaffen, und schrieb über die transzendenten Qualitäten ihrer Kunst. Sowohl Greenberg als auch Rosenberg wurden weithin respektiert und werden auch heute noch ernst genommen. In hohem Maße sind sie Helden, weil sie die Abstraktion im amerikanischen Bewusstsein weitgehend legitimiert haben. Jeder auf seine eigene Weise lehrte diese beiden Kritiker den Nachkriegsamerikanern, dass abstrakte Kunst größer, tiefer und komplizierter war, als es den meisten Menschen damals schien. Sie erhoben die Abstraktion auf dasselbe Prestige wie die realistische Kunst, die Museen und Geschichtsbücher füllte. Aber auf eine andere Weise repräsentierten beide Kritiker eine alte Art, über Kunst zu sprechen. Sie setzten sich auf eine strukturierte Weise mit ihr auseinander, die in den Traditionen der Vergangenheit verwurzelt war. Sie urteilten darüber und trafen Werturteile basierend auf Agenden, die in die bestehende Machtstruktur der Gesellschaft hineinspielten, und auf diese Weise beschränkten sie, was Kunst werden konnte.

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Poststrukturalistische Kunstschrift

Nach ihrem Abschluss an der Wellesley ging Rosalind Krauss nach Harvard, wo sie 1969 ihren Doktortitel erwarb. Während sie noch Studentin war, begann sie, über Kunst in Artforum zu schreiben. Zunächst hatte sie eine Vorliebe für die Arbeiten von Clement Greenberg. Doch im Laufe der Zeit kam sie dazu, einen poststrukturalistischen Standpunkt zu vertreten. Grundsätzlich ist Strukturalismus die Idee, dass die Welt in Bezug auf identifizierbare, beschreibbare Strukturen verstanden werden kann, die wiederum alles andere sinnvoll machen. Geschichte wird oft als eine strukturierte Reihe von Ereignissen betrachtet, die unvermeidlich zur heutigen Welt führten. Ein strukturalistischer Kunstkritiker glaubt, dass jedes Element eines Kunstwerks in Bezug darauf verstanden werden kann, wie es sich auf ein bestehendes, strukturiertes Denksystem bezieht. Und umgekehrt stellt der Poststrukturalismus im Wesentlichen diese Idee in Frage.

Poststrukturalistische Kunstkritik ist keine Kritik, da sie nicht nach einem endgültigen Urteil über ein Kunstwerk strebt. Der Poststrukturalismus lädt zu mehreren Interpretationen ein. Er plädiert für individuelle Bewertungen. Er lehnt die Autorität überlieferter Strukturen ab. Er befürwortet es, über Dinge auf Weisen zu sprechen, die den Status quo in Frage stellen. Er erkennt an, dass historische soziale Strukturen eine Sicht- und Interaktionsweise mit der Welt unterstützen, die mit den bestehenden Narrativen der Machtinhaber übereinstimmt. Poststrukturalisten glauben, dass durch die Infragestellung dieser Sicht- und Interaktionsweisen mit der Welt eine vielfältigere, gerechtere, experimentellere und interessantere Welt entstehen kann: eine, die letztendlich auch wahrhaftiger sein wird.

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Auf dem Grid

Nach zehn Jahren, in denen sie für Artforum schrieb, verließ Rosalind Krauss, um zusammen mit Annette Michelson eine neue Kunstzeitschrift namens October zu gründen. Die Idee von October war es, neue Denkweisen über Kunst voranzutreiben. Die Zeitschrift wurde nach dem Monat benannt, der den Beginn der Bolschewistischen Revolution markierte. In den Seiten von October hat Krauss ihre einflussreichsten Kunsttexte veröffentlicht. In Band 8 veröffentlichte sie ihren Aufsatz "Sculpture in the Expanded Field", der einen erheblich erweiterten Blickwinkel auf Skulptur erklärte. Der Aufsatz beschrieb nicht eine spezifische Art, Skulptur zu definieren, sondern begann vielmehr ein Gespräch darüber, wie man über plastische Kunsttendenzen sprechen kann, ohne sie starr definieren zu müssen. Dieser Aufsatz bleibt heute eine Lebensader für experimentelle, multidisziplinäre Künstler.

Und in Band 9 von Oktober veröffentlichte Krauss einen Aufsatz mit dem Titel "Grids", der von vielen Menschen heute als einer der wichtigsten Essays des 20. Jahrhunderts angesehen wird, der die Abstraktion erklärt. Der Aufsatz untersucht die Geschichte der Verwendung von Gittern in der Kunst und reflektiert die verschiedenen Möglichkeiten, wie Künstler ihre Arbeiten auf Erkundungen des Gitters reduziert haben. Was meiner Meinung nach bemerkenswert an dem Aufsatz ist, ist, dass er trotz seiner akademischen Fundierung und seiner hohen Beschreibungsgenauigkeit offen ist und nur wenige Schlussfolgerungen zieht. Eine Verallgemeinerung, zu der Krauss gelangt, ist die Idee, dass Gitter letztendlich symbolisch sind. Aber was sie symbolisieren, bleibt offen. Krauss präsentiert viele Beispiele, eröffnet viele Möglichkeiten und untermauert sie mit fundierten Beispielen. Aber am Ende beschreibt sie weit mehr, als sie urteilt. Und das ist für mich ihr größtes Erbe. Sie öffnet die Tür für das, was als Nächstes kommen könnte, und lässt die Zukunft der Kunst sich entfalten, wie sie möchte.

Rosalind Krauss - Das optische Unbewusste, Buchcover

Vorschaubild: Rosalind Krauss, Foto von Judy Olausen, ca. 1978

Von Phillip Barcio