Die aufregende Revolution von Louise Fishman
Louise Fishman wurde schon früher als Revolutionärin bezeichnet. Dieses Etikett wurde ihr unzählige Male an den Kopf geworfen, aus Gründen, die wenig mit ihr zu tun haben, aber viel mit einer Kultur, die sich gezwungen fühlt, Menschen, die den Status quo bedrohen, in Schubladen zu stecken. Abgesehen von der Politik des sozialen Protests hat Fishman im Verlauf einer bisher sechs Jahrzehnte umfassenden Künstlerkarriere etwas wahrhaft Revolutionäres vollbracht: Sie hat sich in ihrer Kunst ehrlich ausgedrückt. Wie ist das revolutionär? Ehrlicher Selbstausdruck mag einfach und leicht zu erreichen klingen. Doch es ist viel schwieriger, als es scheint. Um uns ehrlich auszudrücken, müssen wir zuerst bereit und fähig sein, zu entwirren, was genau wir sind, und das erfordert, sich mit den unzähligen Einflüssen auseinanderzusetzen, die uns seit dem Moment unserer Geburt geprägt haben.
Die Vergangenheit entwirren
Für Fishman begann das Entwirren des Rätsels, wie sie sich ehrlich in ihrer Kunst ausdrücken kann, 1965 richtig Fahrt aufzunehmen, dem Jahr, in dem sie ihren MFA an der University of Illinois in Champaign erwarb und nach New York City zog. Sie brachte ein Erbe einer breiten Palette mächtiger Einflüsse mit: ihre jüdische Erziehung; ihr familiäres Erbe, da sie von einer Mutter und einer Tante aufgezogen wurde, die beide Künstlerinnen waren; den Einfluss der geschlechtsspezifischen Vorurteile, die ihr als Künstlerin in einem von Männern dominierten Bereich entgegengebracht wurden; und das gesellschaftliche Stigma, das mit ihrer sexuellen Identifikation als Lesbe verbunden war. Darüber hinaus hatte sie ihr Leben dem Studium von Kunst und Kunstgeschichte gewidmet und fühlte den Einfluss all der Künstler, die vor ihr kamen.
Es war dort, im Bereich der Kunstgeschichte, dass ihre persönliche Revolution wirklich zu erblühen begann. Sie erkannte, dass jeder Künstler, den sie je in der Schule studiert hatte, ein Mann war. Alles, was sie gelernt hatte, war darauf ausgerichtet, ihr einzureden, dass sie wegen ihres Geschlechts nicht in die Kunstwelt gehöre. Es war dasselbe grundlegende Vorurteil, das weiblichen Künstlerinnen im Laufe der Geschichte entgegengebracht wurde, das ihre Werke daran hinderte, verbreitet zu werden, und ihre Namen unbekannt ließ. Fishman nahm diese Erkenntnis als Ausgangspunkt. Sie stoppte ihre bisherige Arbeitsweise und begann von vorn, diesmal nicht aus der Perspektive äußerer Einflüsse, sondern mit dem Ziel, die Wahrheit darüber zu entdecken, wer sie einzigartig und ehrlich ist.
Louise Fishman - San Stae 2017, Öl auf Leinen, 72 × 96 Zoll, 182,9 × 243,8 cm, Foto: Cheim & Read, New York
Die Vergangenheit zerreißen
Als sie nach New York City zog, war Fishman eine abstrakte Malerin, die in den vorherrschenden Stilrichtungen ihrer Zeit arbeitete, die sich an geometrischer Abstraktion und Minimalismus orientierten. Doch die Erkenntnis, dass alles, was sie jemals über Malerei gelernt hatte, aus einer weitreichenden patriarchalen Verschwörung zur Verwirrung der Wirklichkeit hervorgegangen war, überzeugte sie davon, dass das Folgen der vorherrschenden Trends ein Weg zu Mittelmäßigkeit und Gleichförmigkeit sei. Die Pinsel, die Leinwände, die Unterlagen, die Techniken, die Stile: all das war Erbe einer falschen Vergangenheit.
Sie zerschnitt einige der Gemälde, an denen sie gearbeitet hatte, und obwohl sie solche Dinge zuvor nie gebraucht hatte, brachte sie sich Handarbeiten bei, die mit historischer Weiblichkeit verbunden sind, wie Nähen und Quilten, und nutzte diese Fähigkeiten, um die Reste ihrer zerschnittenen Gemälde zu neuen Werken zusammenzunähen. Die neuen Stücke erinnerten an primitive Kleidung oder Decken. Sie waren roh und persönlich. Sie sprachen von einer Rückkehr zu den ursprünglichen Anfängen der Kunst: Die ersten Künstlerinnen waren schließlich Frauen. Und sie vermittelten auch eine kraftvolle Allegorie: eine frische ästhetische Haltung, die buchstäblich zurückerobert und aus dem zerbrochenen, unechten Mythos der Vergangenheit neu zusammengesetzt wurde.
Louise Fishman - Sharps and Flats, 2017, Öl auf Leinen, 70 × 90 Zoll, 177,8 × 228,6 cm, Foto: Cheim & Read, New York
Einen Weg nach vorn finden
Zur gleichen Zeit war Fishman auch aktiv in den sozialen, kulturellen und politischen Szenen New Yorks engagiert. Sie war eine Aktivistin, die an verschiedenen direkten Aktionsbündnissen teilnahm, die für feministische Ideale kämpften. Sie war auch eine offene Fürsprecherin innerhalb der lesbischen Gemeinschaft. Diese Aktivitäten waren wesentlich für die Verteidigung ihrer selbst und ihrer Gemeinschaft. Aber sie standen auch für das größere Erbe, in das sie hineingeboren wurde. Wie sehr bestimmen unser Geschlecht, unsere Sexualität, unsere Politik, unsere Religion und unsere Familiengeschichte wirklich, wer wir sind? Indem wir solchen Elementen erlauben, unser Leben zu steuern und unsere Kunst zu beeinflussen, spielen wir dann nicht nur den gleichen kulturellen Mythen in die Hände, gegen die wir uns angeblich wehren?
Während sie nach Antworten auf solche Fragen suchte, arbeitete Fishman weiter daran, ihre einzigartige ästhetische Position als Künstlerin zu finden. Sie nahm einen experimentellen Zugang zu ihrer Arbeit an. Sie lebte in einem Teil von Manhattan, wo eine unendliche Vielfalt an gefundenen Gegenständen, seltsamen Materialien und ungewöhnlichen Konsumgütern verfügbar war. Anstatt sich auf die traditionellen, vorhersehbaren, überlieferten Wege der Kunstherstellung zu verlassen, griff sie auf das zurück, was tatsächlich um sie herum war, und baute Werke aus der materiellen Wirklichkeit ihrer authentischen Existenz. Sie arbeitete groß, klein, zweidimensional, dreidimensional: was auch immer aus ihrer Umgebung und dem Moment entstand. Sie entwickelte einen vielfältigen Ansatz zur Kunstherstellung, der weniger der Kunstgeschichte als ihrem Geist verpflichtet war.
Louise Fishman - Untitled, 2011, Acryl auf rostigem Metall, 3,2 × 21,6 × 18,4 cm, ICA Philadelphia, Philadelphia, Foto: Cheim & Read, New York
Zur Malerei zurückkehren
Schließlich führten ihre ästhetischen Experimente Fishman zurück zur Malerei. Doch ihr neues Engagement für die Malerei war ehrlicher und persönlicher als zuvor. Sie verwendete Oberflächen, die ihren individuellen Charakter ausdrückten, und nutzte Materialien, zu denen sie sich persönlich hingezogen fühlte, was half, die Gefühlsschichten im Werk zu vermitteln. Sie setzte Werkzeuge und Techniken ein, die außerhalb des üblichen Bereichs des Malateliers lagen. Und die Themen, die sie in ihrer Arbeit behandelte, hatten sich ebenfalls weiterentwickelt. Sie schuf eine Werkgruppe, die als Angry-Gemälde bekannt ist, welche direkte, einfache Textaussagen verwenden, um kulturelle Reaktionen auf weibliche Emotionen herauszufordern. Nach einem Besuch in Konzentrationslagern in Deutschland entwickelte sie eine Werkgruppe, die sich mit ihren persönlichen Gefühlen zu ihrer Familiengeschichte, ihrer jüdischen Vergangenheit und den vielen anderen Wegen auseinandersetzt, auf denen sie die Verfolgung, die solche Orte verkörpern, tief empfand.
Heute vermittelt ihre Arbeit eine reife, zeitlose Aufrichtigkeit. Während ihrer jahrzehntelangen Reise zum ehrlichen Selbstausdruck hat Fishman die Malerei als persönliche Ausdrucksform neu erfunden. Sie führte sie zurück zu ihren Wurzeln und brachte sie wieder voran, nun mit ihr als Führerin und nicht umgekehrt. Auf diesem Weg hat sie ein bemerkenswert vielfältiges Werk geschaffen und schafft es weiterhin, das Werke auf Papier, winzige Gemälde, textbasierte Arbeiten, abstrakte gestische Gemälde, skulpturale Objekte und viele andere ästhetische Erscheinungen umfasst. Alle Werke besitzen eine einheitliche ästhetische Sprache aus Farbe und Körnung. Menschlichkeit zeigt sich in ihrem harmonischen Wechselspiel zwischen Fehler und Präzision. Eine subtile, aber herzliche Bandbreite an Gefühlen wird durch ihre wechselnde Farbpalette vermittelt.
Louise Fishman - Untitled, 2011-2013, Aquarelle, 18,1 × 26 cm, © Louise Fishman, mit freundlicher Genehmigung der Galerie Nosco | Frameless und Cheim & Read
Ein lebendiges Vermächtnis
Persönlich gilt: Abgesehen von ihrem künstlerischen Beitrag möchte ich, je mehr ich über Louise Fishman lese, immer mehr erfahren. Ihr Name ist auf eine kurze, wechselnde Liste getreten, die ständig durch meinen Kopf schwebt: Menschen, die ich zu einer Art ultimativer Cocktailparty einladen möchte, bei der wir anderen unbemerkt durch den Raum schweben könnten, den Stimmen der Erleuchteten lauschen und ihre Weisheit und ihren Witz bedenken. Fishman ist eine renommierte abstrakte Künstlerin, die seit mehr als 40 Jahren Einfluss auf die zeitgenössische Kunstwelt hat. Doch das ist nur der Anfang dessen, warum sie für mich wichtig ist. Tatsächlich begegnete ich ihrem Namen zuerst nicht in einer Kunstgalerie, sondern bei einer Internetrecherche über Gegenkultur-Direktaktionsgruppen der 1960er und 70er Jahre. Fishman war zu verschiedenen Zeiten mit mehreren Koalitionen verbunden, die sich für soziale Reformen einsetzten. Diejenige, über die ich las, als ich ihren Namen zum ersten Mal sah, war W.I.T.C.H., oder die Women’s International Terrorist Conspiracy from Hell.
W.I.T.C.H. führte öffentliche Aktionen durch, die darauf abzielten, die patriarchale Struktur, auf der die Gesellschaft aufgebaut ist, zu untergraben. Das allein ist etwas, worüber ich gerne mehr hören würde. Doch was mich beim Lesen über sie am meisten bewegte, war ein Zitat, das sie 2015 in einem Interview mit Alexxa Gotthardt für Artsy gab. Über ihre Erfahrungen in Gruppen wie W.I.T.C.H. sagte Fishman: „In diesen Gruppen musste jede sprechen, wir waren alle gleichgestellt, und was immer wir sagten, konnte nicht in Frage gestellt werden. Es war Zeugnis: Hier ist meine Erfahrung als Frau und als Künstlerin.“ Diese Idee des Zeugnisses, die Chance, sich ehrlich und ungefragt auszudrücken – das ist es, was ich wahrnehme, wenn ich die Werke von Fishman betrachte. Sie sind direkt und ernsthaft, und zugleich komplex. Sie ziehen meinen Blick an und führen ihn vorsichtig über die Oberfläche. Ihre Kompositionen präsentieren sich wie visuelle Zeitlinien, abstrakte phänomenologische Tagebücher. Die Botschaft, die sie tragen, ist, dass sie nicht hinterfragt werden wollen. Sie fordern, nicht für das anerkannt zu werden, was wir in ihnen sehen, nicht für das, was wir uns wünschen, dass sie sind, sondern für das, was sie tatsächlich sind.
Titelbild: Louise Fishman - Untitled, 2011-2013, Aquarelle, 30,5 × 45,4 cm, © Louise Fishman, mit freundlicher Genehmigung der Galerie Nosco | Frameless und Cheim & Read
Alle Bilder dienen nur zur Veranschaulichung
Von Phillip Barcio
