Martin Barré, Der Vergessene Abstrakte Künstler, im Centre Pompidou

Die Retrospektive Martin Barré, die vom 14. Oktober 2020 bis zum 4. Januar 2021 im Centre Pompidou zu sehen ist, bietet den bisher umfassendsten Einblick in die sich stets wandelnde Laufbahn dieses rätselhaften Künstlers. Trotz seines lokalen Ruhms (20 der Werke in der Ausstellung stammen aus der ständigen Sammlung des Pompidou) werden viele Besucher außerhalb Frankreichs vermutlich keine Ahnung haben, wer dieser Künstler ist. Wenn sie seine Werke nur aus zeitgenössischer Sicht betrachten, mögen sie sich sogar fragen, warum sie sich dafür interessieren sollten. Barré griff in seiner Arbeit keine besonderen sozialen oder politischen Themen auf. Tatsächlich scheinen seine Gemälde oft überhaupt keinen Inhalt zu haben, noch machen sie als Gegenstände viel Aufsehen. Tatsächlich wurde Barré (1924 – 1993) auch zu seinen Lebzeiten häufig abgetan. Dennoch gibt es für viele von uns etwas unbestreitbar Anziehendes an seiner Arbeit. Einfach und manchmal sogar schlicht, sind seine Gemälde ehrlich, vergnüglich und unverkennbar menschlich. Barré schuf Bilder, die kaum wie Gemälde wirken, und ich habe das Gefühl, genau das war der Sinn. Wie die Retrospektive im Pompidou verdeutlicht, durchlief Barré mindestens fünf bedeutende Veränderungen in seinem Bildstil. Diese Veränderungen mögen kunsthistorisch unbedeutend gewesen sein, doch mindert das nicht die Wahrheit, die seine Entwicklung beständig offenbarte – dass die einzige Verpflichtung eines Künstlers seiner eigenen Neugier gilt. In unserer Zeit, in der von jedem Künstler erwartet wird, seine Arbeit akademisch, gesellschaftlich und politisch energisch zu verteidigen, mag Barré weniger ernst erscheinen. Doch das war schon immer so, selbst vor einem halben Jahrhundert. Er passte nie dazu. Indem er seinen eigenen Interessen folgte, wurde Barré für seine französischen Bewunderer das, was Agnes Martin für die Amerikaner ist: ein Prophet des Minimalismus als ästhetische Methode und als Weg zur Selbsterkenntnis.

Der Proto-Minimalist

Geboren 1924 in Nantes im Westen Frankreichs, soll Barré als 19-jähriger angehender Künstler zu Fuß bis nach Paris gegangen sein. Die 376 km lange Reise dauerte fünf Tage. Im folgenden Jahrzehnt studierte er an verschiedenen Kunstakademien und experimentierte mit unterschiedlichen Methoden und Bildsprachen. Bald stellte er fest, dass für ihn nur die Abstraktion der Weg nach vorn war, und das Hauptanliegen, das ihn interessierte, war die Beziehung zwischen dem gemalten Bild und seinem Untergrund (oder der vorbereiteten Fläche). Barré war neugierig darauf, was ein Gemälde ausmachen könnte; was Gemälde unterscheidet; und was als Inhalt eines Gemäldes gelten kann. Er hielt sich nicht für einen Pionier bei der Frage. Im Gegenteil, mit Bezug auf ein Gemälde, das ein halbes Jahrhundert zuvor entstanden war, sagte er: „Alle Malerei scheint mir auf Malevichs schwarzes Quadrat auf weißem Grund zuzusteuern und davon auszugehen.“

Martin Barré - 86-87-120x120-E, 1986 - 1987. Acryl auf Leinwand. 120 x 120 cm. Centre Pompidou, Musée national d’art moderne, Paris. © Centre Pompidou, MNAM-CCI/Bertrand Prévost/Dist. RMN-GP © Martin Barré, Adagp, Paris 2020

In mehreren seiner frühesten abstrakten Gemälde setzte Barré ebenfalls das Quadrat ein, um die Beziehung zwischen Bild und Grund zu erforschen. Anstatt die Quadrate zu bemalen, sperrte er die Form ab und zeichnete ihre Leere mit dem bemalten Raum darum herum nach. Die einfache Frage, die diese Gemälde aufwerfen, ist, ob Leere Inhalt sein kann. Anschließend vereinfachte er seine Methode noch weiter, inspiriert von gesprühten Graffiti, die er in Paris sah. Er betrachtete Sprühdosen als perfekte Verlängerungen der Hand des Künstlers und schuf eine Reihe von Gemälden, die wie nichts anderes als gesprühte Linien auf den vorbereiteten Leinwandflächen aussehen. Manchmal sprühte er Linien in einem Muster. Andere Male sprühte er nur eine winzige Linie über eine Ecke einer Leinwand. Manchmal malte er Kringel. Wieder andere Male hängte er mehrere Leinwände an eine Wand und führte eine Linie von Leinwand zu Leinwand fort. Die schlichte Qualität dieser Werke hob sich von den Arbeiten seiner Zeitgenossen in den 1960er Jahren ab und verschaffte Barré den Ruf, gegen die Kultur zu sein und ein Proto-Minimalist.

Martin Barré - 57-100x100-A, 1957. Öl auf Leinwand. 100 x 100 cm. Privatsammlung, Paris; mit freundlicher Genehmigung von Applicat-Prazan, Paris. © Martin Barré, Adagp, Paris 2020 / Foto: Art Digital Studio

Einfache Fragen

In den 1970er Jahren legte Barré eine vierjährige Malpause ein, um das zu erforschen, was er als foto-konzeptuelle Kunst bezeichnete. Diese Phase seiner Laufbahn wird in seinen Galerieausstellungen selten beleuchtet. Manchmal frage ich mich, wenn Kunst nicht gekauft und verkauft werden könnte, wie würde das die Art verändern, wie Menschen darüber schreiben? Meist denke ich, sie würden weniger schreiben. Im Fall von Barré glaube ich, sie würden mehr schreiben, besonders über diese Pause. Sie mag keine Produkte hervorgebracht haben, die in Kunstläden verkauft werden konnten, doch sie beeinflusste tiefgreifend, wie Barré seine zentrale Frage über Bild versus Grund verstand. Als sie endete, wurden seine Gemälde viel dichter, mit skizzierten Rastern, die gemalte Schraffuren stützten, welche wiederum von Schichten klarer Lasur überdeckt sind. Diese Werke sind immer noch geometrisch, gehen zurück auf Malevich und seine Quadrate, sind aber recht komplex und kommen dem, was die meisten Betrachter als Inhalt ansehen würden, näher als alles, was Barré zuvor geschaffen hat.

Martin Barré - 60-T-43, 1960. Öl auf Leinwand. 81 x 330 cm (Vierteiler). Privatsammlung. Mit freundlicher Genehmigung der Matthew Marks Galerie, New York / Foto: Ron Amstutz © Martin Barré, ADAGP, Paris 2020

In seinen späten Jahren verfeinerte Barré erneut seine Bildsprache und schuf diesmal eine Reihe von klar abgegrenzten geometrischen Werken, die seine Nähe zu einem weiteren frühen Abstrakten nahelegen: Piet Mondrian. Diese, seine letzten Gemälde, mit ihren klaren, flachen Kompositionen, werden manchmal so besprochen, als seien sie Ablehnungen seiner früheren, roheren Werke. Doch scheinen sie nicht so weit entfernt. Sie zeigen Linien, die auf einem Grund gemalt sind, um Raum abzugrenzen. Die bemalten Flächen befragen den Grund und werfen Fragen auf, welcher Teil des Gemäldes das Bild ist. Wie alle seine vorherigen Gemälde stellen auch diese letzten Werke die Frage, was wichtiger ist: der Inhalt eines Gemäldes oder sein Untergrund? Für mich ist das nicht nur eine Frage der Malerei, sondern auch eine existenzielle Frage des Malerseins. Sie fragt, was in den Augen anderer gültig ist; was Aufmerksamkeit verdient; und was unsere Zeit wert ist – einfache Fragen vielleicht, gestellt von einfachen Gemälden, doch ihre Schlichtheit schafft Raum, um über uns selbst zu lernen.

Titelbild: Martin Barré - 60-T-45, 1960. Öl auf Leinwand. 192 x 253 cm (Vierteiler). Centre Pompidou, Musée national d’art moderne, Paris. © Centre Pompidou, MNAM-CCI/Bertrand Prévost/Dist. RMN-GP © Martin Barré, Adagp, Paris 2020
Alle Bilder dienen nur zur Veranschaulichung
Von Phillip Barcio