Martin Barré, Der Vergessene Abstrakte Künstler, im Centre Pompidou

Die Retrospektive Martin Barré, die vom 14. Oktober 2020 bis zum 4. Januar 2021 im Centre Pompidou zu sehen ist, bietet den umfassendsten Einblick in die sich ständig weiterentwickelnde Karriere dieses rätselhaften Künstlers. Doch trotz seines lokalen Ruhms (20 der Werke in der Ausstellung stammen aus der ständigen Sammlung des Pompidou) wird es zweifellos viele Zuschauer außerhalb Frankreichs geben, die keine Ahnung haben, wer dieser Künstler ist. Wenn sie seine Arbeiten nur aus einer zeitgenössischen Perspektive betrachten, könnten sie sich sogar fragen, warum sie sich dafür interessieren sollten. Barré sprach in seinen Arbeiten keine bestimmten sozialen oder politischen Anliegen an. Tatsächlich scheinen seine Gemälde oft überhaupt keinen Inhalt zu haben, noch machen sie als Objekte viel Aufsehen. In der Tat wurde Barré (1924 — 1993) auch zu seiner Zeit häufig abgelehnt. Dennoch gibt es für viele von uns etwas Unbestreitbar Anziehendes an seiner Arbeit. Einfach und manchmal sogar simplistisch, sind seine Gemälde ehrlich, unterhaltsam und unverkennbar menschlich. Barré schuf Gemälde, die kaum wie Gemälde erscheinen, und ich habe das Gefühl, dass das der Punkt war. Wie die Pompidou-Retrospektive verdeutlicht, durchlief Barré mindestens fünf bedeutende Veränderungen in seinem visuellen Stil. Diese Veränderungen waren vielleicht in kunsthistorischen Begriffen unbedeutend, aber das mindert nicht die Wahrheit, die seine Entwicklung konsequent offenbarte – dass die einzige Verpflichtung eines Künstlers seiner eigenen Neugier gilt. In unserer Zeit, in der von jedem Künstler erwartet wird, dass er eine energische akademische, soziale und politische Verteidigung seiner Arbeit vorbringen kann, könnte Barré weniger ernsthaft erscheinen. Aber das war schon immer der Fall, selbst vor einem halben Jahrhundert. Er passte nie hinein. Indem er seinen eigenen Interessen folgte, wurde Barré für seine französischen Bewunderer das, was Agnes Martin für die Amerikaner ist: ein Prophet des Minimalismus sowohl als ästhetische Methode als auch als Weg zur Selbstkenntnis.

Der Proto-Minimalist

Geboren 1924 in Nantes, im Westen Frankreichs, ging Barré angeblich als aufstrebender 19-jähriger Künstler den ganzen Weg nach Paris. Die 376 km lange Reise dauerte fünf Tage. In den nächsten zehn Jahren studierte er an verschiedenen Kunstakademien und experimentierte mit verschiedenen Methoden und visuellen Sprachen. Bald stellte er fest, dass der einzige Weg für ihn die Abstraktion war, und das Hauptanliegen der Abstraktion, das ihn interessierte, war die Beziehung zwischen dem gemalten Bild und seinem Grund (oder der vorbereiteten Oberfläche). Barré war neugierig, was ein Gemälde ausmachen könnte; was Gemälde unterscheidbar machte; und was als Inhalt in einem Gemälde zählen könnte. Er dachte nicht, dass er ein Pionier in der Fragestellung dieser Fragen war. Im Gegenteil, in Bezug auf ein vor einem halben Jahrhundert geschaffenes Gemälde sagte er: „Alle Malerei scheint mir zu Malevichs schwarzem Quadrat auf einem weißen Grund zu führen und davon auszugehen.“

Martin Barré - 86-87-120x120-E, 1986 - 1987. Acryl auf Leinwand. 120 x 120 cm. Centre Pompidou, Musée national d’art moderne, Paris. © Centre Pompidou, MNAM-CCI/Bertrand Prévost/Dist. RMN-GP © Martin Barré, Adagp, Paris 2020

In mehreren seiner frühesten abstrakten Gemälde setzte Barré auch das Quadrat ein, um die Beziehung zwischen Bild und Grund zu erkunden. Anstatt die Quadrate zu malen, blockierte er die Form und umreißte ihre Leere mit dem umgebenden gemalten Raum. Die einfache Frage, die diese Gemälde aufwerfen, ist, ob Leere Inhalt sein kann. Danach vereinfachte er seine Methode noch weiter und ließ sich von den mit Sprühfarbe gesprühten Graffiti inspirieren, die er in Paris sah. Er betrachtete Sprühdosen als perfekte Erweiterungen der Hand des Künstlers und schuf eine Reihe von Gemälden, die nicht mehr als gesprühte Linien auf den vorbereiteten Oberflächen der Leinwände aussehen. Manchmal sprühte er Linien in einem Muster. Andere Male sprühte er nur eine winzige Linie über eine Ecke einer Leinwand. Manchmal malte er Zickzacklinien. Andere Male hängte er mehrere Leinwände an eine Wand und setzte eine Linie von Leinwand zu Leinwand fort. Die minimale Qualität dieser Werke stach im Kontrast zu den Arbeiten seiner Zeitgenossen in den 1960er Jahren hervor, was Barré den Ruf einbrachte, anti-kulturell und ein proto-Minimalist zu sein.

Martin Barré - 57-100x100-A, 1957. Öl auf Leinwand. 100 x 100 cm. Privatsammlung, Paris; mit freundlicher Genehmigung von Applicat-Prazan, Paris. © Martin Barré, Adagp, Paris 2020 / Foto: Art Digital Studio

Einfache Fragen

In den 1970er Jahren machte Barré eine vierjährige Pause vom Malen, um das zu erkunden, was er Foto-Konzeptualismus nannte. Diese Phase seiner Karriere wird in seinen Galerieausstellungen nicht häufig behandelt. Manchmal frage ich mich, wenn Kunst nicht gekauft und verkauft werden könnte, wie würde sich das auf die Art und Weise auswirken, wie die Menschen darüber schreiben? Normalerweise denke ich, sie würden weniger schreiben. Im Fall von Barré glaube ich, dass sie mehr schreiben würden, insbesondere über diese Auszeit. Es mag keine Produkte hervorgebracht haben, die in Kunstgeschäften verkauft werden können, aber es hat die Art und Weise, wie Barré seine zentrale Frage über Bild versus Grund verstand, tiefgreifend beeinflusst. Als es endete, wurden seine Gemälde viel dichter, mit skizzierten Gittern, die bemalte Schraffuren stützen, die wiederum in Schichten von klarem Waschmittel gehüllt sind. Diese Werke sind immer noch geometrisch, gehen zurück zu Malevich und seinen Quadraten, aber sie sind ziemlich komplex und kommen dem, was die meisten Betrachter als Inhalt betrachten würden, näher als alles, was Barré zuvor gemacht hat.

Martin Barré - 60-T-43, 1960. Öl auf Leinwand. 81 x 330 cm (Quadriptychon). Privatsammlung. Mit freundlicher Genehmigung der Matthew Marks Gallery, New York / Foto: Ron Amstutz © Martin Barré, ADAGP, Paris 2020

In seinen späten Jahren verfeinerte Barré erneut seine visuelle Sprache und schuf diesmal eine Reihe von harten, geometrischen Arbeiten, die seine Affinität zu einem anderen frühen Abstraktionisten andeuten: Piet Mondrian. Diese, seine letzten Gemälde, mit ihren klaren, flachen Kompositionen, werden manchmal so besprochen, als seien sie Ablehnungen seiner früheren Werke, die roher sind. Sie scheinen jedoch nicht so weit entfernt zu sein. Sie zeigen Linien, die auf einem Grund gemalt sind, um Raum zu delineieren. Die bemalten Flächen hinterfragen den Grund und werfen Fragen auf, welcher Teil des Gemäldes das Bild ist. Wie all seine vorherigen Gemälde fragen auch diese letzten Werke, was wichtiger ist: der Inhalt eines Gemäldes oder seine Unterstützung? Für mich ist dies nicht nur eine Frage der Malerei, sondern auch eine existenzielle Frage darüber, ein Maler zu sein. Sie fragt, was in den Augen anderer gültig ist; was Aufmerksamkeit verdienen sollte; und was unsere Zeit wert ist – vielleicht einfache Fragen, die von einfachen Gemälden aufgeworfen werden, aber ihre Einfachheit schafft Raum, um über uns selbst zu lernen.

Vorschaubild: Martin Barré - 60-T-45, 1960. Öl auf Leinwand. 192 x 253 cm (Quadriptychon). Centre Pompidou, Musée national d’art moderne, Paris. © Centre Pompidou, MNAM-CCI/Bertrand Prévost/Dist. RMN-GP © Martin Barré, Adagp, Paris 2020
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken.
Von Phillip Barcio