Pier Paolo Calzolari und eine (abstrakte) Kunst, die passiert
Pier Paolo Calzolari ist zum ersten Mal seit über 40 Jahren nach Neapel zurückgekehrt, mit einer großen Übersicht über seine gesamte Karriere im Museo d'Arte Contemporanea Donnaregina (auch bekannt als Museo MADRE). Betitelt "Painting as a Butterfly" und kuratiert von Achille Bonito Oliva und Andrea Viliani, umfasst die Ausstellung mehr als 70 Werke aus den 1960er Jahren bis heute. Calzolari, 1943 in Bologna, Italien, geboren, gilt als einer der wichtigsten lebenden Protagonisten der Arte Povera-Bewegung. Doch sein künstlerisches Schaffen geht weit über die vermeintlichen Einschränkungen hinaus, die mit diesem Etikett verbunden sind. Tatsächlich ist er eine Art ästhetischer Rebell. Der Beweis dafür kam früh in seiner Karriere, als Calzolari in der Ausstellung "When Attitudes Become Form" vertreten war, die 1969 erstmals in Bern gezeigt wurde und dann von der Fondazione Prada im Rahmen der Biennale von Venedig 2013 neu inszeniert wurde. Neben Calzolari umfasste diese Ausstellung auch andere schwer zu definierende Größen wie Eva Hesse und Joseph Beuys. Wie der Titel andeutet, war es nicht nur ein Versuch, die poetischen Materialfragen der Arte Povera zu erkunden, sondern markierte vielmehr einen Moment, in dem diese konzeptionellen Künstler begannen, ihre Praktiken zu nutzen, um sich einer existenziellen Frage zu stellen, die bis heute drängend bleibt: die Vorstellung, dass Bedeutung und Rationalität so fließend und vergänglich sind wie die Materialien und Prozesse, die bei der Schaffung ihrer Kunst verwendet werden. "Painting as a Butterfly" ist eine Gelegenheit, Calzolari wieder zu begegnen, zu sehen, welche neuen Experimente er ausgeheckt hat und welche alten Rätsel er in den letzten Jahren heraufbeschworen hat, und erneut zu versuchen, durch sein Werk mit uns selbst in Verbindung zu treten.
Seltsame Beziehungen
"Painting as a Butterfly" entfaltet sich über mehrere Galerien auf verschiedenen Ebenen des Museums, hat jedoch dennoch ein seltsames Gefühl, eine überfüllte Ausstellung zu sein – dies trotz des vielen leeren Raums in den Räumen und zwischen den Werken. Aber das ist keine schlechte Sache. Es ist die Persönlichkeit der Gemälde und Objekte, die so viel Raum einnimmt. Nehmen wir zum Beispiel "Senza titolo" (2014-15), eine Installation aus neun bemalten Tafeln, die in einem maßgeschneiderten Raum von der Wand hängen. Die Tafeln ragen in einer gebogenen Formation von der Wand hervor; sieben sind rot, eine ist gelb und eine ist weiß; jede enthält einen Teil einer Komposition – ein explodierendes Kosmos aus Linien und Formen. Das Werk ist gleichzeitig hypnotisierend und abstoßend. Die Ausstellungsweise ist so ungewöhnlich, dass sie als Inhalt in den Vordergrund tritt, während die materielle Präsenz der Tafeln gleichzeitig um Aufmerksamkeit konkurriert. Die bemalte Komposition auf den Tafeln ist unterdessen sublim schön. Die Beziehung zwischen diesen Elementen und dem Betrachter ist umstritten, wodurch das Werk fast wie ein wildes Tier erscheint, das in einem zu kleinen Käfig eingesperrt ist.
Pier Paolo Calzolari - Monochrom blau, 1979. Private Sammlung. Foto © Michele Alberto Sereni
Ähnlich hängt das massive „Monocromo blu“ (1979) an einer riesigen Wand in einem riesigen Raum, und doch ist es so hoch aufgehängt, dass man den Hals nach oben strecken muss, um das Werk zu sehen. Der einzige Weg, das Gemälde bequem zu erleben, ist aus der Ferne, es nicht als eigenständiges Kunstwerk, sondern eher als ein relationales ästhetisches Element der Architektur zu betrachten. An anderen Stellen der Ausstellung konkurrieren die Werke ständig miteinander und mit sich selbst um Platz zum Atmen. Aber nicht immer. Gelegentlich hängt ein Gemälde allein im sanften Scheinwerferlicht und wirkt wie eine Art Oase – eine Gelegenheit, ein Gemälde einfach zu betrachten, ohne sich konfrontiert zu fühlen. Das ist ein Teil dessen, worin Calzolari so gut ist. Er ist eine Brücke zwischen der konzeptionellen Kunst der Mitte des Jahrhunderts und der zeitgenössischen relationalen Kunst; ein Künstler, der es irgendwie geschafft hat, den verwirrenden und konfrontativen Geist eines Happening in den ruhigen, meditativen Körper einer kuratierten Ausstellung einzuführen.
Pier Paolo Calzolari - Ohne Titel (Platz lassen), 1972. Private Sammlung. Foto © Michele Alberto Sereni
Der Mythos des Moments
Obwohl "Painting as a Butterfly" sich mit jedem Aspekt des komplexen Werkes von Calzolari auseinandersetzt, sind die vorausschauendsten Werke in der Ausstellung seine Multimedia- oder, wie der Kurator sie nennt, "multimaterialen" Werke. Viele von ihnen zeigen skulpturale Tableaus mit Motoren oder Pumpen, die auf dem Boden vor einem Gemälde hängen, das an der Wand hängt. Wenn man auf eines dieser unheimlichen Assemblagen starrt, ist es leicht, das Gefühl zu haben, zwischen dem Eindruck gefangen zu sein, dass etwas passiert ist, etwas passiert oder etwas kurz davor ist, zu passieren. Die Tatsache, dass Handlungen stattgefunden haben oder in Bewegung gesetzt wurden, ist unbestreitbar, doch man kann sich fast nicht vorstellen, warum. Die kinetische Qualität des Werkes impliziert eine Bedeutung oder einen Zweck – ein Was, das ein Warum suggeriert. Aber das könnte auch nur Teil des Humors des Werkes sein – eine zusätzliche Schicht der Abstraktion, die die Augen und den Verstand eines Betrachters daran hindert, das ästhetische Phänomen einfach für das zu erleben, was es konkret ist.
Pier Paolo Calzolari - La Grande Cuisine, 1985. Private Sammlung Lissabon. Foto © Michele Alberto Sereni
Diese „Multi-Material“-Phänomene fordern uns auf, sie aus einer verwirrten Perspektive zu betrachten. Betrachten wir ein eigenständiges Kunstwerk? Oder schauen wir auf ein Überbleibsel eines Ereignisses oder einen Vorgänger von etwas, das später geschehen wird? Wir bleiben mit dem Gefühl zurück, ein wenig betrogen worden zu sein, weil wir die Mechanismen, die zur Manifestation dieses „was auch immer es ist“ führten, nicht gesehen haben, noch sind wir in die konzeptionellen Abschweifungen eingeweiht, die seine Planung informierten, noch werden wir lange genug da sein, um seine Erfüllung zu sehen, falls ein solches Ereignis jemals eintritt. Zwischen Beweis und Erwartung gefangen, beschäftigen wir unsere Augen und Herzen mit materiellen Freuden. Bedeutung geht verloren, also akzeptieren wir die Sinnlosigkeit oder erfinden unsere eigenen Bedeutungen basierend auf unseren eigenen Zwecken, die wenig mit denen des Künstlers zu tun haben. Calzolari bringt uns geschickt in etwas, das sich wie der Moment anfühlt, lässt uns aber fragen: Existiert der Moment wirklich? Pier Paolo Calzolari: Painting as a Butterfly ist bis zum 30. September 2019 im Museo MADRE in Neapel, Italien, zu sehen.
Vorschaubild: Pier Paolo Calzolari - Senza titolo, 2014-2015. Private Sammlung Lissabon. Foto © Michele Alberto Sereni
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken.
Von Phillip Barcio
