"Die Wiederentdeckung des Color Field und Op Art des gefeierten polnischen Künstlers Wojciech Fangor"

Wojciech Fangor hatte ein Talent dafür, sowohl Einfachheit als auch Tiefe in seiner Kunst auszudrücken. Ursprünglich in den 1930er Jahren in seiner Heimat Polen als realistischer Künstler ausgebildet, entwickelte er in den frühen Jahren seiner Karriere seine Fähigkeiten als figürlicher Maler, Grafikdesigner und Architekt. Nach dem Zweiten Weltkrieg widmete er, wie viele seiner polnischen Zeitgenossen, seine Bemühungen der Schaffung von Bildern, die den Sozialistischen Realismus förderten. Doch im Laufe der Zeit erweiterte er sein Interesse über die figürliche Malerei hinaus, und letztendlich war es seine abstrakte Arbeit, die seinen Ruf als einen der einflussreichsten polnischen Künstler des 20.^ten Jahrhunderts sicherte. Sein Weg zur Abstraktion begann in den 1950er Jahren, als er begann, die Möglichkeiten zu erkunden, wie gemalte Kompositionen die Wahrnehmung der Betrachter von physischem Raum beeinflussen könnten. Die abstrakten Werke, die aus dieser Untersuchung hervorgingen, sind seine ikonischsten Errungenschaften. Mehrere von ihnen wurden in der wegweisenden MoMA-Ausstellung The Responsive Eye von 1965 gezeigt, die Op Art in das öffentliche Bewusstsein einführte. (Fangor war der einzige in Polen geborene Maler, der in dieser Ausstellung vertreten war.) Fokussiert auf Kreise, Diagonalen und Wellenformen, ziehen diese Gemälde das Auge in die Wahrnehmung von Bewegung. Nuancen treten an den Rändern hervor, wo die Formen sich auflösen. Feinheiten der gedämpften Farbbeziehungen inspirieren zur Kontemplation der umgebenden Leere. Mit diesen Werken überbrückte Fangor die Augen-Tricks, die normalerweise mit Op Art assoziiert werden, mit dem introspektiven mentalen Raum, der mit Color Field Painting verbunden ist. Eine Auswahl der Werke, die Fangor in The Responsive Eye ausstellte, wird ab dem 19. April 2018 wieder zu sehen sein, in der Eröffnungsausstellung bei Heather James Fine Art New York. Wojciech Fangor: Die frühen 1960er Jahre verspricht, zeitgenössische Betrachter erneut mit dem Gespräch zu verbinden, das Fangor vor mehr als einem halben Jahrhundert über die abstrakten Geheimnisse von Farbe, Form und bildlicher Raum begann.

Die Anordnung des Raums

Fangor kam zu seiner Wertschätzung für Abstraktion auf einem sehr praktischen Weg. Ein Bahnhof zeigte ihm den Weg. Er war in eine Zusammenarbeit mit einem Paar Architekten verwickelt, um die unterirdischen Bereiche des zentralen Warschauer Bahnsystems neu zu gestalten. Ihr Ziel war es, den Raum humanistischer und weniger klaustrophobisch zu gestalten. Fangor hatte die Idee, abstrakte Mosaikarbeiten in die Steinwände einzufügen, wobei ein Farbschema verwendet wurde, das sich allmählich entwickelte, während die Reisenden durch den Bahnhof eilten. Die kinetische Bewegung der Passanten aktivierte die Bilder an den Wänden und schuf ein dynamisches ästhetisches Erlebnis, das die Menschen mehr mit ihrer Umgebung verband. Seine Arbeit an der Gestaltung der U-Bahn-Station inspirierte Fangor, das Erlebnis der Besucher bei einem Kunstausstellungsbesuch neu zu überdenken. Anstatt Ausstellungen als Gelegenheiten zu betrachten, bei denen Menschen regungslos vor einzelnen Kunstwerken stehen, fragte er sich, wie er den Ausstellungsraum ähnlich aktivieren könnte, wie er die U-Bahn-Station aktiviert hatte.

Wojciech Fangor - #6, 1963, 61 1/4 x 51 1/4 in, Öl auf Leinwand, © Wojciech Fangor, mit freundlicher Genehmigung von Heather James Fine Art New York

Die Lösung, die er fand, wurde in seiner Ausstellung Spatial Study von 1958 präsentiert, die im Salon "Nowa Kultura" in Warschau Premiere hatte. Die Ausstellung gilt als eines der frühesten Beispiele für eine Umweltinstallation. Um das Werk zu schaffen, arbeitete Fangor mit StanisÅ‚aw Zamecznik zusammen, einem der Architekten des U-Bahn-Projekts. Gemeinsam entwickelten sie ein Szenario, in dem die Kunstbetrachter befähigt wurden, sich frei durch einen Raum zu bewegen und ästhetische Elemente auf ihrem Weg zu erleben. Ihre Bewegung war ebenso wichtig für ihr Erlebnis wie die Kunst. Fangor schuf 20 abstrakte Gemälde für die Installation. Er hängte vier der Gemälde an die Wand, und die anderen 16 waren im Raum auf Staffeleien verteilt. Die Bilder spielten optische Tricks miteinander, abhängig von der Perspektive des Betrachters. Jeder Betrachter, der eintrat, wählte seinen eigenen Weg durch die Installation. Während sie sich im Raum bewegten, entwickelten sich die optischen Tricks weiter. Ihr Erlebnis änderte sich je nach ihren Bewegungen.

Wojciech Fangor - Schwarz und Pink, 1960, 38 x 31 Zoll, Öl auf Leinwand, © Wojciech Fangor, mit freundlicher Genehmigung von Heather James Fine Art New York

Die Eliminierung der Oberfläche

Fangor hatte mehrere Erkenntnisse, während er die abstrakten Werke für die Installation Spatial Study schuf. Eine wichtige Entdeckung war, dass er, als er eine optisch abstrakte Komposition erschuf, wahrnahm, dass das Bild schien, von der Oberfläche abzuheben und in den Raum zu projizieren. Er nannte dieses Phänomen „positive illusorische Raum“. Er begann, den Prozess der Schaffung von positivem illusorischen Raum als die schrittweise Eliminierung der Oberfläche zu betrachten. Mit anderen Worten, je mehr illusorischen Raum er mit einem Bild schaffen konnte, desto weniger würde der Betrachter wahrnehmen, dass es überhaupt eine Oberfläche gab, die das Bild stützte – die Formen schienen im Nichts zwischen der Leinwand und den Augen des Betrachters zu schweben. Diese Idee steht im Mittelpunkt der meisten Bilder, die Fangor in The Responsive Eye zeigte, und die in der Heather James Fine Art New York ausgestellt werden.

Wojciech Fangor - Pink und Schwarzer Spindel, 1960, 39 x 29 1/2 Zoll, Öl auf Leinwand, © Wojciech Fangor, mit freundlicher Genehmigung von Heather James Fine Art New York

Die Illusion von Raum in diesen Arbeiten wird durch die Art und Weise verstärkt, wie Fangor die Ränder seiner Formen verwischt hat. Die spektralen Farben verblassen, während die Formen scheinbar vom Hintergrund abgetrennt erscheinen. Konzentrierte Ringe scheinen zu pulsieren; eine Welle von Farbe ripplet über eine Leinwand und scheint vor dem Auge zu fluktuieren; eine vertikale Säule von Mondsicheln scheint in Zeitlupe vom Himmel zu fallen. Diese Gemälde besitzen eine nuancierte kinetische Sensibilität. Je näher man die Formen betrachtet und je länger man starrt, desto mehr scheinen sie tatsächlich im Raum zu schweben. Während die Formen dreidimensionaler werden, werden die Farben flüchtiger, und die Oberfläche gleitet in die Ferne. Im Vergleich zu den Arbeiten anderer Op-Art-Pioniere wie Bridgett Riley und Victor Vasarely sind die Gemälde, die Fangor geschaffen hat, subtil. Doch wenn man über die weite Ausdehnung seines gesamten Werkes blickt, wird offensichtlich, dass sie eine entscheidende Rolle in seiner Entwicklung und in den Entdeckungen spielten, die seine Generation über die Geheimnisse von Form und Raum gemacht hat. Wojciech Fangor: Die frühen 1960er Jahre ist vom 19. April bis 30. Juni 2018 in Heather James Fine Art New York zu sehen.

Vorschaubild: Wojciech Fangor - Square 21, 1962, 35 1/2 x 35 1/2 Zoll, Öl auf Leinwand, © Wojciech Fangor, mit freundlicher Genehmigung von Heather James Fine Art New York

Von Phillip Barcio