"Die Wiederentdeckung des Color Field und Op Art des gefeierten polnischen Künstlers Wojciech Fangor"

Wojciech Fangor hatte ein Talent dafür, sowohl Einfachheit als auch Tiefe in seiner Kunst auszudrücken. Ursprünglich in den 1930er Jahren in seiner Heimat Polen als realistischer Künstler ausgebildet, verbrachte er die frühen Jahre seiner Laufbahn damit, sich zu einem versierten figurativen Maler, Grafiker und Architekten zu entwickeln. Nach dem Zweiten Weltkrieg widmete er sich wie viele seiner polnischen Zeitgenossen der Schaffung von Bildern, die den Sozialistischen Realismus förderten. Doch mit der Zeit erweiterte er sein Interesse über die figurative Malerei hinaus, und letztlich war es seine abstrakte Arbeit, die seinen Ruf als einer der einflussreichsten polnischen Künstler des 20. Jahrhunderts festigte. Sein Weg zur Abstraktion begann in den 1950er Jahren, als er begann, die Möglichkeiten zu erforschen, wie gemalte Kompositionen die Wahrnehmung des physischen Raums durch die Betrachter beeinflussen können. Die abstrakten Werke, die aus dieser Untersuchung hervorgingen, sind seine ikonischsten Errungenschaften. Mehrere davon wurden in der wegweisenden MoMA-Ausstellung von 1965 The Responsive Eye gezeigt, die Op Art in das öffentliche Bewusstsein einführte. (Fangor war der einzige in Polen geborene Maler, der in dieser Ausstellung vertreten war.) Mit Fokus auf Kreise, Diagonalen und Wellenformen verleiten diese Gemälde das Auge dazu, Bewegung wahrzunehmen. Nuancen treten an den Rändern hervor, wo sich die Formen auflösen. Feinheiten der gedämpften Farbzusammenhänge regen zur Betrachtung der umgebenden Leerräume an. Mit diesen Werken verband Fangor die optischen Täuschungen, die normalerweise mit Op Art assoziiert werden, mit dem introspektiven geistigen Raum, der mit Farbflächenmalerei verbunden ist. Eine Auswahl der Werke, die Fangor in The Responsive Eye zeigte, wird ab dem 19. April 2018 in der Erstausstellung bei Heather James Fine Art New York erneut zu sehen sein. Wojciech Fangor: Die frühen 1960er Jahre verspricht, zeitgenössische Betrachter wieder mit dem Gespräch zu verbinden, das Fangor vor mehr als einem halben Jahrhundert über die abstrakten Geheimnisse von Farbe, Form und bildlichem Raum begann.

Die Anordnung des Raums

Fangor gelangte zu seiner Wertschätzung der Abstraktion auf einem sehr praktischen Weg. Ein Bahnhof zeigte ihm den Weg. Er arbeitete mit einem Paar Architekten zusammen, um die unterirdischen Bereiche des zentralen Warschauer Eisenbahnsystems neu zu gestalten. Ihr Ziel war es, den Raum menschlicher und weniger klaustrophobisch zu machen. Fangor hatte die Idee, abstrakte Mosaikarbeiten in die Steinwände einzufügen, wobei ein Farbschema verwendet wurde, das sich allmählich entwickelte, während die Reisenden durch den Bahnhof eilten. Die kinetische Bewegung der Vorübergehenden aktivierte die Bilder an den Wänden und schuf ein dynamisches ästhetisches Erlebnis, das die Menschen mehr mit ihrer Umgebung verbinden ließ. Seine Arbeit an der Gestaltung der U-Bahn-Station inspirierte Fangor dazu, das Erlebnis der Betrachter bei einem Kunstausstellung neu zu denken. Anstatt Ausstellungen als Gelegenheiten zu sehen, bei denen Menschen regungslos vor einzelnen Kunstwerken stehen, fragte er sich, wie er den Ausstellungsraum ähnlich aktivieren könnte wie die U-Bahn-Station.

Wojciech Fangor - #6, 1963, 155,6 x 130,2 cm, Öl auf Leinwand, © Wojciech Fangor, mit freundlicher Genehmigung von Heather James Fine Art New York

Die Lösung, die er fand, wurde in seiner Ausstellung von 1958 Spatial Study vorgestellt, die im Salon „Nowa Kultura“ in Warschau Premiere hatte. Die Ausstellung gilt als eines der frühesten Beispiele einer Umweltinstallation. Für die Arbeit arbeitete Fangor mit Stanisław Zamecznik zusammen, einem der Architekten des U-Bahn-Projekts. Gemeinsam entwickelten sie ein Szenario, in dem Kunstbetrachter befähigt werden sollten, sich frei durch einen Raum zu bewegen und dabei ästhetische Elemente auf ihrem Weg zu erleben. Ihre Bewegung sollte ebenso wichtig für ihr Erlebnis sein wie die Kunst. Fangor schuf 20 abstrakte Gemälde für die Installation. Vier der Gemälde hängte er an die Wand, die anderen 16 verteilte er auf Staffeleien im Raum. Die Bilder spielten optische Täuschungen miteinander, abhängig von der Perspektive des Betrachters. Jeder Betrachter, der eintrat, wählte seinen eigenen Weg durch die Installation. Während sie den Raum durchquerten, entwickelten sich die optischen Täuschungen weiter. Ihr Erlebnis veränderte sich je nach ihren Bewegungen.

Wojciech Fangor - Schwarz und Rosa, 1960, 96,5 x 78,7 cm, Öl auf Leinwand, © Wojciech Fangor, mit freundlicher Genehmigung von Heather James Fine Art New York

Die Aufhebung der Oberfläche

Fangor machte mehrere Erkenntnisse, während er die abstrakten Werke für die Installation Spatial Study schuf. Eine wichtige Entdeckung war, dass er bei der Schaffung einer optisch abstrakten Komposition wahrnahm, dass das Bild scheinbar von der Oberfläche abzuheben und in den Raum zu projizieren schien. Er nannte dieses Phänomen „positiver illusorischer Raum“. Er begann, den Prozess der Schaffung positiven illusorischen Raums als die allmähliche Aufhebung der Oberfläche zu betrachten. Mit anderen Worten: Je mehr illusorischen Raum er mit einem Bild erzeugen konnte, desto weniger würde der Betrachter wahrnehmen, dass es überhaupt eine Oberfläche gab, die das Bild stützte – die Formen schienen im Nichts zwischen der Leinwand und den Augen des Betrachters zu schweben. Diese Idee steht im Mittelpunkt der meisten Bilder, die Fangor in The Responsive Eye zeigte und die bei Heather James Fine Art New York zu sehen sein werden.

Wojciech Fangor - Rosa und Schwarze Spindel, 1960, 99 x 75 cm, Öl auf Leinwand, © Wojciech Fangor, mit freundlicher Genehmigung von Heather James Fine Art New York

Die Illusion von Raum in diesen Werken wird durch die Art verstärkt, wie Fangor die Ränder seiner Formen verschwimmen ließ. Die spektralen Farben verblassen, während die Formen sich scheinbar vom Hintergrund lösen. Konzentrierte Ringe scheinen zu pulsieren; eine Farbwellle zieht sich über die Leinwand und scheint vor dem Auge zu schwanken; eine vertikale Säule aus Mondsicheln scheint langsam vom Himmel zu fallen. Diese Gemälde besitzen eine feine kinetische Sensibilität. Je genauer man die Formen betrachtet und je länger man sie anstarrt, desto mehr scheinen sie tatsächlich im Raum zu schweben. Während die Formen räumlicher werden, werden die Farben flüchtiger, und die Oberfläche rückt in die Ferne. Im Vergleich zu den Werken anderer Op-Art-Pioniere wie Bridgett Riley und Victor Vasarely sind die Gemälde von Fangor subtil. Doch betrachtet man das weite Spektrum seines übrigen Schaffens, wird deutlich, dass sie eine wichtige Rolle in seiner Entwicklung spielten und in den Entdeckungen, die seine Generation über die Geheimnisse von Form und Raum machte. Wojciech Fangor: Die frühen 1960er Jahre ist vom 19. April bis 30. Juni 2018 bei Heather James Fine Art New York zu sehen.

Abgebildetes Bild: Wojciech Fangor - Quadrat 21, 1962, 90 x 90 cm, Öl auf Leinwand, © Wojciech Fangor, mit freundlicher Genehmigung von Heather James Fine Art New York

Von Phillip Barcio