Wadsworth Atheneum Museum of Art ehrt den abstrakten Expressionisten-Skulpteur Herbert Ferber

Herbert Ferber war ein Rätsel. Er war einer der einflussreichsten Künstler des 20.^th Jahrhunderts, und doch haben die meisten Menschen heute noch nie von ihm gehört. Ferber verkehrte mit den berühmtesten der Berühmten – Pollock, Krasner, de Kooning, Motherwell, Rothko. Er stellte sogar zusammen mit ihnen in der Betty Parsons Gallery aus. Tatsächlich war Ferber einer der 18 „Irascibles“, die 1950 einen offenen Brief an das Metropolitan Museum of Art schrieben, um gegen die Ausstellung American Painting Today zu protestieren. Er ist Teil der berühmten, berüchtigten Gruppe, die den Artikel in Life Magazine begleitete, der dafür bekannt ist, den Abstract Expressionism der Welt vorzustellen. Trotz all dieser Ruhmestitel ist Ferber jedoch nicht gerade ein bekannter Name. Ein Grund dafür könnte sein, dass er es so wollte. Ferber ist äußerst schwierig zu beschreiben, da er sehr der Idee verpflichtet war, dass Kunst weit wichtiger sein sollte als die Künstler. Er war der Meinung, dass die Idee hinter dem Werk diskutiert werden sollte und dass die Frage, wie gut die Idee verwirklicht wurde, der Fokus aller Kunstschreiberei sein sollte. Dennoch, so gültig dieser etwas existenzialistische Standpunkt auch sein mag, erscheint es mir wichtig, über den Künstler in gewissem Maße zu sprechen. Ohne Künstler und die Eigenheiten, die sie dazu bringen, die Dinge zu tun, die sie tun, gäbe es keine Kunst, die man betrachten oder über die man schreiben könnte. Besonders im Fall von Ferber sind die Details seines persönlichen Lebens entscheidend für die Ideen, die er entwickelte. Wenn Sie mit seinen Ideen nicht vertraut sind, ist dies der perfekte Zeitpunkt, um sich damit vertraut zu machen. Eine Retrospektive im Wadsworth Atheneum Museum of Art in Hartford, Connecticut, mit dem Titel Herbert Ferber: Space in Tension, zeigt 40 Werke des Künstlers, die seine gesamte Karriere umfassen und die Grundlage für das Verständnis seiner Bedeutung für die Entwicklung der abstrakten Kunst legen.

Bau es auf, brech es ab

Geboren in New York City im Jahr 1906, kam Ferber über die Zahnarztschule zur Bildhauerei. Er musste anatomische Studien im Unterricht anfertigen. Einer seiner Lehrer erkannte, dass er besonders talentiert im Zeichnen von Körperteilen war, und empfahl Ferber, Kunst als eine Art zusätzliches Hobby zur Zahnmedizin zu verfolgen. Ferber schrieb sich umgehend für Abendkurse am Beaux-Arts Institute of Design in New York ein. Obwohl er die Zahnarztschule abschloss und sogar Teilzeit als Zahnarzt arbeitete, verschlang seine Leidenschaft für die Ideen, die er an der Kunstschule entdeckte, schnell all seine Freizeit. Er begann mit Zeichnen und Malen, fühlte sich aber bald mehr zum konzeptionellen Bereich der Bildhauerei hingezogen.

Herbert Ferber - Rutgers #6, 1959, © Nachlass von Herbert Ferber

Seine ersten skulpturalen Experimente bestanden darin, Schichten von Gips aufzubauen, um figurative Modelle der menschlichen Gestalt zu schaffen. Ferber bezeichnete diesen Prozess des Aufbaus einer skulpturalen Form mit Schichten als eine „zeitlose“ Tradition. Doch seine Neugier erforderte, dass er andere Methoden verfolgte. Er war beeindruckt von der Art und Weise, wie die romanische Architektur ein falsches Gefühl von Maßstab und Perspektive erzeugte. Er mochte, wie der leere Raum innerhalb, sagen wir, einer Kirche, ebenso viel Bedeutung erlangte wie die physische Struktur selbst. Diese Idee eines Rahmens, der mit offenem Raum zusammenarbeitet, inspirierte ihn. Das Aufbauen einer Skulptur oder sogar das Herausarbeiten einer Skulptur konnte dieses gleiche Gefühl von Raum nicht erreichen, also entschied er sich, mit Metall zu arbeiten. Der Schweißprozess ermöglichte es ihm, das zu schaffen, was er „offene Skulpturen“ nannte, oder Formen, die so zusammengesetzt waren, dass sie sowohl feste Materialien als auch leeren Raum einbezogen.

Herbert Ferber - Apokalyptischer Reiter II, 1947, © Nachlass von Herbert Ferber

Gestische Abstrakte Skulptur

Die erste große Ausstellung, die Ferber erhielt, fand in der Betty Parsons Gallery statt. Sie umfasste das, was er als „gestische“ Skulpturen bezeichnete – „naturalistische“ Formen mit „einer Art gestischer Anordnung“. Die Arbeiten wurden von einigen Kritikern als surreal und von anderen als abstrakt angesehen. Ferber sagte, dass keine der Beschreibungen ganz zutreffend sei. Er experimentierte einfach mit Möglichkeiten, um an einfache Ideen heranzukommen. Er wollte Formen schaffen, die den Raum durchdrangen. Er wollte verstehen, was der Unterschied zwischen Form und Raum ist. Er wollte erkunden, wie eine physische Geste sich als festes Objekt manifestieren könnte. Er wollte seinen Materialien und Prozessen erlauben, ihre Wahrheit auszudrücken. Diese, so wies Ferber hin, waren die Themen, über die alle Künstler der New Yorker Schule zu dieser Zeit sprachen. Sie waren jedoch für die kaufende Öffentlichkeit keine wichtigen Themen, die Ferber und die meisten seiner Zeitgenossen, zumindest in den frühen Tagen, weitgehend ignorierten.

Herbert Ferber - Hommage an Piranesi IV B, 1963-64, © Nachlass von Herbert Ferber

Trotz seiner Armut und der weitgehenden Ignoranz blieben Ferber und die anderen philosophisch und idealistisch. Er erinnert sich daran, endlos mit anderen Künstlern über ein einzelnes Kunstwerk zu sprechen und immer tiefer in dessen konzeptionelle Auswirkungen einzutauchen. Wie er in einem Interview im Jahr 1968 für die Smithsonian Archives of American Art sagte: „Wir haben nicht über die Art von Geschäft gesprochen, die ich heutzutage höre, wo du zeigst oder was du verkaufst oder welche Aufträge du bekommen hast. Es ging immer um die Ideen, die mit dem Abbrechen von oder dem Entwickeln hin zu einer neuen Form oder einer neuen Idee verbunden sind.“ Schließlich reiften diese Ideen zu den gut etablierten Gesprächspunkten, die jetzt unzählige Museumsausstellungen und Essays über die amerikanische Kunst des mittleren 20. Jahrhunderts definieren. Ferber ging jedoch über sie hinaus. Er entwickelte sich weiter und forderte sich in seinem Atelier heraus. Jede Entscheidung, die er als Künstler traf, ermöglichte es ihm, eine Idee zu verwirklichen, und das blieb bis zum Ende sein Hauptfokus. Seine Abneigung gegen Selbstverherrlichung könnte ihn unter dem Radar der Massenmedien gehalten haben, da er immer den Ideen und nicht seinem Namen Anerkennung zollte, aber es verlieh seiner Arbeit auch Authentizität, Vitalität und Kraft. Herbert Ferber: Space in Tension ist bis zum 29. Juli 2018 im Wadsworth Atheneum Museum of Art zu sehen.

Titelbild: Herbert Ferber: Raum in Spannung, Installationsansicht im Wadsworth Atheneum Museum of Art, © Wadsworth Atheneum Museum of Art

Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken.

Von Phillip Barcio