Wadsworth Atheneum Museum of Art ehrt den abstrakten Expressionisten-Skulpteur Herbert Ferber

Herbert Ferber war ein Rätsel. Er gehörte zu den einflussreichsten Künstlern des 20.^ten Jahrhunderts, und doch haben die meisten Menschen heute noch nie von ihm gehört. Ferber verkehrte mit den Berühmtesten der Berühmten – Pollock, Krasner, de Kooning, Motherwell, Rothko. Er stellte sogar gemeinsam mit ihnen in der Betty Parsons Galerie aus. Tatsächlich war Ferber einer der 18 „Irascibles“, die 1950 einen offenen Brief an das Metropolitan Museum of Art schrieben, um gegen die Ausstellung American Painting Today zu protestieren. Er ist Teil der berühmten Gruppe, die im berüchtigten Life Magazine-Artikel gezeigt wurde, der als Einführung des Abstrakten Expressionismus in die Welt gilt. Trotz all dieser Ruhmeszeichen ist Ferber jedoch kein bekannter Name im allgemeinen Bewusstsein. Ein Grund dafür könnte sein, dass er es genau so wollte. Ferber ist sehr schwer zu beschreiben, weil er fest daran glaubte, dass die Kunst viel wichtiger sein sollte als die Künstler. Er meinte, dass die Idee hinter dem Werk diskutiert werden sollte und dass die Frage, wie gut die Idee umgesetzt wurde, im Mittelpunkt aller Kunstbetrachtung stehen sollte. So berechtigt diese etwas existenzielle Sichtweise auch sein mag, erscheint es mir dennoch wichtig, zumindest ein wenig über den Künstler zu sprechen. Ohne Künstler und die Eigenheiten, die sie dazu bringen, das zu tun, was sie tun, gäbe es keine Kunst, die man betrachten oder beschreiben könnte. Besonders im Fall von Ferber sind die Details seines Privatlebens wesentlich für die Ideen, die er entwickelte. Wenn Sie mit seinen Ideen nicht vertraut sind, ist jetzt der perfekte Zeitpunkt, sie kennenzulernen. Eine Retrospektive im Wadsworth Atheneum Museum of Art in Hartford, Connecticut, mit dem Titel Herbert Ferber: Raum in Spannung zeigt 40 Werke des Künstlers, die seine gesamte Laufbahn umfassen und die Grundlage zum Verständnis seiner Bedeutung für die Entwicklung der abstrakten Kunst legen.

Aufbauen, Zerlegen

Geboren 1906 in New York City, kam Ferber über die Zahnmedizin zur Bildhauerei. Im Unterricht musste er anatomische Studien anfertigen. Einer seiner Lehrer erkannte sein besonderes Talent beim Zeichnen von Körperteilen und empfahl ihm, Kunst als eine Art nebenberufliches Hobby zur Zahnmedizin zu verfolgen. Ferber schrieb sich daraufhin in Abendkurse am Beaux-Arts Institute of Design in New York ein. Obwohl er sein Zahnmedizinstudium abschloss und sogar zeitweise als Zahnarzt arbeitete, nahm seine Leidenschaft für die Ideen, die er in der Kunstschule kennenlernte, bald all seine freie Zeit in Anspruch. Er begann mit Zeichnung und Malerei, fühlte sich aber bald mehr zur konzeptuellen Welt der Bildhauerei hingezogen.

Herbert Ferber - Rutgers #6, 1959, © Nachlass von Herbert Ferber

Seine ersten bildhauerischen Versuche bestanden darin, Schichten von Gips aufzubauen, um figürliche Modelle des menschlichen Körpers zu schaffen. Ferber nannte diesen Prozess des Schichtaufbaus einer bildhauerischen Form eine „bewährte“ Tradition. Doch seine Neugier trieb ihn dazu, andere Methoden zu erforschen. Er war beeindruckt davon, wie die romanische Baukunst ein falsches Gefühl von Maßstab und Perspektive erzeugte. Er mochte, wie der leere Raum innerhalb, zum Beispiel einer Kirche, genauso wichtig wurde wie die physische Struktur selbst. Diese Idee eines Rahmens, der mit dem offenen Raum zusammenarbeitet, inspirierte ihn. Das Aufbauen einer Skulptur oder sogar das Herausarbeiten einer Skulptur konnte dieses Raumgefühl nicht erreichen, also entschied er sich, mit Metall zu arbeiten. Der Schweißprozess ermöglichte es ihm, sogenannte „offene Skulpturen“ zu schaffen, Formen, die so zusammengesetzt wurden, dass sie sowohl feste Materialien als auch leeren Raum einbezogen.

Herbert Ferber - Apocalyptic Rider II, 1947, © Nachlass von Herbert Ferber

Gestische abstrakte Bildhauerei

Die erste große Ausstellung, die Ferber erhielt, fand in der Betty Parsons Galerie statt. Sie zeigte, was er „gestische“ Skulpturen nannte – „naturalistische“ Formen mit „einer Art gestischer Anordnung“. Die Werke wurden von einigen Kritikern als surreal und von anderen als abstrakt angesehen. Ferber meinte, keine dieser Beschreibungen sei ganz zutreffend. Er experimentierte einfach mit Wegen, um einfache Ideen auszudrücken. Er wollte Formen schaffen, die den Raum durchdringen. Er wollte verstehen, was der Unterschied zwischen Form und Raum ist. Er wollte erforschen, wie eine körperliche Geste als fester Gegenstand sichtbar werden kann. Er wollte seinen Materialien und Arbeitsweisen erlauben, ihre Wahrheit auszudrücken. Diese Fragen, so Ferber, waren die Themen, über die alle Künstler der New Yorker Schule damals sprachen. Für die kaufkräftige Öffentlichkeit waren sie jedoch nicht wichtig, die Ferber und die meisten seiner Zeitgenossen zumindest in den Anfangstagen weitgehend ignorierte.

Herbert Ferber - Hommage an Piranesi IV B, 1963-64, © Nachlass von Herbert Ferber

Trotz Armut und weitgehender Ignoranz blieben Ferber und die anderen philosophisch und idealistisch. Er erinnert sich, wie sie endlos mit anderen Künstlern über ein einziges Kunstwerk sprachen und immer tiefer in dessen gedankliche Verzweigungen eindrangen. Wie er in einem Interview 1968 für die Smithsonian Archives of American Art sagte: „Wir sprachen nicht über das Geschäft, wie ich es heute höre, also wo man ausstellt oder was man verkauft oder welche Aufträge man bekommen hat. Es ging immer um die Ideen, die mit dem Bruch oder der Entwicklung hin zu einer neuen Form oder einer neuen Idee verbunden sind.“ Schließlich reiften diese Ideen zu den wohlbekannten Themen heran, die heute zahllose Museumsausstellungen und Aufsätze über die amerikanische Kunst der Mitte des 20. Jahrhunderts prägen. Ferber ging jedoch darüber hinaus. Er entwickelte sich ständig weiter und forderte sich in seinem Atelier immer wieder heraus. Jede Entscheidung, die er als Künstler traf, diente dazu, eine Idee zu verwirklichen, und das blieb bis zum Ende sein Hauptanliegen. Seine Abneigung gegen Selbstverherrlichung hielt ihn zwar von der breiten Öffentlichkeit fern, da er stets den Ideen und nicht seinem Namen die Ehre gab, verlieh seiner Arbeit aber zugleich Echtheit, Lebendigkeit und Kraft. Herbert Ferber: Raum in Spannung ist bis zum 29. Juli 2018 im Wadsworth Atheneum Museum of Art zu sehen.

Titelbild: Herbert Ferber: Raum in Spannung, Installationsansicht im Wadsworth Atheneum Museum of Art, © Wadsworth Atheneum Museum of Art

Alle Bilder dienen nur zur Veranschaulichung

Von Phillip Barcio