(Wieder)Entdeckung von Vivian Springfords Fleckgemälden

Die Almine Rech Galerie in New York eröffnete kürzlich ihre zweite große Einzelausstellung mit Werken von Vivian Springford. Die Künstlerin ist Gegenstand einer langsamen Neubewertung, die Ende der 1990er Jahre begann, als ihr fast aufgegebenes Atelier in Chelsea – vollgestopft mit einem staubbedeckten Schatz an Gemälden aus Jahrzehnten – von ihrer Betreuerin entdeckt wurde. Zum Zeitpunkt der Entdeckung war Springford praktisch unbekannt, da sie seit mehr als einem Jahrzehnt nicht mehr gemalt hatte (sie hörte Mitte der 1980er Jahre mit dem Malen auf, nachdem eine Makuladegeneration ihr das Augenlicht raubte). Sie hatte ihre Werke mehr als 15 Jahre lang nicht ausgestellt. Doch Anfang der 1960er Jahre stand sie kurz davor, ihren Platz unter den berühmtesten Künstlern ihrer Generation einzunehmen. Gerade als ihr Ruf sich festigte, gab Springford den vom abstrakten Expressionismus inspirierten, gestischen Stil auf, der ihr Aufmerksamkeit verschafft hatte, und wandte stattdessen eine Farbflächenmaltechnik mit Einweichflecken an. Gleichzeitig stellte sie fast vollständig den Verkauf und die Ausstellung ihrer Werke ein, abgesehen von einigen wenigen Ausstellungen über mehrere Jahrzehnte hinweg. Die letzten zwanzig Jahre ihrer Laufbahn widmete sie der Entwicklung einer einzigartigen und sofort erkennbaren abstrakten Bildsprache, die durch konzentrische, biomorphe Ringe aus durchscheinender Farbe gekennzeichnet ist. Als sie 2003 starb, hinterließ sie nicht nur ein beeindruckendes, aber kaum bekanntes Werk, sondern auch ein faszinierendes Rätsel – warum sollte eine talentierte und gut vernetzte Künstlerin, die auf dem Weg zum Ruhm war, plötzlich den Kunstmarkt verlassen, der sie liebte? Die aktuelle Ausstellung bei Almine Rech ist nur der jüngste Versuch, das Werk dieser Künstlerin ins Rampenlicht zu rücken. Die fast 20 Werke der Ausstellung festigen Springfords Ruf als Virtuosin und geben zugleich einige Hinweise darauf, warum diese Künstlerin sich eher in die Abgeschiedenheit als ins Rampenlicht zurückzog.

Form und Nichts

Die konzentrischen Kreisfleckengemälde, die Springford in den letzten zwei Jahrzehnten ihres Lebens malte, unterscheiden sich für mich grundlegend von ihren früheren Werken durch das Zusammenspiel, das sie zwischen Form und Nichts zeigen. Ihre früheren Werke bevorzugen undurchsichtige, dunkle, amorphe Farbflächen, die schnell in der Tradition chinesischer kalligraphischer Zeichen gesetzt wurden. Diese dunklen, gestischen Flächen sind voller Emotion und urtümlich in ihrer Präsenz, dominieren die Komposition und bieten dem Betrachter einen klaren Blickpunkt. Selbst wenn eine bestimmte Form in diesen Gemälden nicht erkennbar ist, schaffen die Massen dunkler Farbe eine eindeutige Präsenz. Im Gegensatz dazu setzt Springford in ihren späteren kreisförmigen Fleckengemälden auf Durchsichtigkeit und Leuchtkraft, was verhindert, dass ein einzelnes Element die Komposition dominiert.

Vivian Springford – Ohne Titel, 1972. Acryl auf Leinwand. 124,5 x 124,5 cm (49 x 49 Zoll).

Die Entscheidung in ihren späteren Gemälden, jeder Farbschicht, jeder Farbe und jedem Bereich des Bildes denselben Wert zu geben, deutet für mich nicht nur auf eine ästhetische Entwicklung hin, sondern auch darauf, dass Springford eine Entwicklung in ihrer Denkweise durchlief. Indem sie die Betrachter in das Zusammenspiel von Oberfläche, Farbe und Licht einbezieht, laden diese Gemälde uns in ihren Entstehungsprozess ein. Sie handeln mehr von Lockerheit und Freiheit als von Struktur und Gefühl. Sie sind Bilder der Verwandlung, schwebend zwischen einem Zustand der Meisterschaft und einem Zustand völliger Erprobung. Im Vergleich zum abgeleiteten Gefühl ihrer früheren abstrakten expressionistischen Werke besitzen diese Einweichfleckengemälde eine Authentizität, die darauf hindeutet, dass sie von einer Künstlerin gemalt wurden, die sich mit dem Gedanken an Grenzbereiche wohlfühlte. Kein Bedürfnis nach Gewissheit scheint mit keinem Bedürfnis nach Anerkennung verbunden zu sein, was vielleicht erklärt, warum Springford diese Werke so selten ausstellte.

Vivian Springford – Ohne Titel, 1983. Acryl auf Leinwand. 69,2 x 67,3 cm (27 1/4 x 26 1/2 x 1 1/8 Zoll).

Zeit messen

Es erscheint mir auch natürlich, diese späten Einweichfleckengemälde als Prozesswerke zu bezeichnen. Ich möchte nicht andeuten, dass sie als Gegenstände weniger wichtig sind als die Prozesse, die zu ihrer Entstehung führten. Vielmehr zeigen sie die Bedeutung des Prozesses auf. Wie die konzentrischen Ringe, die man am Stumpf eines gefällten Baumes sieht, sind die konzentrischen Ringe dieser Gemälde Aufzeichnungen des Zeitablaufs. Jeder Ring erinnert uns daran, wie lange es dauerte, bis eine Farbschicht aufgetragen, sich ausgebreitet und mit ihrem Untergrund verbunden hatte. Nichts in diesen Gemälden geschieht hastig. Ihre ästhetische Präsenz ist das Ergebnis allmählich wirkender Kräfte, die nach unerwarteten Regeln arbeiten. Die Gemälde lenken die Aufmerksamkeit auf die Entstehungsprozesse und zugleich auf das Konzept von Prozessen allgemein.

Installationsansichten von Vivian Springford, Almine Rech New York, 13. November 2020 – 13. Januar 2021

Springford sagte einmal, dass Malen für sie ein „Versuch war, sich mit dem universellen Ganzen zu identifizieren... Ich möchte mein eigenes kleines Stück oder Muster von Energie finden, das das innere Ich in rhythmischer Bewegung und Farbe ausdrückt. Das weite Zentrum des Universums, der Sterne und der Natur ist meine ständige Herausforderung in abstrakten Begriffen.“ Als Künstlerin widmete sie sich den Anfängen, wie dem Universum im Moment kurz vor dem Urknall. Jedes ihrer Einweichfleckengemälde ähnelt tatsächlich einem Universum kurz nach dem Urknall, das sich noch ausdehnt, explodiert und sich in etwas Einzigartiges verwandelt, dessen endgültige Natur unbekannt ist. Möglicherweise sah sie ihr gesamtes Werk und ihre gesamte Laufbahn auf dieselbe Weise wie jedes dieser Gemälde. Das würde erklären, warum ihre Verantwortung nicht darin lag, die Gemälde auszustellen oder zu verkaufen oder überhaupt jemanden wissen zu lassen, dass sie sie gemalt hatte. Vielmehr war ihre Priorität, die Natur ihrer Materialien zu verstehen, die Kräfte zu entdecken, die in ihrer Technik wirken, und diese Kräfte in den von ihr geschaffenen Welten freizusetzen. Springford war, denke ich, gottgleich in ihrer Bereitschaft, den Rest von uns darüber nachdenken zu lassen, wohin das alles führt.

Titelbild: Vivian Springford – Ohne Titel, 1971. Acryl auf Leinwand. 127 x 127 x 2,5 cm (50 x 50 x 1 Zoll).
Alle Bilder dienen nur zur Veranschaulichung
Von Phillip Barcio