(Wieder)Entdeckung von Vivian Springfords Fleckgemälden

Die Almine Rech Gallery in New York hat kürzlich ihre zweite große Einzelausstellung mit Werken von Vivian Springford eröffnet. Die Künstlerin war Gegenstand einer langsamen Neubewertung, die Ende der 1990er Jahre begann, als ihr fast verlassener Chelsea-Atelier – gefüllt mit einem staubumhüllten Schatz von jahrzehntelangen Gemälden – von ihrem Betreuer entdeckt wurde. Zum Zeitpunkt der Entdeckung war Springford praktisch anonym, da sie seit mehr als einem Jahrzehnt nicht mehr gemalt hatte (sie hörte in den mittleren 1980er Jahren auf zu malen, nachdem ihr die Makuladegeneration das Augenlicht geraubt hatte). Sie hatte ihre Arbeiten seit mehr als 15 Jahren nicht mehr ausgestellt. Doch in den frühen 1960er Jahren war sie bereit, ihren Platz unter den berühmtesten Künstlern ihrer Generation einzunehmen. Gerade als ihr Ruf sich zu etablieren begann, gab Springford den von der abstrakten Expressionismus inspirierten, gestischen Stil auf, der ihr Aufmerksamkeit verschafft hatte, und nahm stattdessen eine Technik des Farbflächenmalens mit Saug- und Fleckeneffekten an. Gleichzeitig hörte sie fast vollständig auf, ihre Werke zu verkaufen und auszustellen, mit Ausnahme einer Handvoll Ausstellungen über mehrere Jahrzehnte. Sie widmete die letzten zwanzig Jahre ihrer Karriere der Entwicklung einer einzigartigen und sofort erkennbaren abstrakten visuellen Sprache, die durch konzentrische, biomorphe Ringe aus durchscheinender Farbe gekennzeichnet ist. Als sie 2003 starb, hinterließ sie nicht nur ein atemberaubendes, aber kaum bekanntes Werk, sondern auch ein fesselndes Rätsel – warum sollte eine talentierte und gut vernetzte Künstlerin, die auf dem Weg war, berühmt zu werden, plötzlich den Kunstmarkt, der sie liebte, verlassen? Die aktuelle Ausstellung in der Almine Rech ist nur der jüngste Versuch, das Werk dieser Künstlerin ins Rampenlicht zu rücken. Die fast 20 Werke in der Ausstellung festigen weiter den Ruf, den Springford als Virtuosin verdient, während sie auch einige Hinweise darauf bietet, warum diese Künstlerin in der Abgeschiedenheit und nicht im Mittelpunkt gelandet sein könnte.

Form und Nichts

Die konzentrischen Kreisfleckenmalereien, an denen Springford die letzten zwei Jahrzehnte ihres Lebens gearbeitet hat, sind für mich grundlegend anders als ihre früheren Werke in dem Zusammenspiel, das sie zwischen Form und Nichts demonstrieren. Ihre früheren Werke bevorzugen opake, dunkle, amorphe Farbbereiche, die schnell in der Tradition der chinesischen kalligraphischen Strichführung gemalt wurden. Diese dunklen, gestischen Bereiche sind voller Emotionen und urtümlich in ihrer Präsenz, dominieren die Komposition und bieten dem Betrachter einen entscheidenden Fokus. Selbst wenn eine spezifische Form in diesen Gemälden nicht erkennbar ist, schaffen die Massen der dunklen Farbe eine unmissverständliche Präsenz. Im Gegensatz dazu umarmt Springford in ihren späteren kreisförmigen Fleckenmalereien die Transluzenz und Lumineszenz, die verhindert, dass ein bestimmtes Element die Kompositionen dominiert.

Vivian Springford - Untitled, 1972. Acryl auf Leinwand. 124,5 x 124,5 cm (49 x 49 in).

Diese Wahl in ihren späteren Gemälden, jeder Farbschicht, jeder Farbe und jeder Zone des Gemäldes den gleichen Wert zu verleihen, deutet für mich nicht nur auf eine ästhetische Evolution hin, sondern auch darauf, dass Springford eine Evolution in ihrer Denkweise durchgemacht hat. Indem sie die Betrachter in das Zusammenspiel von Oberfläche, Farbe und Licht einbezieht, laden diese Gemälde uns in ihren Prozess des Werdens ein. Sie handeln mehr von Lockerheit und Freiheit als von Struktur und Emotion. Sie sind Bilder der Transformation, schwebend zwischen einem Zustand der Meisterschaft und einem Zustand totaler Experimentierfreude. Im Vergleich zu dem abgeleiteten Gefühl ihrer früheren Abstract Expressionist Werke haben diese Soak Stain Gemälde eine Authentizität, die darauf hindeutet, dass sie von einer Künstlerin gemalt wurden, die mit der Idee von liminalen Räumen vertraut war. Nicht nach Gewissheit zu streben, scheint mit dem Nichtnach- Akzeptanz zu tun zu haben, was möglicherweise etwas damit zu tun hat, warum Springford diese Werke so selten ausstellte.

Vivian Springford - Untitled, 1983. Acryl auf Leinwand. 69,2 x 67,3 cm (27 1/4 x 26 1/2 x 1 1/8 in).

Zeit messen

Es erscheint mir auch natürlich, diese späten Soak-Stain-Gemälde als Prozessarbeiten zu bezeichnen. Ich möchte nicht andeuten, dass sie als Objekte weniger wichtig sind als die Prozesse, die zu ihrer Entstehung führten. Vielmehr meine ich, dass sie die Bedeutung des Prozesses offenbaren. Wie die konzentrischen Ringe, die auf dem Stumpf eines gefällten Baumes sichtbar sind, sind die konzentrischen Ringe dieser Gemälde Aufzeichnungen über den Verlauf der Zeit. Jeder Ring erinnert uns an die Zeit, die benötigt wurde, um eine Farbschicht aufzutragen, sie sich auszubreiten und eins mit ihrem Träger zu werden. Nichts in diesen Gemälden geschieht hastig. Ihre ästhetische Präsenz ist das Ergebnis von allmählich wirkenden Kräften, die nach unvorhergesehenen Regeln operieren. Die Gemälde lenken die Aufmerksamkeit auf die Prozesse ihrer Entstehung und ziehen gleichzeitig unsere Aufmerksamkeit auf das Konzept der Prozesse im Allgemeinen.

Installationsansichten von Vivian Springford, Almine Rech New York, 13. November 2020 - 13. Januar 2021

Springford sagte einmal, dass Malerei für sie „ein Versuch ist, sich mit dem universellen Ganzen zu identifizieren…. Ich möchte mein eigenes kleines Stück oder Muster von Energie finden, das das innere Ich in Form von rhythmischer Bewegung und Farbe ausdrückt. Das expansive Zentrum des Universums, der Sterne und der Natur ist meine ständige Herausforderung in abstrakten Begriffen.“ Als Künstlerin war sie den Anfängen gewidmet, wie dem Universum im Moment direkt vor dem Urknall. Jedes ihrer Soak-Stain-Gemälde ähnelt tatsächlich einem Universum direkt nach dem Urknall, das sich noch ausdehnt, explodiert und sich in etwas Einzigartiges verwandelt, dessen endgültige Natur unbekannt ist. Sie könnte ihr gesamtes Werk und ihre gesamte Karriere auf die gleiche Weise wahrgenommen haben, wie sie jedes dieser Gemälde wahrnahm. Das würde erklären, warum ihre Verantwortung nicht darin bestand, die Gemälde auszustellen oder zu verkaufen, oder sogar unbedingt jemanden wissen zu lassen, dass sie sie gemalt hatte. Vielmehr war es ihre Priorität, die Natur ihrer Materialien zu verstehen, die Kräfte zu entdecken, die in ihrer Technik am Werk sind, und diese Kräfte in den Welten, die sie erschuf, freizusetzen. Springford war gottgleich, denke ich, in ihrer Bereitschaft, den Rest von uns darüber nachdenken zu lassen, wo das alles endet.

Vorgestelltes Bild: Vivian Springford - Untitled, 1971. Acryl auf Leinwand. 127 x 127 x 2,5 cm (50 x 50 x 1 in).
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken.
Von Phillip Barcio