Die Ewige Vorhut – 6 Außergewöhnliche Weibliche Abstrakte Künstlerinnen aus Lateinamerika

Ich spreche oft über die Avantgarde in Bezug auf ihre Misserfolge, was bedeutet, dass es ein Thema ist, das ich in der Vergangenheit verankere, voller vergangener Geschichten über experimentelle Dinge, die Künstler einst schrieben, einst machten oder einst versuchten. Heute hoffe ich, die Aufmerksamkeit auf sechs weibliche lateinamerikanische abstrakte Künstlerinnen zu lenken, die meiner Meinung nach die Avantgarde neu definieren, nicht als etwas, das in der Geschichte verwurzelt ist, sondern als etwas, das ständig frisch und undefiniert ist. Lygia Clark, Gego, Carmen Herrera, Zilia Sanchez, Mercedes Pardo und Noemi Escandell wurden zu einem bestimmten Zeitpunkt als Vertreterinnen der ästhetischen Avantgarde ihrer Zeit gefeiert. Doch sie widerstehen auch dem Begraben unter dem Verlauf der Zeit, denn die Relevanz ihrer Ideen reicht über ihre individuellen Generationen hinaus. Ihre Werke bleiben heute so frisch und neugierig wie eh und je. Ich schlage vor, dass dies nicht nur an dem Werk selbst liegt, sondern auch daran, wie sie ihre Praxis als Künstlerinnen und Lehrerinnen angegangen sind. Die meisten Avantgarde-Künstler sind durch die einzigartige, avantgardistische Position definiert, die sie sich selbst schaffen, eine Position, die durch Schreiben erklärt oder gestärkt werden kann und dann durch eine einzigartige visuelle Sprache demonstriert wird, um dann als Bewegung kanonisiert zu werden. (Ich denke an Andy Warhol und Pop Art, Picasso und Kubismus, Mondrian und Neo-Plastizismus usw.) Die sechs weiblichen lateinamerikanischen abstrakten Künstlerinnen, über die ich heute schreibe, entkommen diesem Schicksal, weil ihre Strategien der ästhetischen Repräsentation weder zeitlich (ein kultureller Moment) noch theoretisch festgelegt sind. Anstatt eine bestimmte Ideenreihe in den Vordergrund zu stellen, erkundet ihr Werk das, was vielleicht niemals verstanden werden kann, geschweige denn gesagt: das Unbekannte. Ihre flüssigen, undefinierbaren Oeuvres ermutigen die Betrachter, die Dunkelheit zu untersuchen, anstatt die Aufmerksamkeit auf das zu lenken, was ans Licht gebracht wurde.

Lygia Clark (1920 - 1988, Brasilien)

Lygia Clark nannte sich selbst eine „Vorschlagende“. Sie betrachtete ihre Kunst als von der Geschichte losgelöst, stattdessen an den sich ständig verändernden gegenwärtigen Moment gebunden. Ihr Werk hat keine vorbestimmte Bedeutung oder Zweck, außer dem, was ihm von dem jeweiligen Betrachter, der auf persönliche Weise mit ihm interagiert, zugewiesen wird. Sie befreite sich von der Kunstgeschichte und sicherte sich ihren Platz in der ewigen Avantgarde, als sie sagte: „Das Objekt ist nicht mehr da, um irgendein Konzept auszudrücken, sondern damit der Zuschauer tiefer zu seinem eigenen Selbst gelangen kann.“

Gego (1912 - 1994, Deutschland/Venezuela)

Geboren und ausgebildet in Deutschland, floh Gertrude Goldschmidt, auch bekannt als Gego, 1939 nach Caracas, Venezuela, zu Beginn des Zweiten Weltkriegs. Dort in Südamerika entdeckte sie ihr Schicksal als Künstlerin. Obwohl sie auch malte, zeichnete und skulptierte, ist Gego am bekanntesten für ihre netzartigen Installationen, die Netzwerke von Punkten und Linien zeigen, die sich zu geometrischen Universen imaginärer Ebenen vereinen. Viele Schriftsteller sagen, ihr Werk drehe sich um die Linie, aber für mich geht es mehr um die Suche, kumulative Aktionen kontinuierlich auszudrücken. Die Unmengen von Punkten und Linien in ihren Arbeiten sind Projektionen in den Raum und in die Zeit, die die Betrachter endlos ins Unbekannte ziehen.

Carmen Herrera (geb. 1915, Kuba)

Carmen Herrera verkaufte ihr erstes Gemälde im Alter von 89 Jahren. Mit 100 Jahren hatte sie ihre erste Museumsausstellung, im Whitney Museum of American Art in New York. Viele Kritiker, Kuratoren und Händler haben seitdem versucht, sie in Bezug auf verschiedene kunsthistorische Bewegungen zu klassifizieren, wie Minimalismus, geometrische Abstraktion und konkrete Kunst. Was Herrera jedoch ermöglicht, diesen Etiketten zu widerstehen und sie tatsächlich zu transzendieren, ist ihre totale Hingabe an die persönliche Vision. Sie scherzte einmal, dass sie kein Picasso-Buch in ihrem Haus zulassen wird, denn Picasso anzusehen bedeutet, ihn kopieren zu wollen. Ihr einziges Ziel, sagt sie, ist es, ihrem eigenen Wunsch nach Vereinfachung zu folgen, oder was sie "einen Prozess des Wegnehmens dessen, was nicht wesentlich ist" nennt. Die Spannung in ihrem Werk entsteht oft aus diesem Blick in den Raum, in dem wir nicht dem begegnen, was da ist, sondern dem, was fehlt.

Rondo (Blau und Gelb), 1965 Acryl auf Leinwand von Carmen Herrera, Amerikanerin, geboren in Havanna, Kuba, 1915. Quelle: https://flic.kr/p/5vyjn2

Zilia Sanchez (geb. 1926, Kuba)

Geboren in Kuba, lebt und arbeitet Zilia Sanchez seit den 1970er Jahren in Puerto Rico. Ihre geformten Leinwände wölben sich von der Wand ab, als ob Objekte – oder Kräfte – versuchen würden, von hinten durchzubrechen. Diese poetische Geste hebt das Geheimnis hervor und spielt auf das Gefühl an, dass das, was sichtbar und scheinbar so bedeutend im gegenwärtigen Moment ist, gleichzeitig vor unseren Augen verändert wird. Dieses Werk ist eine ikonische Darstellung der ewigen Avantgarde, da es für die Tatsache agitieren, dass alles ständig von dem, was sich im Prozess des Entstehens befindet, neu konfiguriert wird.

Mercedes Pardo (1921 - 2005, Venezuela)

Viele Künstler sprechen über ihre Arbeit in Form von Untersuchungen. Mercedes Pardo zeichnete sich nicht durch Suche aus, sondern durch die Schaffung persönlicher Begegnungen für ihre Betrachter. Bekannt für einen Körper geometrischer und biomorpher abstrakter Malerei, an der sie über Jahrzehnte hinweg in ihrer Karriere arbeitete, arbeitete sie tatsächlich in einer Vielzahl von verschiedenen Medien, einschließlich Kostümdesign, Buchillustration, Collage und großflächiger öffentlicher Kunst. Pardo betrachtete persönliche Begegnungen mit Kunst als das Gegenteil von – oder vielleicht als das Gegenmittel zu – Konsumkultur. Sie vermied die Auferlegung von Mustern und konzentrierte sich stattdessen auf einzigartige Betrachtererlebnisse mit gereinigtem Material.

Noemi Escandell (1942 - 2019, Argentinien)

Von ihren Schülern und anderen Künstlern geliebt und von politischen Autoritäten gefürchtet, glaubte Noemi Escandell fest daran, dass politische und künstlerische Gesten eins und dasselbe sind. Sie ist nach ihrem Tod bekannt für die abstrakten, räumlichen Skulpturen und Zeichnungen, die sie in den 1960er Jahren zu schaffen begann und die visuell mit dem Minimalismus in Verbindung stehen. Allerdings umarmte Escandell im Laufe ihrer Karriere eine unglaubliche Vielfalt visueller Strategien, um ihre zentrale Idee, die Freiheit, darzustellen. Vielleicht war ihre kraftvollste Erfindung das, was sie "Hand zu Händen" nannte – Kunstwerke, die zwischen den Betrachtern bei einer Ausstellung weitergereicht werden müssen, bevor sie an die Wand gehängt werden. Ihr Werk basierte auf der Schönheit des Unbekannten und erhob die intime Verbindung, die zwischen Menschen und Kunst bestehen muss, damit beide ihr volles Potenzial erreichen können.

Vorschaubild: Lygia Clark - Bicho Linear, 1960. Aluminium. 33 9/10 x 26 x 14 1/5 Zoll (86 x 66 x 36 cm). Bergamin & Gomide, São Paulo
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken.
Von Phillip Barcio