Die Ewige Vorhut – 6 Außergewöhnliche Weibliche Abstrakte Künstlerinnen aus Lateinamerika

Ich spreche oft über die Avantgarde im Hinblick auf ihre Misserfolge, was bedeutet, dass ich sie als ein Thema verankere, das in der Vergangenheit liegt, voller vergangener Geschichten von experimentellen Dingen, die Künstler einst schrieben, einst schufen oder einst versuchten. Heute möchte ich die Aufmerksamkeit auf sechs lateinamerikanische abstrakte Künstlerinnen lenken, von denen ich glaube, dass sie die Avantgarde neu definieren, nicht als etwas, das in der Geschichte verwurzelt ist, sondern als etwas, das stets frisch und undefiniert bleibt. Lygia Clark, Gego, Carmen Herrera, Zilia Sanchez, Mercedes Pardo und Noemi Escandell wurden jeweils zu einem Zeitpunkt als Vertreterinnen der ästhetischen Vorhut ihrer Zeit gefeiert. Doch sie alle widerstehen auch dem Vergessen durch den Lauf der Zeit, denn die Bedeutung ihrer Ideen reicht über ihre einzelnen Generationen hinaus. Ihre Werke bleiben heute so frisch und neugierig wie eh und je. Ich schlage vor, dass dies nicht nur an den Werken selbst liegt, sondern auch daran, wie sie ihre künstlerische Praxis als Künstlerinnen und Lehrerinnen angegangen sind. Die meisten avantgardistischen Künstler werden durch die einzigartige, vordergründige Stellung definiert, die sie für sich selbst schaffen, eine Stellung, die durch Schriften erklärt oder gestützt werden kann, dann durch eine einzigartige Bildsprache demonstriert und schließlich als Bewegung kanonisiert wird. (Ich denke an Andy Warhol und Pop Art, Picasso und Kubismus, Mondrian und Neoplastizismus usw.) Die sechs lateinamerikanischen abstrakten Künstlerinnen, über die ich heute schreibe, entgehen diesem Schicksal, weil ihre Strategien der ästhetischen Darstellung weder zeitlich (ein kultureller Moment) noch theoretisch festgelegt sind. Anstatt eine bestimmte Ideenwelt in den Vordergrund zu stellen, erforschen ihre Werke das, was vielleicht niemals verstanden, geschweige denn gesagt werden kann: das Unbekannte. Ihre fließenden, undefinierbaren Schaffenswerke ermutigen die Betrachter, die Dunkelheit zu erforschen, anstatt die Aufmerksamkeit auf das zu lenken, was ans Licht gebracht wurde.

Lygia Clark (1920 - 1988, Brasilien)

Lygia Clark nannte sich selbst eine „Vorschlagende“. Sie sah ihre Kunst als losgelöst von der Geschichte, stattdessen verbunden mit dem sich ständig wandelnden gegenwärtigen Moment. Ihre Arbeit hat keine vorgegebene Bedeutung oder Zweck außer dem, was ihr von dem jeweiligen Betrachter, der auf persönliche Weise mit ihr interagiert, zugewiesen wird. Sie befreite sich von der Kunstgeschichte und sicherte sich ihren Platz in der ewigen Vorhut, als sie sagte: „Das Objekt ist nicht mehr da, um irgendein Konzept auszudrücken, sondern damit der Betrachter tiefer zu seinem eigenen Selbst gelangen kann.“

Gego (1912 - 1994, Deutschland/Venezuela)

Geboren und ausgebildet in Deutschland, floh Gertrude Goldschmidt, auch bekannt als Gego, 1939 zu Beginn des Zweiten Weltkriegs nach Caracas, Venezuela. Dort in Südamerika entdeckte sie ihr Schicksal als Künstlerin. Obwohl sie auch malte, zeichnete und bildhauerte, ist Gego am bekanntesten für ihre netzartigen Installationen, die Netzwerke von Punkten und Linien zeigen, die sich zu geometrischen Universen imaginärer Ebenen verbinden. Viele Autoren sagen, ihre Arbeit drehe sich um Linie, doch für mich geht es mehr um die Suche, kumulative Handlung fortwährend auszudrücken. Die Vielzahl von Punkten und Linien in ihren Werken sind Projektionen in Raum und Zeit, die die Betrachter endlos ins Unbekannte ziehen.

Carmen Herrera (geb. 1915, Kuba)

Carmen Herrera verkaufte ihr erstes Gemälde im Alter von 89 Jahren. Mit 100 Jahren hatte sie ihre erste Museumsausstellung im Whitney Museum of American Art in New York. Viele Kritiker, Kuratoren und Händler haben seitdem versucht, sie verschiedenen kunstgeschichtlichen Bewegungen zuzuordnen, wie Minimalismus, geometrische Abstraktion und Konkrete Kunst. Doch was Herrera erlaubt, diesen Etiketten zu widerstehen und sie sogar zu übersteigen, ist ihre völlige Hingabe an ihre persönliche Vision. Sie scherzte einmal, dass sie kein Picasso-Buch in ihrem Haus zulassen werde, weil das Betrachten von Picasso den Wunsch wecke, ihn zu kopieren. Ihr einziges Ziel, sagt sie, ist es, ihrem eigenen Verlangen nach Vereinfachung zu folgen, oder dem, was sie „einen Prozess des Wegnehmens des Unwesentlichen“ nennt. Die Spannung in ihren Werken entsteht oft aus dem Blick in den Raum, in dem wir nicht das sehen, was da ist, sondern das, was fehlt.

Rondo (Blau und Gelb), 1965 Acryl auf Leinwand von Carmen Herrera, Amerikanerin, geboren in Havanna, Kuba, 1915. Quelle: https://flic.kr/p/5vyjn2

Zilia Sanchez (geb. 1926, Kuba)

Geboren in Kuba, lebt und arbeitet Zilia Sanchez seit den 1970er Jahren in Puerto Rico. Ihre geformten Leinwände wölben sich von der Wand hervor, als ob Objekte – oder Kräfte – versuchen würden, von hinten durchzubrechen. Diese poetische Geste stellt das Geheimnis in den Vordergrund und verweist auf das Gefühl, dass das Sichtbare und scheinbar so Bedeutende im gegenwärtigen Moment gleichzeitig vor unseren Augen verändert wird. Dieses Werk ist eine ikonische Darstellung der ewigen Vorhut, da es dafür eintritt, dass alles ständig neu geordnet wird durch das, was gerade im Entstehen begriffen ist.

Mercedes Pardo (1921 - 2005, Venezuela)

Viele Künstler sprechen von ihrer Arbeit als Untersuchung. Mercedes Pardo zeichnete sich nicht durch Suche aus, sondern durch das Schaffen persönlicher Begegnungen für ihre Betrachter. Bekannt für einen Bestand geometrischer und biomorpher abstrakter Gemälde, an denen sie über Jahrzehnte arbeitete, arbeitete sie tatsächlich in verschiedenen Techniken, darunter Kostümdesign, Buchillustration, Collage und großflächige öffentliche Kunst. Pardo betrachtete persönliche Begegnungen mit Kunst als das Gegenteil von – oder vielleicht als Gegenmittel zu – der Konsumkultur. Sie vermied das Aufzwingen von Mustern und stellte stattdessen einzigartige Betrachtererfahrungen mit gereinigtem Material in den Mittelpunkt.

Noemi Escandell (1942 - 2019, Argentinien)

Von ihren Schülern und anderen Künstlern geliebt und von politischen Autoritäten gefürchtet, glaubte Noemi Escandell fest daran, dass politische und künstlerische Gesten eins sind. Nach ihrem Tod ist sie bekannt für die abstrakten, räumlichen Skulpturen und Zeichnungen, die sie in den 1960er Jahren zu schaffen begann und die visuell mit dem Minimalismus verwandt sind. Doch Escandell nutzte im Laufe ihrer Karriere eine unglaubliche Vielfalt visueller Strategien, um ihre zentrale Idee darzustellen, die Freiheit war. Vielleicht war ihre stärkste Erfindung das, was sie „Hand zu Hand“ nannte – Kunstwerke, die bei einer Ausstellung zwischen den Betrachtern weitergereicht werden müssen, bevor sie an die Wand gehängt werden. Ihre Arbeit basierte auf der Schönheit des Unbekannten und erhob die intime Verbindung, die zwischen Menschen und Kunst bestehen muss, damit beide ihr volles Potenzial erreichen können.

Titelbild: Lygia Clark – Bicho Linear, 1960. Aluminium. 86 x 66 x 36 cm (33 9/10 x 26 x 14 1/5 Zoll). Bergamin & Gomide, São Paulo
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken
Von Phillip Barcio