Linie im Raum ziehen - Die Kunst von Gego

Gego, auch bekannt als Gertrud Goldschmidt, ist eine jener seltenen Künstlerinnen, die all ihre Energie darauf verwendeten, das expressive Potenzial eines einzigen ästhetischen Elements zu erforschen. In ihrem Fall war dieses Element die Linie. Als ausgebildete Zeichnerin war Gego in den Grundlagen verwurzelt. Sie verstand die architektonische Natur der Zeichnung und erkannte, dass das, was jede Konstruktion zusammenhält, eine Kombination aus Flächen und offenen Räumen ist. Im Laufe ihrer Karriere erforschte Gego dieses Konzept auf vielfältige Weise. Sie schuf Bücher mit Lithographien, die lineare Zeichnungen zeigen, die nur die einfachsten Markierungen verwenden, um aufwändige Kompositionen zu schaffen, die scheinbar tatsächliches Volumen enthalten. Sie fertigte Skulpturen an, die die geometrische Abstraktion nur mit Linien und Raum neu definierten, und erweiterte schließlich ihr Werk zu einem monumentalen Maßstab, indem sie ganze Räume mit unmöglich komplexen, handgewebten linearen Installationen füllte, die die Grenzen zwischen Betrachter und Kunst herausfordern. Es ist verlockend, Gego als zwei- oder dreidimensionale Künstlerin zu definieren, da ihre Werke vielleicht als Zeichnungen oder Skulpturen kategorisiert werden können. Aber eine bessere Beschreibung ihres Schaffens ist, dass es solche Beschreibungen überstieg und letztlich Erfahrungen schuf, die die Existenz völlig neuer Dimensionen jenseits des einfachen physischen Bereichs andeuteten.

Universalien im Inneren

Gego wurde 1912 in Hamburg geboren. Mit 20 Jahren zog sie quer durchs Land, um an der Universität Stuttgart zu studieren. Sie glänzte in ihren Kursen, doch schon bald wurde ihre akademische Laufbahn, ohne eigenes Verschulden, schwierig. Hitler kam 1934 an die Macht. Im folgenden Jahr wurde ihr trotz ihrer Geburt als deutsche Staatsbürgerin die deutsche Staatsbürgerschaft entzogen, weil ihre Familie jüdisch war. Dennoch blieb sie im Land und setzte ihr Studium mehrere Jahre fort. 1938 schloss Gego mit nicht einem, sondern zwei Abschlüssen ab: einem in Architektur und einem in Ingenieurwesen. Doch sobald sie ihren Abschluss hatte, verließ sie Deutschland für immer.

Sie floh nach Venezuela, wo sie ein neues Leben als Architektin begann, freiberuflich Häuser und Geschäfte entwarf und sogar mehrere Jahre ein Möbelentwurfsunternehmen betrieb. Sie war in ihrer Arbeit erfolgreich, doch allmählich verlor sie das Interesse an den funktionalen, zweckmäßigen Aspekten und wandte sich mehr den introspektiven Elementen zu. Vielleicht geprägt von dem, was sie in Deutschland erlebt hatte, oder von ihren Erfahrungen als Flüchtling, widmete sich Gego der Erforschung der Universalien, die sie durch ihre Arbeit ausdrücken konnte. Kurz gesagt, sie wurde Künstlerin. Wie sie später ausdrückte: „Kunst ist fest in geistigen Werten verwurzelt. Der Schöpfer ist in einem fortwährenden Entdeckungsprozess – nicht von sich selbst, sondern von den Wurzeln des Universums, die er in sich selbst entdecken konnte.“

Gego – Ohne Titel (73/14) und Ohne Titel (73/16), © 2019 Fundacion Gego

Verbindende Linien

Anfang der 1950er Jahre gab Gego offiziell ihre Karriere als Architektin und Designerin auf, um sich ganz der Kunst zu widmen. Schnell wandte sie sich der Abstraktion zu, die gerade in der sich rasch modernisierenden venezolanischen Kultur in Mode kam. Sie isolierte das grundlegende ästhetische Element, von dem sie glaubte, dass es die Universalien ausdrückt, die sie in sich entdeckt hatte: das Element der Linie. Eine frühe Skulptur mit dem Titel Sphere drückt elegant ihr grundlegendes Verlangen aus, den Charakter von Linien zu erforschen. Das Werk besteht aus einer Ansammlung horizontaler, vertikaler und diagonaler Stäbe, die nicht so sehr eine tatsächliche Kugel schaffen, sondern eher eine kugelförmige Präsenz. Das Objekt enthält nichts, und doch nimmt es eine Präsenz von Volumen an, besonders wenn man sich um es herum bewegt, da die sich kreuzenden linearen Elemente zusammenarbeiten, um die Illusion einer rotierenden Kugel zu erzeugen.

Ein weiteres Objekt, das Gego im selben Jahr schuf, genannt Gegofón, verwendet dieselbe Technik, Volumen mit Linien herzustellen. Diesmal erzeugt sie die Illusion eines auf die Seite gekippten Würfels in Diamantform. Noch mehr als Sphere wird dieses Werk verwirrend, wenn man versucht, die genaue Natur und Konstruktion des Werks zu verstehen, besonders beim Umhergehen, da die sich kreuzenden Linien es so erscheinen lassen, als wären mehr dreieckige Flossen vorhanden, als tatsächlich sind. Dieser verwirrende kinetische Effekt wird zusätzlich durch die Muster verstärkt, die die Schatten auf dem Boden erzeugen.

Gego – Sphere, 1959, geschweißtes Messing und Stahl, bemalt (links) und Gegofón, 1959, geschweißtes Messing und Stahl, bemalt (rechts), © 2019 Fundación Gego

Den Raum bewohnen

Da sie sich jedoch durch die strengen geometrischen Eigenschaften ihrer frühen Skulpturen eingeengt fühlte, begann Gego, neue, persönlichere Wege zu erforschen, Linien für Skulpturen zu verwenden. Sie erweiterte ihr Materialspektrum und befreite sich von vorgegebenen geometrischen Formen. In ihrer Serie Chorros schuf sie hohe, dünne, fast figürlich wirkende Drahtskulpturen. Das Wort chorros bedeutet im Spanischen so viel wie starker Strahl, etwa ein Wasserstrahl. Als sie erstmals in der Betty Parsons Galerie in New York ausgestellt wurden, nahmen diese Skulpturen die Präsenz von Wasserfällen an.

Diese freieren Drahtskulpturen ließen Gego an die Vorstellung denken, dass sie zeichnete, aber statt auf einer Fläche zeichnete sie im Raum. So begann sie eine Werkreihe mit dem Titel Dibujo sin papel, Zeichnung ohne Papier. Einige dieser Werke behalten eine geordnete Empfindung, andere brechen aus und ähneln Gekritzel im Raum. Alle nehmen bei harscher Beleuchtung neue Beziehungen zu den umgebenden Flächen und Räumen an, basierend auf den Schatten, die sie werfen.

Gego – Chorros, 1971, Drahtskulptur, gesehen in der Betty Parsons Galerie (links), und Dibujo sin papel 77/20 (Zeichnung ohne Papier), 1977, Eisen, Edelstahl, Emaille und kleine Metallröhrchen (rechts), © 2019 Fundación Gego

Stabilität und Vergänglichkeit

Die Schatten, die ihre Werke erzeugen, inspirierten Gego dazu, mehr über die metaphysischen Aspekte zu denken, wie ästhetische Objekte Raum einnehmen. Sie erkannte, dass die Präsenz eines Objekts mehr als nur physische Merkmale umfasst. Objekte haben Persönlichkeiten. Sie beeinflussen den leeren Raum um sie herum ebenso wie den Raum, den sie tatsächlich einnehmen, sei es durch das Werfen von Schatten oder durch das Andeuten ihrer Präsenz im nahen leeren Raum. Diese Idee manifestierte sich am eindrucksvollsten in den monumentalen Installationen, die Gego schuf, wie Reticulárea (ambientación), unten abgebildet bei der Ausstellung im Museo de Bellas Artes, Caracas, 1969.

In dieser Installation vermitteln die Linien selbst ein Gefühl von Stabilität. Sie sind greifbar und nehmen Raum ein. Doch die Schatten spielen eine ebenso wichtige Rolle im Gesamterlebnis und sind aus ästhetischer Sicht ebenso greifbar. Ebenso wichtig ist der leere Raum zwischen den Linien, der es dem Auge erlaubt, alle anderen Elemente des Werks gleichzeitig wahrzunehmen. Doch Schatten und Leerraum befinden sich in einem Zustand ständiger Unsicherheit. Sie stehen für Vergänglichkeit, oder das Gefühl, dass etwas gleichzeitig erscheint und verschwindet. Das Werk selbst nimmt im Raum nur wenig Platz ein. Doch der Charakter, oder die Persönlichkeit des Werks füllt jeden Zentimeter des Raums aus.

Gego – Reticulárea (ambientación), 1969, © 2019 Fundación Gego

Geometrie und Bewegung überwinden

Die vorherrschenden abstrakten Kunstströmungen in Venezuela, als Gego erstmals in die Kunstwelt eintrat, waren geometrische Abstraktion und kinetische Kunst. Es ist offensichtlich, dass Gego in den frühen Phasen ihrer künstlerischen Erkundung stark von beiden Richtungen beeinflusst war, doch es ist schwer, sie einer der beiden Bewegungen zuzuordnen. Ihre frühen Skulpturen spielten definitiv mit geometrischen Formen. Und die Bewegung beeinflusste sie, da sie wiederholt die Idee der Bewegung ausnutzte, allerdings nicht durch Motoren an ihren Werken, sondern aus der Perspektive der sich bewegenden Betrachter. Doch keine dieser Bewegungen bot Gego den vollen Spielraum für Wachstum, den sie für ihre Arbeit benötigte. Sie war an Entdeckung interessiert und fühlte, dass der einzige wahre Weg zur Entdeckung darin bestand, ihre Arbeit persönlich zu machen.

Es ist auch schwierig, Gego als zwei- oder dreidimensionale Künstlerin zu kategorisieren. Ihre Arbeiten auf Papier gehören zu den faszinierendsten und komplexesten, die von Künstlern ihrer Generation geschaffen wurden. Sie erzeugen Illusionen, fangen die Dynamik von Bridget Riley oder Jesus Rafael Soto und die Zartheit von Agnes Martin ein. Und doch sind sie so einfach: so streng der Erforschung der Möglichkeiten der Linie gewidmet. Währenddessen entziehen sich ihre dreidimensionalen Werke jeder Kategorisierung. Sie bewohnen den Raum so, dass der Raum selbst zum Thema des Werks wird. Und doch ist die Linie so klar das Thema. Andererseits scheinen sie sich der Möglichkeit zu öffnen, dass weder Linie noch Raum das wahre Thema sind. Vielleicht liegt das Thema in einem anderen Aspekt ihrer Präsenz. Daher ist es schwierig, Gego beim Betrachten ihres Werks leicht in eine Kategorie einzuordnen. Es ist viel genauer und befriedigender, sie in eine ganz eigene Kategorie einzuordnen.

Gego – zwei unbetitelte Zeichnungen, © 2019 Fundacion Gego

Titelbild: Gego – Sin Titulo (Detail), 1961, Tusche auf Papier, © 2019 Fundación Gego
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken
Von Phillip Barcio