Die wichtigsten Merkmale der kinetischen Kunst

Was ist kinetische Kunst? Die einfachste Definition lautet: „Kunst, die für ihre Wirkung auf Bewegung angewiesen ist.“ Aber das ist wirklich unzureichend. Wissenschaftlich gesehen hängt alles für seine Wirkung von Bewegung ab, da sich alles ständig bewegt, vom größten Objekt bis zum kleinsten Teilchen im Universum. Vielleicht wäre eine bessere Definition für kinetische Kunst etwas wie: „jede absichtliche ästhetische Schöpfung, die, um als vollendet zu gelten, von der gestalteten, äußeren physischen Bewegung eines oder mehrerer ihrer Teile in einem für die menschlichen Sinne wahrnehmbaren Bereich abhängt.“ Aber vielleicht ist auch diese Definition unvollständig. Vielleicht versagen uns Definitionen, wie bei so vielen anderen Dingen in der Kunst. Vielleicht sollten wir kinetische Kunst nicht mit Worten definieren, sondern mit Beispielen. Vor diesem Hintergrund folgt hier eine kurze, zugegebenermaßen unvollständige Betrachtung der Geschichte und der bekanntesten Beispiele kinetischer Kunst.

Im Wind wehen

Wie bei vielen ästhetischen Strömungen zeigte sich Kinetik in der profanen Kultur lange bevor sie in der bildenden Kunst auftauchte. Wahrscheinlich ist das früheste Beispiel künstlerischer Kinetik die Windspiel, die vor mindestens 5000 Jahren in ganz Südostasien verwendet wurde. Ja, es wäre leicht zu argumentieren, dass Windspiele keine bildende Kunst sind, aber ebenso leicht könnte man behaupten, dass sie es sein könnten. Wie viele bildende Kunstwerke deuten sie auf das Heilige hin, erforschen die Verbundenheit von Mensch und Natur und inspirieren zu transzendenten Zuständen des Seins. Und sie erfüllen sicherlich die Definition ästhetischer Phänomene.

Wenn Sie Windspiele nicht als erste kinetische Kunst akzeptieren, könnten wir auch auf die nordische Kultur zurückgreifen, die eine reiche, alte Tradition künstlerischer kinetischer Ausdrucksformen besitzt. Eine hängende bewegliche Skulptur einer Walfangreise im Zaans Museum in den Niederlanden stammt aus einer Zeit lange vor der Industriellen Revolution. Und die nordischen Himmeli scheinen direkte Vorläufer der heutigen Mobile zu sein. Diese alten, hängenden, handgefertigten Skulpturen stammen aus germanischen Gebieten (himmel ist ein germanisches Wort für Himmel). Obwohl unklar ist, welchen ursprünglichen Zweck die Himmeli hatten oder wie lange sie schon verwendet werden, sind sie kinetisch, ästhetisch und stammen zumindest aus einer Zeit vor dem Modernismus.

Eine jahrhundertealte kinetische Wal-Skulptur aus der Sammlung des Zaans Museums

Der erste modernistische kinetische Künstler

Fast alle Kunsthistoriker des Modernismus würden sagen, dass der erste moderne kinetische Künstler Marcel Duchamp war, und das erste kinetische Kunstwerk, das Duchamp schuf, war sein Fahrrad-Rad. Es besteht aus einem umgedrehten Fahrrad-Rad, das in den oberen Teil eines Hockers eingesetzt wurde, und gilt auch als das erste „Readymade“. Doch manchmal wird ein Thema, je mehr man darüber erfährt, immer unklarer. Duchamp selbst betrachtete diese bewegliche Skulptur nicht als bildende Kunst. Auf die Frage nach ihrer Entstehung sagte er, er habe sie nur gebaut, weil „ich es genoss, sie anzusehen. So wie ich es genieße, die Flammen im Kamin tanzen zu sehen.“

Wenn die Absichten des Schöpfers eines Objekts entscheidend dafür sind, ob es als bildende Kunst gilt, dann qualifiziert sich Fahrrad-Rad nach eigener Aussage des Schöpfers nicht. Wer kann sagen, dass alte Windspiele, nordische Himmeli oder eine bewegliche Skulptur einer niederländischen Walfangreise nicht als kinetische Kunst gelten sollten? Warum sollten sie als Handwerk, Spielzeug, Volkskunst oder bloße Dekoration abgetan werden? Vielleicht steckt in dem, was Duchamp über das Betrachten der Flammen im Kamin sagte, ein Hinweis, der die Natur aller kreativen Phänomene vereint, unabhängig von ihrer Absicht, als Ausdruck eines urtümlichen menschlichen Drangs.

Marcel Duchamp - Drehender Halbkugel, 1924. Yale University Kunstgalerie (Yale University), New Haven, CT, USA. © Marcel Duchamp

Die Bewegung der Bewegung

Was wir heute als moderne kinetische Kunstbewegung ansehen, begann wirklich in den 1920er Jahren. Damit eine Kunstbewegung Aufsehen erregt und intellektuelle Anerkennung erhält, hilft es, wenn jemand sie benennt und ihre Stellung schriftlich verteidigt. Die russischen Konstruktivisten Naum Gabo und Antoine Pevsner taten dies 1920 für die kinetische Kunst. Gabo und Pevsner, die auch Brüder waren, erklärten in ihrem Realistischen Manifest: „Wir verwerfen: den jahrtausendealten Irrtum, der von der ägyptischen Kunst geerbt wurde: statische Rhythmen scheinen die einzigen Elemente plastischer Schöpfung zu sein. Wir verkünden ein neues Element in den plastischen Künsten: die kinetischen Rhythmen, die wesentliche Formen unserer Wahrnehmung der realen Zeit sind.“

Ein Jahr bevor sie dieses Manifest schrieben, schuf Gabo, der auch ausgebildeter Ingenieur war, was wahrscheinlich als die erste absichtliche kinetische Skulptur gelten sollte. Er nannte das Werk Kinetische Konstruktion. Es bestand aus einer einzelnen Metallstange, die aus einer Holzkiste herausragte. Wenn ein Schalter betätigt wurde, ließ ein mechanischer Motor die Stange vibrieren. Das Werk erhielt den Spitznamen „stehende Welle“ wegen der Art, wie es eine Wellenformation imitiert, wenn es aktiviert wird. Neben beweglichen Skulpturen schuf Gabo auch statische Skulpturen, die die Ästhetik der Bewegung einfingen, ein Interesse, dem er sein ganzes Leben lang nachging.

Naum Gabo - Kinetische Konstruktion (Stehende Welle), 1919. Metall, Holz und Elektromotor. 616 x 241 x 190 mm. Tate Sammlung. © Nina & Graham Williams/Tate, London 2018

Aufwärtsbewegung

Zur gleichen Zeit, als Gabo und Pevsner das Wort kinetisch in die Diskussion der modernen Kunst einführten, arbeitete der amerikanische Dada-Künstler Man Ray an seiner eigenen Variante kinetischer Ästhetik. Als Freund und Kollege von Marcel Duchamp war Man Ray sicherlich mit dem Fahrrad-Rad vertraut, und er kannte wahrscheinlich auch die Kinetische Konstruktion. Was seine Bemühungen von beiden Werken unterschied, war, dass er statt Motoren oder Mechanismen wie Rädern organische Bewegung in seiner Kunst einfangen wollte.

Man Ray fand 1920 seine Lösung für eine organisch bewegliche Skulptur mit einem Werk, das er Obstruktion nannte. Es bestand aus 36 Kleiderbügeln, von denen jeder durch ein Loch am Ende des Arms eines anderen gesteckt war, und alle hingen an einem einzelnen Kleiderbügel, der an einem Haken an der Decke befestigt war. Das kinetische Element des Werks wird eingeführt, wenn die Kleiderbügel durch Wind, Erschütterungen oder direkten Kontakt mit einem Betrachter oder Gegenstand bewegt werden. Neben dem Bau von Obstruktion erstellte Man Ray ein Diagramm mit Anweisungen, wie es nachgebaut werden kann, und ermutigte jeden, der es versuchte, über seine Arbeit hinauszugehen und die Skulptur „bis in die Unendlichkeit“ weiterzuführen. Dieses Diagramm erinnert an spätere konzeptuelle Kunstwerke von Künstlern wie Sol LeWitt, der ähnliche detaillierte Anleitungen für die Nachbildung seiner Wandzeichnungen erstellte.

Man Ray - Obstruktion, 1920. 36 miteinander verbundene Kleiderbügel, die von der Decke hängen. © Man Ray

Aufstieg der Maschinen

Obwohl sie für ihre Zeit bahnbrechend waren, wirken bewegliche Skulpturen wie Obstruktion und Kinetische Konstruktion im Vergleich zu dem, was bald darauf folgte, fast altmodisch. In den 1920er Jahren arbeitete der in Ungarn geborene Künstler László Moholy-Nagy an einer mechanischen Skulptur, die er nach ihrer Fertigstellung Lichtapparat für eine elektrische Bühne oder Licht-Raum-Modulator nannte.

Diese fantastische Schöpfung bestand aus Elektromotoren, beweglichen Paneelen und elektrischen Glühbirnen in verschiedenen Farben. Wenn aktiviert, zeigte sie das kinetische Zusammenspiel von Farbe, Licht, Bewegung und Klang. Der Licht-Raum-Modulator war nicht nur ein wegweisendes Werk der kinetischen Kunstbewegung; er markierte auch den Beginn der lichtkinetischen Kunstbewegung und führte das Konzept ein, elektrisches Licht als Element der Skulptur zu verwenden.

Laszlo Moholy-Nagy - Lichtapparat für eine elektrische Bühne, 1930. © Laszlo Moholy-Nagy

Bewegung der Massen

Wenn viele Menschen heute an kinetische Kunst denken, stellen sie sich die verspielten Mobile des amerikanischen Künstlers Alexander Calder vor. Viele halten Calder sogar für den Vater der kinetischen Kunst. Aber Calder begann erst 1931 mit der Herstellung seiner Mobile. Wie wir sehen, gab es viele andere vor ihm, die ebenfalls versuchten, den statischen Grenzen der plastischen Kunst zu entkommen. Tatsächlich können wir nicht einmal über Calder und seine Mobile sprechen, ohne erneut Marcel Duchamp zu erwähnen, der, als er Calder in seinem Atelier besuchte, diesen hängenden kinetischen Schöpfungen ihren Namen Mobile gab, ein Wort, das im Französischen sowohl Bewegung als auch Antrieb bedeuten kann.

Dennoch machte Calder die kinetische Kunst weithin bekannt. Nach Calder wurde die Tendenz von Generationen von Künstlern weiterverfolgt, die von den Kräften der Bewegung inspiriert sind. Bruno Munari brach mit seinen Nutzenlosen Maschinen neues Terrain in der kinetischen Ästhetik auf. Der in Amerika geborene Bildhauer George Rickey schuf öffentliche kinetische Skulpturen, die auf die kleinsten Luftzüge oder Erschütterungen reagieren. Und die zeitgenössische Künstlerin Emily Kennerk erforscht Kinetik mit Projekten wie ihrem stimmgesteuerten vibrierenden Esstisch, der, ganz im Stil von Hommage an New York des Konzeptkünstlers Jean Tinguely, kinetische Kräfte zur Selbstzerstörung nutzt. Auch wenn wir nicht genau definieren können, was kinetische Kunst ist, können wir zumindest auf diese kinetischen Künstler verweisen und ihre Werke betrachten. Irgendwo in ihren Bemühungen beginnen wir zu erkennen, was es an kinetischer Kunst ist, das unsere Fantasie fesselt. Auch wenn wir es nicht beschreiben können, können wir es genießen, es anzusehen, wie Duchamp sagte, wenn wir „genießen, die Flammen im Kamin tanzen zu sehen.“

Titelbild: Naum Gabo - Lineare Konstruktion Nr. 1, 1942 - 1943. 349 x 349 x 89 mm. © Nina & Graham Williams/Tate, London 2018
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken
Von Phillip Barcio