Die weibliche Seite des Minimalismus bei Thaddaeus Ropac
Jedes Jahr behaupten verschiedene Ausstellungen, Arbeiten von marginalisierten Künstlern zu präsentieren, die unfairerweise aus dem historischen Kanon ausgeschlossen wurden. Oft sind die Künstler in der Tat erfolgreich, nur nicht „berühmt“, und die Arbeiten sind kaum eine Korrektur der Geschichte wert. Die weibliche Seite des Minimalismus im Londoner Ely House von Thaddaeus Ropac ist eine bemerkenswerte Ausnahme von der üblichen Formel. Mit mehr als 70 Werken aus den 1920er Jahren bis in die 2000er Jahre, von einer internationalen und intergenerationalen Liste von 13 Künstlerinnen, erweitert die Kuratierung nachdenklich das allgemeine Verständnis von Minimalismus, indem sie mehrere Künstlerinnen ins Rampenlicht rückt, deren Karrieren die Bewegung auf unerwartete Weise bereichern. Die Auswahl der Werke umfasst Malerei, Zeichnungen, Video, Fotografien, Skulpturen und Reliefs und zeigt das expansive Experimentierfeld, das diese Künstlerinnen kultiviert haben. Obwohl nicht alle Künstlerinnen in der Ausstellung genau in die Definition des Minimalismus passen, ist das Gespräch, das ihre Einbeziehung anstößt, definitiv wert, geführt zu werden. Ursprünglich geplant bis zum 18. Dezember 2020, ist die Ausstellung derzeit aufgrund der COVID-19-Beschränkungen im Vereinigten Königreich geschlossen. In der Zwischenzeit finden Sie hier Einführungen zu acht der Künstlerinnen in der Ausstellung, deren Arbeiten wir besonders überzeugend finden.
Maria Fräulein
Eine Gründungsredakteurin der Zeitschrift Heresies, wird Mary Miss nicht oft im Zusammenhang mit der Minimalismus gedacht. Ihre Arbeiten sind den Anhängern der Land Art und der feministischen Kunst vertrauter. Ihre plastischen Anliegen drehen sich häufig um den eleganten Gedanken, die gleichzeitige Erfahrung von Flachheit und Raum zu schaffen. Als die erste Künstlerin, die im wegweisenden Essay Sculpture in the Expanded Field von Rosalind Krauss aus dem Jahr 1979 erwähnt wird, ist Miss alles andere als anonym. Diese Ausstellung hingegen platziert sie in einen Kontext, der ihrer Praxis eine erfrischende Dimension hinzufügt.
Mary Miss - Relief, 1968. Stahl und Draht. 41 x 635 cm (16,14 x 250 in). Mit freundlicher Genehmigung von Mary Miss und Galerie Thaddaeus Ropac, London · Paris · Salzburg © Mary Miss Foto: Charles Duprat
Maria Lai
Als die sardische Künstlerin Maria Lai 2012 starb, war sie außerhalb ihrer Heimat weitgehend unbekannt. 2017 änderte sich das, als ihre Arbeiten sowohl auf der Biennale von Venedig als auch auf der Documenta präsentiert wurden. Lai, eine Künstlerin, die normalerweise nicht im Kontext des Minimalismus gedacht wird, schuf Werke, die materielle Sensibilitäten mit Erinnerung, Geschichte und gemeinschaftlichen Erfahrungen verbanden. Ihr bekanntestes Werk war eine Performance aus dem Jahr 1981 mit dem Titel "To Bind the Mountain", bei der Bürger von Kindern bis zu älteren Menschen halfen, ein einzelnes blaues Band durch die gesamte Stadt Ulassai zu ziehen. In Bezug auf Linie und Farbe gedacht, war es sicherlich ein minimalistisches Werk. Betrachtet man es in Bezug auf seine breitere Wirkung, teilt es ein Erbe mit allem von der Neo-Concret-Bewegung über Fluxus bis hin zur Sozialen Praxis Kunst.
Maria Lai - Spazio e Telaio, 1971. Holz, Schnur, Leinwand, Tempera. 197 x 70 x 30 cm (77,56 x 27,56 x 11,81 in). Mit freundlicher Genehmigung von Galerie Thaddaeus Ropac, London · Paris · Salzburg © Archivio Maria Lai by SIAE 2020 Foto: Bani
Magdalena Wiecek
Außerhalb von Museen in ihrer polnischen Heimat sind Werke von Magdalena Wiecek schwer persönlich zu sehen. Ihre Praxis basierte auf einer humanistischen Erkundung von Formen und Beziehungen. Mehr verwandt mit organischer und biomorpher Abstraktion als mit Minimalismus, umfasst ihr Œuvre dennoch eine Reihe von Objekten – von kleinen Skulpturen bis hin zu monumentalen Installationen –, die die einfachen räumlichen und geometrischen Anliegen der minimalistischen Kunst erkunden. Besonders bemerkenswert sind die Auswahl kleiner Bronzeskulpturen, die in "The Female Side of Minimalism" bei Thaddaeus Ropac enthalten sind, die nicht nur formalistische Anliegen berühren, sondern auch auf metaphysische Themen wie Introspektion und das Schatten-Ich hinweisen.
Magdalena Wiecek - Volatile I, 1970. Messing. 65 x 30 x 54 cm (25,59 x 11,81 x 21,26 in). Mit freundlicher Genehmigung des Nachlasses von Magdalena Wiecek und Galerie Thaddaeus Ropac, London · Paris · Salzburg © Nachlass von Magdalena Wiecek
Lolo Soldevilla
Fast völlig unbekannt außerhalb ihres Heimatlandes Kuba, war Loló Soldevilla eines der Schlüsselmitglieder eines kleinen avantgardistischen Kollektivs von konkreten Künstlern, das in der Mitte des 20. Jahrhunderts in Havanna tätig war. Sie starb 1971 im Alter von 70 Jahren und hinterließ einen wunderbaren Körper von Reliefs, Malereien und Zeichnungen, die auf verspielte Weise räumliche und geometrische Anliegen ausdrücken. Ihre Arbeit war besonders auf konstruktive Zwecke ausgerichtet, anstatt rein plastische Zwecke zu verfolgen. Sie in dieses Gespräch über Minimalismus einzubeziehen, fühlt sich sowohl für sie als auch für die Bewegung erweiternd an.
Lolo Soldevilla - Komposition, 1954. Holzschnittstrukturen auf Holz. 45,7 x 94 cm (18 x 37 in). © Nachlass von Lolo Soldevilla Foto: Charles Duprat
Ana Priester
Für mich ist die 95-jährige argentinische Künstlerin Ana Sacerdote die lohnendste Offenbarung in The Female Side of Minimalism. Ein Gemälde und ein Film von Sacerdote sind in der Ausstellung enthalten. Der Film, der in den 1960er Jahren entstanden ist, ist eine einfache Animation von bunten geometrischen Formen. Er steht sublim mit dem Gemälde in Beziehung, das sie fast ein Jahrzehnt früher geschaffen hat. Ihr Werk spricht perfekt mit der minimalistischen Ästhetik, während es auch Boden in den Welten der kinetischen Kunst, Computerkunst, Video-Kunst und Neo-Concrete Art beansprucht.
Verena Loewensberg - Ohne Titel, 1953. Öl auf Leinwand. 85 x 65 cm (33,46 x 25,59 in). Mit freundlicher Genehmigung der Verena Loewensberg Stiftung und Galerie Thaddaeus Ropac, London · Paris · Salzburg © Verena Loewensberg Stiftung Foto: Charles Duprat
Verena Löwenberg
Die Schweizer Künstlerin Verena Loewensberg war eine weitere Offenbarung für mich in dieser Ausstellung. Ihre ruhigen, farbenfrohen Kompositionen lassen sich leicht in die Linie der Minimalismus-Ikonen wie Agnes Martin einordnen, doch sie sind auch lebhaft und poppig genug, um eine faszinierende ästhetische Brücke zu schlagen, die Bauhaus-Künstler wie Mondrian und Albers mit Bewegungen wie Pop Art und Post Painterly Abstraction verbindet.
Verena Loewensberg - Ohne Titel, 1963. Öl auf Leinwand. 61 x 61 cm (24,02 x 24,02 in). Mit freundlicher Genehmigung der Verena Loewensberg Stiftung und Galerie Thaddaeus Ropac, London · Paris · Salzburg © Verena Loewensberg Stiftung Foto: Charles Duprat
Shizuko Yoshikawa
Die in Japan geborene Künstlerin Shizuko Yoshikawa hat in Bezug auf Farbe und Komposition viel mit Verena Loewensberg gemeinsam, aber sie hat ihre Arbeiten in subtil einzigartigen Richtungen weiterentwickelt, insbesondere bei ihren Reliefs. Basierend auf einfachen Gittern schuf sie dimensionale Oberflächen, die Licht und Schatten einfangen, um eine ansonsten monochrome Palette in scheinbar leuchtende, illusionäre Felder zu verwandeln. Zusammen mit den Reliefs in "The Female Side of Minimalism" sind mehrere geometrische Studien enthalten, die Einblicke in die intensive Forschung geben, die Yoshikawa zu Geometrie und Farbbeziehungen betrieben hat.
Shizuko Yoshikawa - farbschatten 89/ 3x4, 1979—1980. Lack und Acryl auf Polyester. 75 x 100 cm (29,53 x 39,37 in). Mit freundlicher Genehmigung der Shizuko Yoshikawa und Joseph Müller-Brockmann Stiftung und Galerie Thaddaeus Ropac, London · Paris · Salzburg © Die Shizuko Yoshikawa und Joseph Müller-Brockmann Stiftung Foto: Charles Duprat
Rosemarie Castoro
Die amerikanische Künstlerin Rosemarie Castoro ist vielleicht die umstrittenste Aufnahme in The Female Side of Minimalism. Castoro sagte einmal: „Ich bin kein Minimalist. Ich bin ein Maximus.“ Ihre Anliegen waren größtenteils konzeptioneller Natur und weniger formal, und ihre Arbeiten erstreckten sich über eine Reihe von verschiedenen Bereichen, einschließlich Zeichnung, Skulptur und Installation. Was an ihrer Arbeit als minimalistisch betrachtet werden könnte, ist ihre allgemeine visuelle Sprache, die sich auf monochromatische Farbpaletten, lineare Kompositionen und manchmal geometrische Formen konzentrierte. Ebenso oft tauchte sie jedoch in eine gespenstische, unheimliche Welt organischer Formen ein, die an die Natur und den menschlichen Körper erinnern. Im Gegensatz zu einigen der anderen theoretischen Dehnungen in dieser Ausstellung scheint es tatsächlich, etwas von dem, was Castoro zu erreichen versuchte, wegzunehmen, sie als Minimalistin zu bezeichnen. Dennoch gibt es auch etwas grundsätzlich Reduktives oder vielleicht Deduktives an der Poesie, die in all ihren Arbeiten durchscheint, sodass, wenn Reduktion und Deduktion im Herzen der minimalistischen Ästhetik liegen, Castoro dazugehört.
Rosemarie Castoro - Sept 68, 1968. Graphit auf Papier. Motiv 33,66 x 38,1 cm (13,25 x 15 in) Papier 66,04 x 48,9 cm (26 x 19,25 in) Rahmen 65,41 x 69,85 x 4,45 cm (25,75 x 27,5 x 1,75 in). © Der Nachlass von Rosemarie Castoro. Mit freundlicher Genehmigung von Anke Kempkes Art Advisory Foto: Charles Duprat
Vorschaubild: Lolo Soldevilla - Untitled, 1954. Mischtechnik auf Holz. 46 x 72,1 cm (18,125 x 28,375 in). © Nachlass von Lolo Soldevilla
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken.
Von Phillip Barcio
