Die weibliche Seite des Minimalismus bei Thaddaeus Ropac

Jedes Jahr behaupten verschiedene Ausstellungen, Werke von marginalisierten Künstlerinnen zu zeigen, die zu Unrecht aus dem historischen Kanon ausgeschlossen wurden. Oft sind die Künstlerinnen tatsächlich erfolgreich, nur nicht „berühmt“, und die Werke kaum der Geschichte würdig, sie zu ändern. Die weibliche Seite des Minimalismus in der Londoner Ely House Niederlassung von Thaddaeus Ropac ist eine bemerkenswerte Ausnahme von der üblichen Vorgehensweise. Mit mehr als 70 Werken aus den 1920er bis 2000er Jahren von einem internationalen und generationenübergreifenden Ensemble von 13 Künstlerinnen erweitert die Ausstellung das allgemeine Verständnis von Minimalismus durch die Hervorhebung mehrerer Künstlerinnen, deren Karrieren die Bewegung auf unerwartete Weise bereichern. Die Auswahl umfasst Gemälde, Zeichnungen, Videos, Fotografien, Skulpturen und Reliefs und zeigt das weite Feld der Experimente, das diese Künstlerinnen kultiviert haben. Obwohl nicht alle Künstlerinnen der Ausstellung genau in die Definition von Minimalismus passen, ist das Gespräch, das ihre Einbeziehung anstößt, auf jeden Fall lohnenswert. Ursprünglich bis zum 18. Dezember 2020 geplant, ist die Ausstellung derzeit aufgrund der COVID-19-Beschränkungen im Vereinigten Königreich geschlossen. Hier sind vorerst Einführungen zu acht der Künstlerinnen der Ausstellung, deren Werke wir besonders ansprechend finden.

Mary Miss

Mary Miss, Gründungsherausgeberin der Zeitschrift Heresies, wird selten im Zusammenhang mit der Minimalismus-Geschichte betrachtet. Ihre Werke sind eher den Anhängern von Land Art und feministischer Kunst vertraut. Ihre plastischen Anliegen drehen sich häufig um die elegante Vorstellung, gleichzeitig Flächigkeit und Raum zu schaffen. Als erste Künstlerin, die im wegweisenden Essay „Sculpture in the Expanded Field“ von Rosalind Krauss aus dem Jahr 1979 genannt wird, ist Miss alles andere als anonym. Diese Ausstellung setzt sie jedoch in einen Kontext, der ihrer Arbeit eine erfrischende Dimension hinzufügt.

Mary Miss – Relief, 1968. Stahl und Draht. 41 x 635 cm (16,14 x 250 Zoll). Mit freundlicher Genehmigung von Mary Miss und Galerie Thaddaeus Ropac, London · Paris · Salzburg © Mary Miss Foto: Charles Duprat

Maria Lai

Als die sardische Künstlerin Maria Lai 2012 starb, war sie außerhalb ihrer Heimat weitgehend unbekannt. 2017 änderte sich das, als ihre Werke sowohl auf der Biennale in Venedig als auch auf der Documenta gezeigt wurden. Lai wird normalerweise nicht im Zusammenhang mit Minimalismus betrachtet, schuf jedoch Werke, die materielle Empfindungen mit Erinnerung, Geschichte und gemeinschaftlichen Erfahrungen verbanden. Ihr bekanntestes Werk war eine Performance von 1981 namens „Den Berg binden“, bei der Bürger von Kindern bis zu Alten halfen, ein einziges blaues Band durch die ganze Stadt Ulassai zu spannen. In Bezug auf Linie und Farbe war es sicherlich ein minimalistisches Werk. Betrachtet man die breitere Wirkung, teilt es ein Erbe mit allem von der Neo-Konkreten Bewegung über Fluxus bis zur Sozialen Praxis-Kunst.

Maria Lai – Spazio e Telaio, 1971. Holz, Schnur, Leinwand, Tempera. 197 x 70 x 30 cm (77,56 x 27,56 x 11,81 Zoll). Mit freundlicher Genehmigung Galerie Thaddaeus Ropac, London · Paris · Salzburg © Archivio Maria Lai by SIAE 2020 Foto: Bani

Magdalena Wiecek

Außerhalb von Museen in ihrer polnischen Heimat sind Werke von Magdalena Wiecek schwer persönlich zu sehen. Ihre Arbeit basierte auf einer humanistischen Erforschung von Formen und Beziehungen. Mehr verwandt mit organischer und biomorpher Abstraktion als mit Minimalismus, umfasst ihr Werk dennoch eine Reihe von Objekten – von kleinen Skulpturen bis zu monumentalen Installationen –, die die einfachen räumlichen und geometrischen Anliegen minimalistischer Kunst erforschen. Besonders hervorzuheben sind die Auswahl kleiner Messingskulpturen in „Die weibliche Seite des Minimalismus“ bei Thaddaeus Ropac, die nicht nur formalistische Anliegen berühren, sondern auch auf metaphysische Themen wie Selbstbetrachtung und den Schatten des Selbst hinweisen.

Magdalena Wiecek – Volatile I, 1970. Messing. 65 x 30 x 54 cm (25,59 x 11,81 x 21,26 Zoll). Mit freundlicher Genehmigung Nachlass Magdalena Więcek und Galerie Thaddaeus Ropac, London · Paris · Salzburg © Nachlass Magdalena Więcek

Lolo Soldevilla

Fast völlig unbekannt außerhalb ihrer kubanischen Heimat war Loló Soldevilla eines der Schlüsselmitglieder eines kleinen avantgardistischen Kollektivs von Konkreten Künstlern, das Mitte des 20. Jahrhunderts in Havanna tätig war. Sie starb 1971 im Alter von 70 Jahren und hinterließ einen wunderbaren Bestand an Reliefs, Gemälden und Zeichnungen, die räumliche und geometrische Anliegen verspielt ausdrücken. Ihre Arbeit war besonders auf konstruktive Ziele ausgerichtet und weniger auf rein plastische. Sie in das Gespräch um Minimalismus einzubeziehen, erweitert sowohl ihr Werk als auch die Bewegung.

Lolo Soldevilla – Composicion, 1954. Holzschnittstrukturen auf Holz. 45,7 x 94 cm (18 x 37 Zoll). © Nachlass Lolo Soldevilla Foto: Charles Duprat

Ana Sacerdote

Für mich ist die 95-jährige argentinische Künstlerin Ana Sacerdote die lohnendste Entdeckung in „Die weibliche Seite des Minimalismus“. Ein Gemälde und ein Film von Sacerdote sind in der Ausstellung enthalten. Der Film, in den 1960er Jahren entstanden, ist eine einfache Animation farbiger geometrischer Formen. Er steht in wunderbarem Zusammenhang mit dem Gemälde, das sie fast ein Jahrzehnt früher schuf. Ihre Arbeit steht in perfektem Dialog mit minimalistischen Ästhetiken und beansprucht zugleich Raum in den Welten der kinetischen Kunst, Computerkunst, Videokunst und Neo-Konkreten Kunst.

Verena Loewensberg – Ohne Titel, 1953. Öl auf Leinwand. 85 x 65 cm (33,46 x 25,59 Zoll). Mit freundlicher Genehmigung Verena Loewensberg Stiftung und Galerie Thaddaeus Ropac, London · Paris · Salzburg © Verena Loewensberg Stiftung Foto: Charles Duprat

Verena Loewensberg

Die Schweizer Künstlerin Verena Loewensberg war für mich eine weitere Entdeckung in dieser Ausstellung. Ihre ruhigen, farbenfrohen Kompositionen lassen sich leicht in die Reihe minimalistischer Ikonen wie Agnes Martin einordnen, sind aber auch lebendig und lebhaft genug, um eine faszinierende ästhetische Brücke zu Bauhaus-Künstlern wie Mondrian und Albers zu schlagen und Bewegungen wie Pop Art und Post Painterly Abstraction zu verbinden.

Verena Loewensberg – Ohne Titel, 1963. Öl auf Leinwand. 61 x 61 cm (24,02 x 24,02 Zoll). Mit freundlicher Genehmigung Verena Loewensberg Stiftung und Galerie Thaddaeus Ropac, London · Paris · Salzburg © Verena Loewensberg Stiftung Foto: Charles Duprat

Shizuko Yoshikawa

Die in Japan geborene Künstlerin Shizuko Yoshikawa teilt in Bezug auf Farbe und Komposition vieles mit Verena Loewensberg, ging aber besonders bei ihren Reliefs subtil eigene Wege. Basierend auf einfachen Gittern schuf sie dreidimensionale Flächen, die Licht und Schatten einbeziehen, um eine sonst monochrome Farbpalette in scheinbar leuchtende, illusionäre Felder zu verwandeln. Neben den Reliefs sind in „Die weibliche Seite des Minimalismus“ mehrere geometrische Studien enthalten, die Einblick in Yoshikawas intensive Forschung zu Geometrie und Farbzusammenhängen geben.

Shizuko Yoshikawa – farbschatten 89/ 3x4, 1979—1980. Lack und Acryl auf Polyester. 75 x 100 cm (29,53 x 39,37 Zoll). Mit freundlicher Genehmigung The Shizuko Yoshikawa and Joseph Müller-Brockmann Stiftung und Galerie Thaddaeus Ropac, London · Paris · Salzburg © The Shizuko Yoshikawa and Joseph Müller-Brockmann Stiftung Foto: Charles Duprat

Rosemarie Castoro

Die amerikanische Künstlerin Rosemarie Castoro ist vielleicht die umstrittenste Aufnahme in „Die weibliche Seite des Minimalismus“. Castoro sagte einmal ausdrücklich: „Ich bin keine Minimalistin. Ich bin eine Maximus.“ Ihre Anliegen waren überwiegend konzeptuell statt formal, und ihr Werk erstreckte sich über verschiedene Bereiche, darunter Zeichnung, Skulptur und Installation. Was an ihrem Werk als minimalistisch gelten könnte, ist ihre allgemeine Bildsprache, die monochrome Farbpaletten, lineare Kompositionen und manchmal geometrische Formen in den Mittelpunkt stellt. Ebenso oft tauchte sie jedoch in eine unheimliche, gespenstische Welt organischer Formen ein, die an Natur und menschlichen Körper erinnern. Anders als bei einigen anderen theoretischen Erweiterungen in dieser Ausstellung scheint es tatsächlich etwas wegzunehmen, Castoro als Minimalistin zu bezeichnen. Dennoch gibt es auch etwas grundsätzlich Reduzierendes oder vielleicht Ableitendes an der Poesie, die in all ihren Werken durchscheint, sodass Castoro, wenn Reduktion und Ableitung im Kern der minimalistischen Ästhetik liegen, dazugehört.

Rosemarie Castoro – Sept 68, 1968. Graphit auf Papier. Motiv 33,66 x 38,1 cm (13,25 x 15 Zoll) Papier 66,04 x 48,9 cm (26 x 19,25 Zoll) Rahmen 65,41 x 69,85 x 4,45 cm (25,75 x 27,5 x 1,75 Zoll). © Nachlass Rosemarie Castoro. Mit freundlicher Genehmigung Anke Kempkes Kunstberatung Foto: Charles Duprat

Titelbild: Lolo Soldevilla – Ohne Titel, 1954. Mischtechnik auf Holz. 46 x 72,1 cm (18,125 x 28,375 Zoll). © Nachlass Lolo Soldevilla
Alle Bilder dienen nur zur Veranschaulichung
Von Phillip Barcio