Erinnerung an den großen Robert Ryman

Der amerikanische Maler Robert Ryman ist im Alter von 88 Jahren verstorben. Sein Tod wurde in einer Erklärung seiner Galerie bekannt gegeben. Als Autodidakt schuf Ryman ein umfangreiches Werk, das Betrachter seit mehr als 50 Jahren fasziniert, erfreut und verwirrt. Die überwiegende Mehrheit seiner Gemälde war meist weiß. Ryman betonte jedoch stets, dass sie nicht als „weiße Gemälde“ gedacht waren. Vielmehr beschrieb er sie als Gemälde, bei denen die Farbe Weiß genutzt wurde, um andere Dinge sichtbar zu machen. Er versuchte nicht, selbst Dinge zu offenbaren. Er verfolgte keine soziale, politische oder geistige Absicht. Stattdessen schuf er Situationen, in denen die Gemälde sich selbst offenbaren konnten. Weiß, so glaubte er, war aufschlussreicher als andere Farben. Er verglich die Wirkung mit verschüttetem Kaffee auf einem weißen Hemd. „Man sieht den Kaffee sehr deutlich“, sagte er. „Wenn man ihn auf ein dunkles Hemd verschüttet, sieht man ihn nicht so gut.“ Was die Dinge betrifft, die durch die Weißheit in seinen Gemälden sichtbar wurden, überließ Ryman dies großzügig den Betrachtern. Er sagte: „Was ein Gemälde ist, ist genau das, was die Menschen sehen.“ Im Laufe der Jahrzehnte berichteten Menschen, in seinen Gemälden alle möglichen Dinge und Nicht-Dinge zu sehen. Einige sagen, sie sehen Wattebäusche oder Wolkenformationen. Andere berichten von konzeptuellen Ausdrücken der technischen Prozesse des Malens. Viele beschrieben das, was sie sehen, als abstrakt. Ryman jedoch betrachtete sich nicht als abstrakten Maler. Er sah seine Gemälde als selbstbezügliche Objekte. „Es gibt kein Symbol oder eine Geschichte, die ich erzählen muss“, sagte er. Sein leise vorgetragener Nachdruck in diesem Punkt machte ihn zum perfekten Botschafter für die ewige Bedeutung der Malerei. Indem er Hunderte von schönen Gemälden schuf und dabei kaum von der Verwendung einer einzigen Farbe abwich, bewies Ryman unbestreitbar, dass eine unendliche Vielfalt von Gemälden noch geschaffen werden kann.

Gemälde, keine Bilder

Robert Ryman wurde 1930 in Nashville, Tennessee geboren. Nach dem College diente er als Musiker in der US-Armee und spielte in einer Reserve-Band während des Koreakriegs. Als er 1953 nach New York City zog, hatte er die Absicht, Jazzmusiker zu werden, nicht Maler. Er hatte zuvor nie einen Kunstkurs besucht. Sein Hauptziel war es, eine Arbeit in der Stadt mit möglichst wenig Verantwortung zu finden, um sich ganz auf sein kreatives Leben konzentrieren zu können. Ryman nahm eine Stelle als Wachmann im Museum für Moderne Kunst an. Dort sah er seine ersten Gemälde. Zunächst erkannte er nicht, dass das, was er sah, Gemälde im eigentlichen Sinne waren. Er betrachtete die Dinge, die an den Wänden des Museums hingen, als Bilder. Er sah ihre Oberflächen und Materialien als zweitrangig gegenüber dem Thema, das die Bilder vermitteln sollten.

Robert Ryman - Attendant, 1984. Öl auf Fiberglas mit Aluminium, Bolzen und Schrauben. 51 7/8 x 47 x 2 1/8" (131,8 x 119,4 x 5,4 cm). Anne und Sid Bass Fonds. MoMA Sammlung. © 2019 Robert Ryman

Seine Meinung änderte sich beim ersten Anblick eines Gemäldes von Mark Rothko. Ryman sagte: „Ich hatte noch nie zuvor ein Gemälde so gesehen. Ich hatte die ganze Zeit Bilder betrachtet, und hier war etwas mit einem völlig anderen Gefühl.“ Rothko betrachtete seine Gemälde nicht als Bilder. Er sah sie als transzendentale Tore. Er wollte, dass Oberfläche, Farbe, Farben, Texturen, Licht und die physische Umgebung des Gemäldes alle Teil desselben Erlebnisses sind. Er wollte, dass die Betrachter nicht „auf“ die Gemälde schauen, sondern in das Erlebnis eintauchen. Durch die Betrachtung seiner Gemälde hoffte Rothko, dass die Betrachter in einen nachdenklichen Zustand eintreten – das war der eigentliche Sinn seiner Arbeit. „Ich wusste nicht, was er tat“, sagte Ryman. Aber von diesem Zeitpunkt an war Ryman zumindest bewusst, worin der wesentliche Unterschied zwischen Gemälden und Bildern besteht. Inspiriert von dieser Erkenntnis ging er zum ersten Mal in seinem Leben in den Baumarkt und kaufte Farben und eine Malunterlage.

Robert Ryman - Bridge, 1980. Öl und rostschützende Farbe auf Leinwand mit vier bemalten Metallbefestigungen und quadratischen Bolzen. 75 1/2 x 72 Zoll (191,7 x 182,8 cm). Konrad Fischer, Düsseldorf, Thomas Ammann, Zürich, vom oben genannten an den jetzigen Besitzer erworben. © 2019 Robert Ryman

Nie aufhören zu experimentieren

Da er nie Teil der akademischen Kunstwelt war, war Ryman frei von Vorurteilen, die sein Verständnis vom Malen hätten einschränken können. Er öffnete sich allen Möglichkeiten und erlaubte sich das Vergnügen, einfach den Prozess des Farbauftrags auf Oberflächen zu genießen. Er faszinierte sich für das Gefühl seiner verschiedenen Werkzeuge, die Art, wie sie mit verschiedenen Materialien interagierten, und wie diese Materialien verschiedene Oberflächen verwandelten. Seine ersten Gemälde waren fast einfarbig – meist grün oder orange. Doch die dominierende Farbe war nicht die einzige Farbe. „Untitled (Orange Painting)“ (1959) ist mit Gelb-, Rot-, Grün- und Blautönen gesprenkelt. Orange mag das Erste sein, was ein Betrachter sieht, doch bald darauf wird das Auge und dann der Geist von den Widersprüchen im Werk angezogen.

Robert Ryman - Untitled (Orange Painting), 1955 und 1959. Öl auf Leinwand. 28 1/8 x 28 1/8 Zoll (71,4 x 71,4 cm). Teilweise und versprochene Schenkung von Jo Carole und Ronald S. Lauder zu Ehren von David Rockefeller an seinem 100. Geburtstag. MoMA Sammlung. © 2019 Robert Ryman

Diese Widersprüche zogen Ryman schließlich zur Farbe Weiß, weil sie so starke Gegensätze bot. Dennoch verlor Ryman trotz seiner starken Abhängigkeit von Weiß nie den Sinn für das Experimentieren, der seine frühesten Werke prägte. Er war der lebende Beweis für die Idee, dass Beschränkung Kreativität hervorbringt. Er blieb bei Weiß, verwendete aber Dutzende von Materialien. Er hielt an einem quadratischen Format fest, variierte jedoch die Größe, von Gemälden, die nur wenige Zentimeter messen, bis zu einem, das im Grunde eine quadratische Wand ist. Er fand Vielfalt in den Arten von Oberflächen, die er bemalte, und experimentierte damit, wie seine Gemälde an Wänden befestigt wurden. Das Einzige, was er nicht variierte, waren die Umstände, unter denen seine Gemälde gezeigt wurden. Damit seine Gemälde richtig wirken konnten, glaubte er, müssten sie an den Wänden sauberer, weiß gestrichener Galerien mit standardisierter Beleuchtung ausgestellt werden. Sein Ausstellungstraditionalismus beruhte auf der Überzeugung, dass jedes Gemälde etwas Eigenes hat, das es ausdrücken möchte. „Das Gemälde braucht eine gewisse ehrfürchtige Atmosphäre, um vollständig zu sein“, sagte Ryman einmal zu Art21. „Es muss in einer Situation sein, in der es sich offenbaren kann.“

Titelbild: Robert Ryman - Untitled, 1965. Emaille auf Bristol-Karton. 7 3/4 x 8 1/8 Zoll (19,7 x 20,6 cm). MoMA Sammlung. © 2019 Robert Ryman
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken
Von Phillip Barcio