Erinnerung an den großen Robert Ryman

Der amerikanische Maler Robert Ryman ist im Alter von 88 Jahren gestorben. Sein Tod wurde in einer Erklärung seiner Galerie bekannt gegeben. Als autodidaktischer Künstler schuf Ryman ein umfangreiches Werk, das Zuschauer seit über 50 Jahren fasziniert, erfreut und verwirrt. Der Großteil seiner Gemälde war überwiegend weiß. Ryman wies jedoch immer schnell darauf hin, dass sie nicht als „weiße Gemälde“ gedacht waren. Vielmehr beschrieb er sie als Gemälde, bei denen die Farbe Weiß genutzt wurde, um andere Dinge sichtbar zu machen. Er wollte nicht selbst Dinge offenbaren. Er hatte keine sozialen, politischen oder intellektuellen Agenden. Vielmehr schuf er Situationen, in denen die Gemälde sich selbst offenbaren konnten. Weiß, so glaubte er, war aufschlussreicher als andere Farben. Er verglich den Effekt mit dem Verschütten von Kaffee auf ein weißes Hemd. „Man sieht den Kaffee sehr deutlich“, sagte er. „Wenn man ihn auf ein dunkles Hemd verschüttet, sieht man es nicht so gut.“ Was die Frage betrifft, welche Dinge durch die Weißheit in seinen Gemälden offenbart wurden, ließ Ryman dies großzügig den Zuschauern überlassen. Er sagte: „Was Malerei ist, ist genau das, was die Menschen sehen.“ Im Laufe der Jahrzehnte berichteten die Menschen, dass sie allerlei Dinge und Nicht-Dinge in seinen Gemälden sehen. Einige sagen, sie sehen Wattebäusche oder Wolkenformationen. Andere berichten, dass sie konzeptionelle Ausdrücke der technischen Prozesse des Malens sehen. Viele beschrieben das, was sie sehen, als abstrakt. Ryman hingegen betrachtete sich nicht als abstrakten Maler. Er betrachtete seine Gemälde als selbstreferentielle Objekte. „Es gibt keine Symbolik oder Geschichte, die ich erzählen muss“, sagte er. Sein sanftes, beharrliches Bestehen auf diesem Punkt machte ihn zum perfekten Botschafter für die ewige Relevanz der Malerei. Indem er Hunderte von schönen Gemälden schuf, während er kaum von seiner Verwendung einer einzigen Farbe abwich, bewies Ryman unbestreitbar, dass eine endlose Vielfalt von Gemälden noch darauf wartet, geschaffen zu werden.

Gemälde, keine Bilder

Robert Ryman wurde 1930 in Nashville, Tennessee, geboren. Nach dem Abschluss des Colleges diente er als Musiker in der US-Armee und spielte während des Koreakriegs in einer Reserveband der Armee. Als er 1953 nach New York City zog, tat er dies mit der Absicht, Jazzmusiker zu werden, nicht Maler. Er hatte zuvor noch nie einen Kunstkurs besucht. Sein Hauptziel war es, einen Job in der Stadt mit so wenig Verantwortung wie möglich zu finden, damit er sich ganz auf sein kreatives Leben konzentrieren konnte. Ryman nahm eine Stelle als Wachmann im Museum of Modern Art an. Dort sah er seine ersten Gemälde. Zunächst erkannte er nicht, dass das, was er betrachtete, Gemälde im eigentlichen Sinne waren. Er sah die Dinge, die an den Wänden des Museums hingen, als Bilder. Er betrachtete ihre Oberflächen und Materialien als sekundär im Vergleich zu dem, was die Bilder vermitteln sollten.

Robert Ryman - Attendant, 1984. Öl auf Fiberglas mit Aluminium, Bolzen und Schrauben. 51 7/8 x 47 x 2 1/8" (131,8 x 119,4 x 5,4 cm). Anne und Sid Bass Fonds. MoMA Sammlung. © 2019 Robert Ryman

Sein Denken änderte sich, als er zum ersten Mal ein Gemälde von Mark Rothko sah. Ryman sagte: „Ich hatte noch nie zuvor ein Gemälde auf diese Weise gesehen. Ich hatte die ganze Zeit Bilder betrachtet, und hier war etwas, das ein völlig anderes Gefühl hatte.“ Rothko betrachtete seine Gemälde nicht als Bilder. Er hielt sie für transzendentale Tore. Er beabsichtigte, dass die Oberfläche, die Farbe, die Farben, die Texturen, das Licht und die physischen Umgebungen des Gemäldes alle Teil derselben Erfahrung sind. Er wollte, dass die Betrachter nicht „auf“ die Gemälde schauen, sondern in die Erfahrung eintauchen. Durch die Kontemplation seiner Gemälde hoffte Rothko, dass die Betrachter in einen kontemplativen Zustand eintreten würden – das war der eigentliche Sinn seiner Arbeit. „Ich wusste nicht, was er tat“, sagte Ryman. Aber Ryman war sich ab diesem Zeitpunkt zumindest des wesentlichen Unterschieds zwischen Gemälden und Bildern bewusst. Inspiriert von dieser Offenbarung ging er zum Baumarkt und kaufte zum ersten Mal in seinem Leben Farben und eine Oberfläche, um darauf zu malen.

Robert Ryman - Bridge, 1980. Öl und Rostschutzfarbe auf Leinwand mit vier lackierten Metallbefestigungen und quadratischen Schrauben. 75 1/2 x 72 Zoll (191,7 x 182,8 cm). Konrad Fischer, Düsseldorf, Thomas Ammann, Zürich, Vom oben genannten erworben durch den jetzigen Eigentümer. © 2019 Robert Ryman

Nie aufhören zu experimentieren

Da Ryman nie an der akademischen Kunstwelt teilgenommen hatte, war er von jeglichen Vorurteilen befreit, die sein Verständnis davon, wie man ein Gemälde macht, herausgefordert haben könnten. Er öffnete sich für jede Möglichkeit und erlaubte sich das Vergnügen, einfach den Prozess des Auftragens von Farbe auf Oberflächen zu genießen. Er faszinierte sich für das Gefühl seiner verschiedenen Werkzeuge, die Art und Weise, wie sie mit verschiedenen Medien interagierten, und die Art und Weise, wie diese Medien verschiedene Oberflächen verwandelten. Seine ersten Gemälde waren nahezu monochromatisch – hauptsächlich grün oder orange. Aber die dominante Farbe war nicht die einzige Farbe. "Untitled (Orange Painting)" (1959) ist gesprenkelt mit Gelb, Rot, Grün und Blau. Orange mag das Erste sein, was ein Betrachter sieht, aber bald darauf wird das Auge und dann der Verstand von den Widersprüchen in dem Werk angezogen.

Robert Ryman - Untitled (Orange Painting), 1955 und 1959. Öl auf Leinwand. 28 1/8 x 28 1/8" (71,4 x 71,4 cm). Teilweise und versprochenes Geschenk von Jo Carole und Ronald S. Lauder zu Ehren von David Rockefeller an seinem 100. Geburtstag. MoMA Sammlung. © 2019 Robert Ryman

Diese Widersprüche sind es, die Ryman schließlich zu der Farbe Weiß zogen, weil sie so starke Kontraste bot. Doch trotz der starken Abhängigkeit von der Farbe Weiß verlor Ryman nie das Gefühl für Experimentierfreude, das seine frühesten Werke prägte. Er war der lebende Beweis für die Idee, dass Einschränkung Kreativität hervorbringt. Er hielt sich an Weiß, verwendete aber Dutzende von Medien. Er blieb bei einem quadratischen Format, variierte jedoch die Größe, von Gemälden, die nur wenige Zoll groß sind, bis hin zu einem, das im Wesentlichen eine quadratische Wand ist. Er fand Vielfalt in den Arten von Oberflächen, auf denen er malte, und experimentierte damit, wie seine Gemälde an Wänden befestigt waren. Das Einzige, was er nicht variierte, waren die Umstände, unter denen seine Gemälde gezeigt wurden. Damit seine Gemälde richtig funktionieren konnten, glaubte er, dass sie an den Wänden sauberer, weißer Galerien mit standardmäßiger Beleuchtung ausgestellt werden mussten. Sein traditioneller Ausstellungsglaube beruhte auf der Überzeugung, dass jedes Gemälde etwas Eigenes hat, das es ausdrücken möchte. "Das Gemälde braucht eine bestimmte ehrfurchtsvolle Atmosphäre, um vollständig zu sein", sagte Ryman einmal zu Art21. "Es muss in einer Situation sein, damit es sich offenbaren kann."

Vorschaubild: Robert Ryman - Untitled, 1965. Emaille auf Bristolkarton. 7 3/4 x 8 1/8" (19,7 x 20,6 cm). MoMA Sammlung. © 2019 Robert Ryman
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken.
Von Phillip Barcio