Erreichung der Lumineszenz - Mark Rothkos Orange und Gelb

Mark Rothko ist vielleicht der meist missverstandene Künstler des 20. Jahrhunderts. Sein Werk wird fast ausschließlich in Bezug auf seine formalen Eigenschaften wie Farbe und Form besprochen, doch Rothko bestand darauf, dass seine Gemälde keine formalistischen Objekte seien, sondern esoterische Zeichen eines moralischen Universums, ähnlich wie Gedichte. Sein Gemälde „Orange und Gelb“ (1956) ist ein perfektes Beispiel für dieses Missverständnis. Jeder vernünftige Betrachter würde es anhand seiner visuellen Eigenschaften beschreiben. Er würde sagen, es sei eine vertikal ausgerichtete rechteckige Leinwand, bemalt mit orangefarbenen und gelben Quadraten mit einem helleren orangen Rand, und dass die Quadrate und der Rand keine scharfen Kanten haben, sondern weich sind und ineinander zu verschwimmen scheinen. Aber Rothko sah dieses Gemälde, wie viele seiner Werke, als ein Tor – eine Tür, durch die Betrachter in eine Wahrnehmungswelt eintreten konnten, in der mythische Dramen durch die Gefühle zugänglich sind. „Orange und Gelb“ verkörpert diesen Standpunkt, weil es eine seltene und besondere Eigenschaft besitzt, die Rothko häufig versuchte, aber selten erreichte: Leuchtkraft. Es scheint von innen heraus zu leuchten, als ob es sein eigenes Licht erzeugt, als ob ein geheimnisvoller Raum in ihm existiert und das Licht aus diesem Raum in diese Dimension strahlt. Dieses Licht ist ein Lockruf an die Betrachter, sich dem Werk zu nähern und sich von ihm einnehmen zu lassen. Dort, von Angesicht zu Angesicht mit dem Unbekannten, hoffte Rothko, dass wir nicht mit den unwichtigen, formalen Oberflächeneigenschaften des Werks in Verbindung treten, sondern dass wir unseren Geist für eine wahrhaft intime, voll menschliche Erfahrung mit dem Unbekannten öffnen würden.

Der Maler der Anarchie

Rothko bezeichnete sich häufig selbst als Anarchisten, eine Erklärung, die er bis zum Jahr seines Suizids im Alter von 66 Jahren wiederholte. Er wollte damit nicht sagen, dass er Chaos oder Gewalt befürwortete. Er meinte nur, dass er Autorität misstraute. Er glaubte, dass die einzige wahre Autorität in den uralten moralischen Fragen liegt, mit denen sich die Menschen seit jeher auseinandersetzen. Die Ernsthaftigkeit, mit der er an diesen Glauben hielt, wurde durch seine Herkunft bestärkt. Rothko wurde 1903 in Dvinsk, Russland, geboren. Um dem Antisemitismus zu entkommen, wanderte seine Familie in die Vereinigten Staaten aus. Sein Vater und zwei ältere Brüder kamen 1910, Rothko und der Rest der Familie folgten 1913. Kaum angekommen, starb sein Vater. Er und seine Geschwister mussten Arbeit finden, der Beginn eines Lebens voller harter Arbeit, das für Rothko nie endete.

Die Haltung, die er während dieser Mühen entwickelte, machte Rothko äußerst selbstständig. Er gewann Selbstvertrauen und lernte, seinen Instinkten und seinem Verstand zu vertrauen. Er übersprang zwei Schuljahre und erhielt ein Stipendium für Yale, verließ diese Universität jedoch 1923 mit der Begründung, dass er die Einrichtung für elitär hielt. Nach dem Abbruch zog er nach New York City, wo er zum ersten Mal Kunstunterricht nahm. Da er keine formale Ausbildung in Kunstgeschichte hatte, war er nicht mit dem Glauben an ein hierarchisches System der Kunstwelt belastet. Er sah Malerei einfach als Mittel, um die menschliche Lage zu thematisieren, die er als eng mit Philosophie und Psychologie verbunden empfand. Seine frühesten Werke in den 1930er Jahren erforschten bildhaft die großen Mythen der Menschheit. Dann wurde er allmählich bis in die frühen 1940er Jahre symbolischer in seiner Darstellung. Schließlich, gegen Ende der 1940er Jahre, fand er zu seinem reifen Stil, von dem „Orange und Gelb“ ein ideales Beispiel ist. Er empfand diesen Stil als Ausdruck seiner anarchistischen Überzeugungen, da in diesen Gemälden jeder Betrachter sich von Erwartungen darüber, wie man Kunst begegnen soll, befreien und sich stattdessen den zeitlosen, überzeitlichen, metaphysischen Wirklichkeiten seines eigenen Bewusstseins hingeben konnte.

Vom Licht zur Dunkelheit

„Orange und Gelb“ ist eine besonders direkte Komposition. Seine begrenzte Farbpalette und vereinfachte Bildsprache bieten wenige Ablenkungen für die Augen und verkörpern das Ziel, das sich Rothko setzte, das er als „Beseitigung aller Hindernisse zwischen dem Maler und der Idee und zwischen der Idee und dem Betrachter“ beschrieb. Seine leuchtenden Eigenschaften markieren auch eine Art Wendepunkt, denn nur zwei Jahre später veränderte Rothko seine Farbpalette zugunsten meist dunklerer Töne erheblich. Seine dunkleren Gemälde sind viel ernster. Einige Betrachter empfinden sie als bedrohlich, andere sehen in ihnen heilige Qualitäten – Qualitäten, die in der Rothko-Kapelle, einem dauerhaften Ausstellungsraum in Houston, den John und Dominique Menil 1964 in Auftrag gaben, verkörpert sind. In diesem Raum hängen 14 fast schwarze Gemälde. Der Raum wird nur mit natürlichem Licht erhellt. Je nach den atmosphärischen Bedingungen draußen verändern sich die Werke vor den Augen, von subtilen Grautönen über Blau bis hin zu Schwarz.

„Orange und Gelb“ steht auch in dramatischem Gegensatz zu der letzten Gemäldereihe, die Rothko in seinem Leben in den späten 1960er Jahren vollendete. Manchmal als „Dunkle Gemälde“ oder „Schwarz auf Grau“ bezeichnet, entstanden sie, nachdem Rothko einen Aneurysma erlitten hatte, der ihn fast das Leben kostete, und nachdem er sich von seiner zweiten Frau getrennt hatte. Während er an der Serie arbeitete, wurde Rothko mit einer Ehrendoktorwürde von Yale ausgezeichnet, eine Anerkennung, die gleichermaßen ironisch wie bestätigend war, da sie von einer Schule kam, die er verachtete, und auch ein Zeichen dafür war, dass er zu einem System beigetragen hatte, dessen Autorität er nicht vertraute. Diese Anerkennung bedeutete ihm letztlich jedoch nichts. Alles, was er wirklich wollte, war das Gefühl, dass die breite Öffentlichkeit seine Werke endlich verstand. Doch genau das geschah nicht, als er die „Dunklen Gemälde“ ausstellte. Kritiker beschrieben sie in dekorativen Begriffen, was Rothko erneut das Gefühl gab, missverstanden zu werden. Kurz nach ihrer Premiere nahm Rothko eine Überdosis Tabletten und schnitt sich die Handgelenke auf, was eine seiner tief verwurzelten Überzeugungen über Kunst manifestierte: dass sie nur „gültig ist, wenn sie tragisch und zeitlos ist.“ „Orange und Gelb“ sticht jedoch als Ausnahme von dieser Regel hervor: ein leuchtendes, transzendentes Gemälde, das auch heute noch unser Verständnis davon vertieft, wie abstrakte Kunst den menschlichen Geist mit dem Unbekannten verbinden kann.

Abgebildetes Bild: Mark Rothko – Orange und Gelb, 1956. 231,1 x 180,3 cm. Albright-Knox Kunstgalerie, Buffalo, NY, USA. © Mark Rothko
Von Phillip Barcio