Erreichung der Lumineszenz - Mark Rothkos Orange und Gelb

Mark Rothko könnte der am meisten missverstandene Künstler des 20.^ten Jahrhunderts sein. Seine Werke werden fast ausschließlich in Bezug auf ihre formalen Qualitäten, wie Farbe und Form, diskutiert, doch Rothko bestand darauf, dass seine Gemälde keine formalistischen Objekte, sondern esoterische Signifikanten eines moralischen Universums, wie Gedichte, sind. Sein Gemälde „Orange und Gelb“ (1956) ist ein perfektes Beispiel für dieses Missverständnis. Jeder vernünftige Betrachter würde es in Bezug auf seine visuellen Qualitäten beschreiben. Er würde sagen, es handelt sich um eine vertikal ausgerichtete rechteckige Leinwand, die mit orangefarbenen und gelben Quadraten sowie einem helleren orangefarbenen Rand bemalt ist, und dass die Quadrate und der Rand keine harten Kanten haben, sondern weich sind und ineinander zu verschwinden scheinen. Aber Rothko sah dieses Gemälde, wie viele seiner Gemälde, als ein Tor – eine Tür, durch die die Betrachter in eine Welt der Wahrnehmung eintreten könnten, in der mythische Dramen durch die Emotionen zugänglich gemacht werden können. „Orange und Gelb“ verkörpert diesen Standpunkt, weil es eine seltene und spezifische Qualität besitzt, die Rothko häufig anstrebte, aber selten erreichte: Lumineszenz. Es scheint von innen zu leuchten, als ob es sein eigenes Licht erzeugt, als ob ein mysteriöser Raum in ihm existiert und das Licht aus diesem Raum in diese Dimension strahlt. Dieses Licht ist ein Sirenengesang für die Betrachter, sich dem Werk zu nähern, um von ihm absorbiert zu werden. Dort, Angesicht zu Angesicht mit dem Unbekannten, hoffte Rothko, dass wir uns nicht mit den irrelevanten, formalen, oberflächlichen Qualitäten des Werkes verbinden, sondern dass wir unsere Gedanken für eine wahrhaft intime, voll menschliche Erfahrung mit dem Unbekannten öffnen würden.

Der Maler der Anarchie

Rothko beschrieb sich häufig als Anarchisten, eine Erklärung, die er bis zu dem Jahr wiederholte, in dem er im Alter von 66 Jahren Suizid beging. Er wollte nicht andeuten, dass er Chaos oder Gewalt umarmte. Er meinte nur, dass er Autorität misstraute. Er glaubte, dass die einzige wahre Autorität in den uralten moralischen Fragen enthalten war, mit denen die Menschen seit jeher ringen. Die Ernsthaftigkeit, mit der er diesen Glauben vertrat, wurde durch seine Erziehung gestärkt. Rothko wurde 1903 in Dvinsk, Russland, geboren. Um dem Rassismus gegenüber Juden zu entkommen, wanderte seine Familie in die Vereinigten Staaten aus. Sein Vater und zwei ältere Brüder kamen 1910, und Rothko und der Rest der Familie folgten 1913. Sobald Rothko ankam, starb sein Vater. Er und seine Geschwister waren gezwungen, Jobs zu finden, der Beginn eines Lebens harter Arbeit, das für Rothko niemals endete.

Die Einstellung, die er während seiner Arbeit entwickelte, machte Rothko äußerst selbstständig. Er entwickelte Selbstvertrauen und lernte, seinen Instinkten und seinem Intellekt zu vertrauen. Er übersprang zwei Klassen in der Schule und erhielt ein Stipendium für Yale, verließ jedoch 1923 die Universität mit der Begründung, dass er die Institution als elitär empfand. Nach dem Abbruch zog er nach New York City, wo er zum ersten Mal an Kunstkursen teilnahm. Da er keine formale Ausbildung in Kunstgeschichte hatte, war er nicht mit dem Glauben an ein hierarchisches System belastet, das die Kunstwelt regiert. Er sah Malerei einfach als ein Mittel, um sich mit der menschlichen Existenz auseinanderzusetzen, die seiner Meinung nach eng mit Philosophie und Psychologie verbunden war. Seine frühesten Werke in den 1930er Jahren erkundeten figurativ die großen Mythen der Menschheit. Dann wurde er allmählich, durch die frühen 1940er Jahre, symbolischer in seiner Darstellung. Schließlich, gegen Ende der 1940er Jahre, kam er zu seinem reifen Stil, von dem „Orange und Gelb“ ein ideales Beispiel ist. Er fühlte, dass dieser Stil seine anarchischen Überzeugungen verkörperte, da in diesen Gemälden jeder Betrachter sich von den Erwartungen befreien konnte, wie man sich zur Kunst verhält, und stattdessen den zeitlosen, transzendentalen, metaphysischen Realitäten ihres eigenen Bewusstseins nachgeben konnte.

Von Licht zu Dunkelheit

„Orange und Gelb“ ist eine besonders direkte Komposition. Ihre begrenzte Farbpalette und die vereinfachte visuelle Sprache bieten nur wenige Ablenkungen für die Augen und verkörpern das Ziel, das sich Rothko gesetzt hat, das er als „die Beseitigung aller Hindernisse zwischen dem Maler und der Idee sowie zwischen der Idee und dem Betrachter“ beschrieb. Ihre leuchtenden Qualitäten markieren auch eine Art Wendepunkt, da Rothko nur zwei Jahre später seine Palette erheblich zugunsten überwiegend dunklerer Farbtöne veränderte. Seine dunkleren Gemälde sind viel ernster. Einige Betrachter sagen, sie seien bedrohlich, während andere sie als heilig empfinden – Qualitäten, die in der Rothko-Kapelle verkörpert sind, einem permanenten Ausstellungsraum in Houston, den John und Dominique Menil 1964 in Auftrag gaben. In diesem Raum hängen 14 nahezu schwarze Gemälde. Der Raum wird nur mit natürlichem Licht beleuchtet. Je nach den atmosphärischen Bedingungen draußen zeigen die Werke vor den Augen eine Transformation, von subtilen Grautönen zu blau bis schwarz.

„Orange und Gelb“ steht auch in dramatischem Kontrast zu der letzten Serie von Gemälden, die Rothko in seinem Leben vollendete, in den späten 1960er Jahren. Manchmal als die „Dunklen Gemälde“ oder „Schwarz auf Grauen“ bezeichnet, wurden sie gemalt, nachdem Rothko einen Aneurysma erlitt, der ihn fast das Leben kostete, und nachdem er sich von seiner zweiten Frau trennte. Während er an der Serie arbeitete, wurde Rothko mit einem Ehrendoktorat von Yale ausgezeichnet, eine Anerkennung, die sowohl ironisch als auch bestätigend war, da es eine Anerkennung von einer Schule war, die er verachtete, und auch eine Mitteilung, dass er zu einem System beigetragen hatte, dessen Autorität er nicht vertraute. Diese Anerkennung bedeutete ihm letztendlich jedoch nichts. Alles, was er wirklich wollte, war das Gefühl, dass die breite Öffentlichkeit endlich seine Werke verstand. Aber das war überhaupt nicht der Fall, als er die „Dunklen Gemälde“ ausstellte. Sie wurden von Kritikern in dekorativen Begriffen beschrieben, was Rothko erneut das Gefühl gab, missverstanden zu werden. Kurz nach ihrem Debüt nahm Rothko eine Überdosis Pillen und schnitt sich selbst die Handgelenke auf, was einen seiner fest verankerten Glaubenssätze über Kunst manifestierte: dass sie nur „gültig ist, wenn sie tragisch und zeitlos ist.“ „Orange und Gelb“ hebt sich jedoch als Ausnahme von dieser Regel hervor: ein leuchtendes, transzendentes Gemälde, das auch heute noch unser Verständnis dafür erhöht, wie abstrakte Kunst den menschlichen Geist mit dem Unbekannten verbinden kann.

Vorschaubild: Mark Rothko - Orange und Gelb, 1956. 231,1 x 180,3 cm. Albright-Knox Art Gallery, Buffalo, NY, USA. © Mark Rothko
Von Phillip Barcio