6 Beispiele für öffentliche abstrakte Kunst am Rande des Darstellenden

Manchmal nehmen Menschen abstrakte öffentliche Kunst an, und manchmal ganz bestimmt nicht. Einige abstrakte öffentliche Kunstwerke werden zu geliebten Teilen der öffentlichen Landschaft; andere werden missverstanden oder sogar von denen, die täglich mit ihnen leben, verabscheut. So oder so entsteht oft die Situation, dass die Öffentlichkeit, um zu verstehen, warum und wie ein neues abstraktes öffentliches Kunstwerk ihren Lebensraum eingenommen hat, eine eigene Erzählung darüber schafft, was das Werk ist, was es darstellt oder was es bedeutet. Einige der erfolgreichsten abstrakten öffentlichen Kunstwerke lassen sich leicht auch in gegenständlichen Begriffen deuten und bieten den Betrachtern die Möglichkeit, sich auf mehreren verschiedenen Ebenen mit ihnen zu verbinden. Hier sind sechs berühmte öffentliche Kunstwerke, die von den Gemeinschaften, in denen sie stehen, geliebt werden und die an der Grenze zwischen gegenständlich und abstrakt stehen.

Isamu Noguchi – Roter Würfel (New York)

Am 140 Broadway in New York City gelegen, ist der „Rote Würfel“ (1968) von Isamu Noguchi kein perfekter Würfel. Die rote, lackierte Stahlform ist leicht verzerrt, als wäre sie gedehnt. Durch die Mitte verläuft ein hohler, runder Tunnel. Das Werk ist leicht in gegenständlichen Begriffen zu erfassen, da ein Würfel eine so gebräuchliche geometrische Form ist. Doch gibt es auch viele abstrakte und symbolische Elemente in dem Werk. Abstrakt widerspricht es seiner Umgebung, da die Linien aller umliegenden Bauwerke vertikal und horizontal verlaufen, während jede Kante des „Roten Würfels“ diagonal ist. Das runde Loch stellt die Voyeurismus der unzähligen umliegenden Fenster infrage und bietet ein Guckloch, durch das man den benachbarten Wolkenkratzer sehen kann. Symbolisch sagte Noguchi: „Der Würfel steht für Zufall, wie beim Würfeln“, eine Anspielung auf die nahegelegene Wall Street. Der Künstler bemerkte auch, dass die Form sich auf „menschengemachte“ Blöcke bezieht, während das runde Loch „Sonnenstrahlung“ symbolisiert.

 

Isamu Noguchi – Roter Würfel, Broadway, Manhattan, New York. Foto: Николай Максимович

 

Sol LeWitt – Vierseitige Pyramide (Washington)

Im Skulpturengarten der Nationalgalerie in Washington, D.C., befindet sich die „Vierseitige Pyramide“ (1999), die typisch für viele Werke von LeWitt ist, da die „Struktur“, wie er sie nannte, entworfen, aber nicht von ihm gebaut wurde. Ein Team von Steinmetzen und Ingenieuren errichtete sie nach seinen genauen Anweisungen. Symbolisch sagte LeWitt, die Form beziehe sich auf „zurückgesetzte“ Wolkenkratzer, einen architektonischen Trend der Mitte des 20. Jahrhunderts, der die Form der Pyramide nachahmt. Gegenständlich könnte jeder dieses Werk ansehen und an die ägyptischen Pyramiden denken. Abstrakt ist es tief konzeptuell, da LeWitt beabsichtigte, dass es jederzeit, überall und von jedermann nachgebaut werden kann. Formal abstrakt bietet das Werk ein endlos wechselndes Zusammenspiel von Linien, Formen, Mustern und Gestalten, da das sich verändernde natürliche Licht mit den zahllosen Beton- und Mörteloberflächen interagiert.

 

Sol LeWitt – Vierseitige Pyramide. Erste Aufstellung 1997, gefertigt 1999 aus Betonblöcken und Mörtel. Gesamtmaß: 458,2 × 1012,2 × 970,9 cm (180 3/8 × 398 1/2 × 382 1/4 Zoll). Geschenk der Familie Donald Fisher 1998.149.1. Zu sehen im Skulpturengarten. © National Gallery of Art

 

Henry Moore – Große Zwei Formen (Toronto)

Ursprünglich 1973 auf dem Bürgersteig vor der Art Gallery of Ontario aufgestellt, befindet sich „Große Zwei Formen“ von Henry Moore nun in einem nahegelegenen Freiraum namens Grange Park. Die zwei Bronzeformen verkörpern das Interesse Moores an biomorpher Abstraktion. Sie rufen Assoziationen an Knochen hervor sowie an zwei menschliche Körper, die im Raum miteinander interagieren. Sie ähneln auch natürlichen Felsformationen, wie sie durch Erosion geformt werden könnten. Als dieses Werk an seinen neuen Standort versetzt wurde, änderten sich seine abstrakten Qualitäten erheblich, da es zum ersten Mal aus 360 Grad betrachtet werden konnte. Nicht mehr von einem hohen Gebäude flankiert, konnte es seine natürlichen organischen Eigenschaften freier ausdrücken. Umgeben von Gras und Bäumen ähnelt es weit weniger zwei menschlichen Formen und lädt viel mehr zu einer rein abstrakten Deutung ein.

 

Henry Moore – Große Zwei Formen. Art Gallery of Ontario. Foto: M. Readey

 

Anish Kapoor – Wolkentor (Chicago)

Eines der offensichtlichsten Beispiele für eine abstrakte öffentliche Skulptur, der von der Öffentlichkeit eine gegenständliche Deutung zugeschrieben wird, ist „Wolkentor“ (2006) von Anish Kapoor. Aufgestellt im Millennium Park in Chicago, wurde die 33 Fuß hohe Skulptur aus rostfreiem Stahl von den visuellen Eigenschaften von flüssigem Quecksilber inspiriert. Ihre abstrakten Züge umfassen ihre biomorphe Präsenz inmitten eines hohen Dschungels aus künstlichen geometrischen Bauwerken sowie ihre Fähigkeit, die Spiegelungen von Himmel, Stadt und Passanten zu verzerren. Trotz dieser Aspekte haben die Menschen in Chicago ihr berühmt-berüchtigt einen neuen Namen gegeben und sie „Die Bohne“ genannt, allein basierend auf ihrer bohnenförmigen Gestalt.

 

Anish Kapoor – Wolkentor, 2006. Millennium Park, Chicago. Foto: Nyx Ning

 

Claes Oldenburg und Coosje van Bruggen – Nadel, Faden und Knot (Mailand)

Entworfen von Claes Oldenburg und seiner Frau Coosje van Bruggen wurde „Nadel, Faden und Knot“ (2000) in Mailand, Italien, im Rahmen der Renovierung eines nahegelegenen Bahnhofs aufgestellt. Seine Farben spiegeln die der umliegenden Architektur wider, und seine Bildsprache, so Oldenburg, stellt einen Zug dar, der durch einen Tunnel fährt. Diese im Grunde gegenständliche Skulptur hat eine entgegengesetzte Reaktion erfahren als das „Wolkentor“ in Chicago. Anstatt auf ihre gegenständlichen Qualitäten zu reagieren, bewundern die Einheimischen sie dafür, wie ihre Linien, Farben und Formen mit den visuellen Elementen der umliegenden Architektur kontrastieren. Ihre Präsenz hebt die formalen abstrakten visuellen Qualitäten des gesamten öffentlichen Raums hervor und verleiht der Straße, den Laternenpfählen und den umliegenden Gebäuden eine neue, deutlich nicht-gegenständliche Ausstrahlung.

 

Claes Oldenburg und Coosje van Bruggen – Nadel, Faden und Knot, 2000. Mailand, Italien. Edelstahl, verstärkter Kunststoff, Polyester-Gelcoat, Polyurethan-Email. 18 m × 20 m × 37,5 m (59 ft × 65 ft × 123 ft). Foto: MarkusMark

 

Alexander Calder – Der Adler (Seattle)

Ursprünglich in Fort Worth, Texas, aufgestellt, ähnelt „Der Adler“ (1974) von Alexander Calder deutlich einem Raubvogel. Die 39 Fuß hohe, rot lackierte Stahlform scheint zwei Beine, zwei Flügel, einen Schwanz und einen Schnabel zu haben. Doch an seinem ursprünglichen Standort vor einem gläsernen Hochhaus gingen seine gegenständlichen Aspekte verloren. Inmitten des hoch aufragenden Stahl- und Glas-Hintergrunds verliehen seine lebhafte Farbe, biomorphen Kurven und die Vielzahl von Flächen dem Werk dramatische formale abstrakte Qualitäten. Doch in den 1990er Jahren wurde das Gebäude verkauft und die Skulptur von einer Investorengruppe erworben. Sie wurde kurzzeitig im Philadelphia Museum of Art ausgestellt, bevor die Kunstsammler Jon und Mary Shirley aus der Gegend von Seattle sie für das Seattle Art Museum kauften. Nun steht sie im am Meer gelegenen Olympic Sculpture Park, wo sie eine völlig andere visuelle Präsenz angenommen hat. Ohne andere hohe Bauwerke in der Nähe treten die gegenständlichen Aspekte von „Der Adler“ sofort in den Vordergrund, besonders angesichts der Tausenden von ansässigen Seevögeln, deren anmutige, urtümliche Formen so schön im Werk widerhallen.

 

Alexander Calder – Der Adler, 1971. 11,81 m × 9,8 m × 9,91 m (38 ft 9 in × 32 ft × 32 ft 6 in). Seattle, Washington. Eigentümer: Seattle Art Museum

 

Titelbild: Isamu Noguchi – Roter Würfel, Broadway, Manhattan, New York. Foto: Ken Lund.

Alle Bilder dienen nur zur Veranschaulichung

Von Phillip Barcio