Ruth Asawas Hängende Oden an natürliche Formen
Wenn Sie jemals mitten in einer Installation von Ruth Asawa gestanden haben, verstehen Sie, dass es eine Kunst außerhalb der Kunst gibt; eine Kunst, die nicht aus Theorie, sondern aus direktem Ausdruck, Instinkt und Einfallsreichtum geschmiedet ist. Asawa schuf Werke, die die ätherische Schönheit der Natur einfingen. Sie sagte, sie sei inspiriert worden durch „das Licht, das durch Insektenflügel scheint, das Beobachten von Spinnen, wie sie ihre Netze am frühen Morgen reparieren, und das Sehen der Sonne durch die Wassertropfen, die an den Spitzen der Kiefernnadeln hängen, während ich meinen Garten gieße.“ Solche Naturerscheinungen haben eine poetische Existenz: Sie sind hier und doch vergänglich. Asawa fing dieses Paradoxon in ihrem bekanntesten Werkzyklus ein – hängende, biomorphe Metallformen, die mit einer Technik gewebt wurden, die Asawa von indigenen Korbflechtern in Mexiko erlernte. Die Formen umschließen und definieren Raum, während sie dennoch Luft und Licht frei durch ihre Grenzen strömen lassen. Sie sind sichtbar und berührbar, doch in mancher Hinsicht so ungreifbar wie die zarten Schatten, die sie werfen. Sie sind nicht natürlich, doch übernehmen sie die visuelle und metaphysische Sprache der Natur. Sie respektieren die Natur und lernen von ihr – was sie zu hoffnungsvollen Botschaftern für unsere Generation macht. Zu ihren Lebzeiten wurde Asawa von frauenfeindlichen Kunstkritikern oft herabgesetzt, die versuchten, ihre gewebten Formen zu schmälern, weil sie eine Frau war, die etwas schuf, das ihren oberflächlichen Vorstellungen nach Handwerksgegenstände ähnelte. Asawa stand außerhalb der Reichweite ihrer kleinlichen Kritik. Ihre Arbeit brauchte keine offizielle Anerkennung; sie musste nur ihr Publikum finden. Das geschieht nun endlich, sechs Jahre nach ihrem Tod. Die Galerie David Zwirner hat kürzlich die Vertretung ihres Nachlasses übernommen, ein Schub, der ihrer Arbeit die längst verdiente weltweite Aufmerksamkeit bringen wird. Vielleicht ebenso wirkungsvoll wurde Asawa kürzlich in einem Google-Doodle geehrt, um den Monat des asiatisch-amerikanischen und pazifisch-insularen Erbes in den Vereinigten Staaten einzuläuten. Das Doodle zeigte fünf ihrer biomorphen Metallskulpturen, die das Wort Google bildeten, wobei Asawa am Boden das kleine g webte. Für eine Künstlerin, die 2002 sagte, sie sei nicht mehr modern, weil sie nichts von Technik verstehe, ist das Google-Doodle eine unheimliche Ehrung, die hoffentlich neue Bewunderer für die Arbeit einer Künstlerin gewinnen wird, deren Verständnis der Natur Inspiration bietet, wenn wir sie am meisten brauchen.
Das Überleben der Unwissenheit
Geboren 1926 in einer kleinen Bauernstadt in Kalifornien, war Asawa noch ein Teenager, als sie eine von 120.000 japanisch-amerikanischen Personen wurde, die verhaftet und zwangsweise in Internierungslager geschickt wurden, als die Vereinigten Staaten in den Zweiten Weltkrieg eintraten. Sie wurde zusammen mit fünf ihrer sechs Geschwister und ihrer Mutter eingesperrt. Ihre jüngere Schwester, die zufällig in Japan zu Besuch war, als der Rest der Familie festgenommen wurde, musste allein in Japan bleiben. Ihr Vater, ein 60-jähriger Landwirt, wurde vom FBI verhaftet und in ein anderes Lager gebracht, wo er zwei Jahre lang von seiner Familie getrennt blieb. Doch auf wundersame Weise hegte Asawa später im Leben keinen Groll über die Härten, die diese Erfahrung ihr auferlegte. Sie schreibt der Erfahrung sogar zu, ihr Leben verändert zu haben, da sie es im Internierungslager war, wo sie sich der Kunst widmete.
Ruth Asawa – Ohne Titel (S.069/90), 1990. Skulptur, Kupferdraht. 30,5 × 34,3 × 33,0 cm (12,0 × 13,5 × 13,0 Zoll). Michael Rosenfeld Galerie
Ihr konstruktiver Blick auf diese schwierige Erfahrung erstreckt sich auf ihre Sicht auf den gesamten Krieg. Nach Verlassen des Lagers besuchte sie das Milwaukee State Teachers College, durfte aber wegen ihrer japanischen Herkunft nicht an öffentlichen Schulen unterrichten. Dieser Rassismus trieb sie dazu, sich am experimentellen Black Mountain College in North Carolina einzuschreiben. Das Black Mountain College war der Ort, an den viele Bauhaus-Lehrer flohen, nachdem sie von den Nazis aus Deutschland vertrieben wurden. Asawa bildete sich dort drei Jahre lang weiter und arbeitete mit den klügsten Köpfen aus Kunst, Architektur, Tanz und Musik in dem, was als künstlerische Utopie beschrieben wird. Asawa wies jedoch schnell darauf hin, dass eine solche Schule ohne die Plage der Nazis nie in den Vereinigten Staaten entstanden wäre. Nur weil diese Lehrer aus ihrer Heimat vertrieben wurden, waren sie bereit, fast ohne Bezahlung zu arbeiten, das Land zu bestellen und ihre eigenen Mahlzeiten zuzubereiten. Wie bei ihrer eigenen Erfahrung in den Internierungslagern sah sie das Black Mountain College als Beispiel für die erstaunlichen Dinge, die entstehen können, wenn man das Beste aus jeder Gelegenheit im Leben macht, selbst aus schmerzhaften.
Ruth Asawa – Ohne Titel (S.454/50), 1957. Skulptur, Kupferdraht. 40,6 × 47,0 × 43,2 cm (16,0 × 18,5 × 17,0 Zoll). Michael Rosenfeld Galerie
Die Brunnenfrau
Ihr konstruktiver Lebensblick machte Asawa zu einer außergewöhnlichen Künstlerin, weil sie die Notwendigkeit verstand, dass Kunst für die Menschheit von Wert sein muss. „Aktivismus ist vergeudet“, sagte sie. „Es ist besser, an einer Idee zu arbeiten und darauf aufzubauen, als etwas abzureißen und gegen etwas zu protestieren, das existiert.“ Eine der wirkungsvollsten Arten, wie sie mit ihrer Arbeit konstruktiv sein konnte, war die Schaffung von öffentlicher Kunst. In ihrer Wahlheimat San Francisco war sie als „Die Brunnenfrau“ bekannt, wegen der vielen Brunnen, die sie in der ganzen Stadt schuf. Vielleicht ist ihr bekanntester der Meerjungfrauenbrunnen, der auf dem Ghirardelli-Platz vor der ikonischen Ghirardelli-Schokoladenfabrik steht. Der Brunnen, den die Einheimischen an Asawa am meisten lieben, heißt jedoch einfach San Francisco Brunnen und verkörpert ihr Engagement für konstruktive Ästhetik.
Ruth Asawa – Detail des San Francisco Brunnens am Union Square.
Der Brunnen ist in eine unscheinbare Treppe eingebaut, die zu einem kleinen Park nahe dem Union Square führt. Für seine Entstehung arbeitete Asawa mit Kindern aus der ganzen Stadt zusammen und lud sie ein, Tonmodelle zu schaffen, die ihre Lieblingsaspekte von San Francisco darstellen. Nachdem die Kinder die Modelle gefertigt hatten, ließ Asawa die Tonformen in Bronze gießen, um das flache Relief des Brunnens zu bilden. Asawa sagte: „Wenn ich an großen Projekten arbeite, wie einem Brunnen, mag ich es, Menschen einzubeziehen, die ihre kreative Seite noch nicht entwickelt haben – Menschen, die danach verlangen, ihre Kreativität auszudrücken.“ Der San Francisco Brunnen ist etwas, dem jeder zufällig begegnen kann. Er ist leicht verständlich und spricht die Tatsache an, dass wir alle zusammengehören. Obwohl er ganz anders ist als die Werke, für die Asawa am bekanntesten ist, ist er vielleicht der vollkommenste Ausdruck ihrer Kunst: ein direkter, hoffnungsvoller ästhetischer Ausdruck, der nicht von akademischer Theorie geleitet wird, sondern von einem Verständnis unserer Natur – dass wir alle zusammengehören.
Titelbild: Ruth Asawa – Ohne Titel (S.383, Wandmontierter gebundener Draht, offenes Zentrum, sechszackiger Stern mit sechs Zweigen), 1967. Hängende Skulptur – Bronzedraht. 116,8 x 116,8 x 15,2 cm (46 x 46 x 6 Zoll). Ausgestellt in der David Zwirner Galerie, 2017.
Alle Bilder dienen nur zur Veranschaulichung
Von Phillip Barcio
