Ruth Asawas Hängende Oden an natürliche Formen
Wenn Sie jemals inmitten einer Ruth Asawa-Installation gestanden haben, verstehen Sie, dass es eine Kunst außerhalb der Kunst gibt; eine Kunst, die nicht aus Theorie, sondern aus direkter Ausdrucksweise, Instinkt und Einfallsreichtum geschmiedet wurde. Asawa schuf Werke, die die ätherische Schönheit der Natur einfingen. Sie sagte, sie sei inspiriert von „dem Licht, das durch Insektenflügel scheint, dem Anblick von Spinnen, die ihre Netze am frühen Morgen reparieren, und dem Sonnenlicht, das durch die Wassertropfen schimmert, die von den Spitzen der Nadelbäume hängen, während ich meinen Garten gieße.“ Solche natürlichen Phänomene haben eine poetische Existenz: Sie sind hier, doch flüchtig. Asawa erfasste dieses Paradoxon in ihrem bekanntesten Werk – hängenden, biomorphen Metallformen, die mit einer Technik gewebt wurden, die Asawa von indigenen Korbmachern in Mexiko gelernt hatte. Die Formen umschließen und definieren den Raum, während sie dennoch Luft und Licht erlauben, frei durch ihre Grenzen zu fließen. Sie können gesehen und berührt werden, sind jedoch in mancher Hinsicht so immateriell wie die zarten Schatten, die sie werfen. Sie sind nicht natürlich, aber sie übernehmen die visuelle und metaphysische Sprache der Natur. Sie respektieren die Natur und lernen von ihr – was sie zu hoffnungsvollen Botschaftern für unsere Generation macht. Während ihres eigenen Lebens wurde Asawa häufig von misogynistischen Kunstkritikern herabgesetzt, die versuchten, ihre gewebten Formen zu schmälern, weil sie weiblich war und das, was in ihren flachen Köpfen wie Handwerksobjekte aussah, schuf. Asawa existierte außerhalb der Reichweite ihrer kleinlichen Kritik. Ihr Werk benötigte keine offizielle Validierung; es musste nur sein Publikum finden. Das geschieht endlich jetzt, sechs Jahre nach ihrem Tod. Die David Zwirner Galerie hat kürzlich zugestimmt, ihr Erbe zu vertreten, ein Schub, der ihrer Arbeit die verdiente globale Aufmerksamkeit bringen wird. Vielleicht ebenso bedeutend wurde Asawa kürzlich in einem Google-Doodle geehrt, um den Monat des asiatisch-amerikanischen und pazifischen Erbes in den Vereinigten Staaten einzuleiten. Das Doodle zeigte fünf ihrer biomorphen Metallskulpturen, die das Wort Google buchstabieren, während Asawa am Boden das kleine g webte. Für eine Künstlerin, die 2002 sagte, dass sie nicht mehr modern sei, weil sie nichts über Technologie wisse, ist das Google-Doodle eine unheimliche Hommage, aber eine, die hoffentlich dazu beitragen wird, neue Fans für das Werk einer Künstlerin zu gewinnen, deren Verständnis der Natur Inspiration bietet, wenn wir sie am meisten brauchen.
Überlebende Unwissenheit
Geboren 1926 in einer kleinen Landwirtschaftsstadt in Kalifornien, war Asawa gerade einmal Teenager, als sie eine von 120.000 japanisch-amerikanischen Personen wurde, die verhaftet und gewaltsam in Internierungslager geschickt wurden, als die Vereinigten Staaten in den Zweiten Weltkrieg eintraten. Sie wurde zusammen mit fünf ihrer sechs Geschwister und ihrer Mutter inhaftiert. Ihre jüngere Schwester, die zufällig in Japan war, als der Rest der Familie in Gewahrsam genommen wurde, musste allein in Japan bleiben. Ihr Vater, ein 60-jähriger Landwirt, wurde vom FBI verhaftet und in ein anderes Lager gebracht, wo er zwei Jahre lang von seiner Familie getrennt blieb. Wunderlicherweise hegte Asawa jedoch später im Leben keinen Groll gegen die Schwierigkeiten, die diese Erfahrung ihr auferlegte. Sie schreibt dieser Erfahrung sogar zu, ihr Leben verändert zu haben, da sie sich im Internierungslager entschloss, Künstlerin zu werden.
Ruth Asawa - Untitled (S.069/90), 1990. Skulptur, Kupferdraht. 30,5 × 34,3 × 33,0 cm (12,0 × 13,5 × 13,0 in). Michael Rosenfeld Gallery
Ihr konstruktiver Blick auf diese schwierige Erfahrung erstreckt sich auf ihre Sicht auf den gesamten Krieg. Nach dem Verlassen des Lagers besuchte sie das Milwaukee State Teachers College, durfte jedoch aufgrund ihres japanischen Erbes nicht an den öffentlichen Schulen unterrichten. Dieser Rassismus trieb sie dazu, sich am experimentellen Black Mountain College in North Carolina einzuschreiben. Das Black Mountain College war der Ort, an den viele der Bauhaus-Lehrer flohen, nachdem sie von den Nazis aus Deutschland vertrieben worden waren. Asawa wurde dort drei Jahre lang ausgebildet und arbeitete mit den klügsten Köpfen in Kunst, Architektur, Tanz und Musik, in dem, was als künstlerische Utopie beschrieben wurde. Asawa wies jedoch schnell darauf hin, dass ohne das Unheil der Nazis eine solche Schule in den Vereinigten Staaten niemals existiert hätte. Nur weil diese Lehrer aus ihrer Heimat vertrieben wurden, waren sie bereit, fast ohne Bezahlung zu arbeiten, das Land zu bewirtschaften und ihre eigenen Mahlzeiten zuzubereiten. Wie in ihrer eigenen Erfahrung in den Internierungslagern sah sie das Black Mountain College als ein Beispiel für die erstaunlichen Dinge, die aus der besten Nutzung jeder Gelegenheit im Leben entstehen können, selbst aus den schmerzhaften.
Ruth Asawa - Untitled (S.454/50), 1957. Skulptur, Kupferdraht. 40,6 × 47,0 × 43,2 cm (16,0 × 18,5 × 17,0 in). Michael Rosenfeld Galerie
Die Brunnendame
Ihr konstruktiver Blick auf das Leben machte Asawa zu einer außergewöhnlichen Künstlerin, weil sie die Notwendigkeit verstand, dass Kunst für die Menschheit von Wert sein muss. „Aktivismus ist verschwenderisch“, sagte sie. „Es ist besser, an einer Idee zu arbeiten und darauf aufzubauen, als etwas, das existiert, abzubauen und dagegen zu protestieren.“ Eine der wirkungsvollsten Möglichkeiten, wie sie es fand, konstruktiv mit ihrer Arbeit zu sein, war die Schaffung von öffentlicher Kunst. In ihrer angenommenen Heimatstadt San Francisco war sie als „Die Brunnenlady“ bekannt, wegen der vielen Brunnen, die sie in der ganzen Stadt geschaffen hat. Vielleicht ist ihr berühmtester der Meerjungfrauenbrunnen, der im Ghirardelli Square vor der ikonischen Ghirardelli Chocolate Company steht. Der Brunnen, den die Einheimischen am meisten an Asawa lieben, wird jedoch einfach San Francisco Fountain genannt und verkörpert ihr Engagement für konstruktive Ästhetik.
Ruth Asawa- Detail des Brunnens in San Francisco am Union Square.
Der Brunnen ist in eine unscheinbare Treppe eingebaut, die zu einem kleinen Pocket Park in der Nähe des Union Square führt. Um ihn zu schaffen, arbeitete Asawa mit Kindern aus der ganzen Stadt und lud sie ein, Tonmodelle zu erstellen, die ihre Lieblingsaspekte von San Francisco darstellen. Nachdem die Kinder die Modelle angefertigt hatten, ließ Asawa die Tonformen in Bronze gießen, um die Flachrelief-Außenfläche des Brunnens zu bilden. Asawa sagte: „Wenn ich an großen Projekten arbeite, wie zum Beispiel einem Brunnen, möchte ich Menschen einbeziehen, die ihre kreative Seite noch nicht entwickelt haben – Menschen, die danach streben, ihre Kreativität auszuleben.“ Der San Francisco Brunnen ist etwas, dem jeder zufällig begegnen könnte. Er ist leicht verständlich und spricht die Tatsache an, dass wir alle gemeinsam in dieser Situation sind. Obwohl er nichts mit den Arbeiten zu tun hat, für die Asawa am bekanntesten ist, ist er vielleicht der vollkommenste Ausdruck ihrer Kunst: es ist ein direkter, hoffnungsvoller ästhetischer Ausdruck, der nicht von akademischer Theorie geleitet wird, sondern von einem Verständnis unserer Natur – dass wir alle gemeinsam in dieser Situation sind.
Vorgestelltes Bild: Ruth Asawa - Untitled (S.383, Wandmontierte Drahtskulptur, Offenes Zentrum, Sechszackiger Stern, mit sechs Ästen), 1967. Hängende Skulptur—Bronzedraht. 46 x 46 x 6 Zoll (116,8 x 116,8 x 15,2 cm). Ausgestellt in der David Zwirner Galerie, 2017.
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken.
Von Phillip Barcio
