Simon Hantaï. Zwischen Unsichtbarkeit und der Beständigkeit der Vision

Simon Hantaï ist der Maler des Fehlens, der Unsichtbarkeit und des Rückzugs. Das Wesen seiner Kunst lässt sich in den leeren Räumen zwischen einer Farbe und der anderen erfassen, in seinen malerischen und konzeptuellen Zwischenräumen. In Hantaïs Gemälden verschwindet die schwere Präsenz des Künstlers absichtlich und hinterlässt nur einen flüchtigen Schein. Seine Kunst ist vor allem im Bereich der Abstrakten und Informellen Kunst bekannt, wenn auch mit einem persönlichen Stil, der durch tiefgehende konzeptuelle Forschung und eigens erfundene Techniken geprägt ist, wie das bekannteste pliage.

Geboren 1922 in Ungarn, aber eingebürgerter französischer Staatsbürger, studierte Hantaï an der Ungarischen Akademie der Bildenden Künste in Budapest, engagierte sich offen im Widerstand gegen den Nationalsozialismus und zeigte sich als bekennender Kommunist. Seine künstlerische Laufbahn wurde stark von seinen Reisen beeinflusst: zuerst in Italien, auf den Spuren einer modernen Grand Tour, wo ihn die hieratische Ikonographie der byzantinischen Kunst in Ravenna und das formale Gleichgewicht der Renaissance bezauberten, dann in Frankreich, wo er sich 1948 endgültig niederließ.

Hundert Jahre nach seiner Geburt widmet die Louis Vuitton Stiftung ihm eine groß angelegte Retrospektive in Paris, kuratiert von Anne Baldassarri mit Unterstützung der Familie Hantaï. Die Ausstellung zeichnet den facettenreichen kreativen Weg des Künstlers nach, der durch verschiedene formale und technische Phasen geprägt ist, die einen stets wechselnden Gedankenfluss widerspiegeln. Übergänge von einem Stil zum anderen sind nie zufällig: sie verkörpern geistige Überlegungen. Aus diesem Grund überschreitet sein Erbe die Grenzen der Malerei und hallt in zahlreichen abstrakten Künstlern nach und bezieht auch die Philosophie mit ein.

Von der Surrealität zur Abstraktion

Der Umzug nach Frankreich im Jahr 1948 war für den jungen Hantaï entscheidend. In Paris lernte der ungarische Maler bald die Gruppe der Surrealisten kennen. Besonders die Begegnung mit dem Dichter André Breton brachte ihn den innovativen Konzepten des Automatismus näher. Wörter und Bilder ohne Eingreifen der Vernunft zu zeichnen, ganz instinktiv oder nach zufälligen Kriterien, ließ die verborgenen Bilder des Unbewussten hervortreten, frei von der „Diktatur der Logik“. Hantaïs frühe Gemälde waren tatsächlich figurative Traumgemälde.

Doch 1955 gab der Maler den figurativen Stil bald zugunsten einer frühen Form der experimentellen gestischen Abstraktion auf. Der Übergang war für ihn kein widersprüchlicher Einschnitt. Der Maler erfasste die gestische Spontaneität des Surrealismus, wandte automatische Techniken wie Frottage, Kratzen oder Dekalcomanie an und konzentrierte sich auf eine Kunst, die frei von den Vorannahmen des Künstlers war. Dieser Wandel wurde auch durch die bahnbrechende Entdeckung des Abstrakten Expressionismus von Jackson Pollock beeinflusst, der ihn einer lyrischeren abstrakten Kunst näherbrachte. Neben zeitgenössischen Bezügen behielt er jedoch auch den Einfluss der Kunst der Vergangenheit, wie der byzantinischen, bei. Hantaïs Gemälde der 1950er Jahre waren wahrhaft kultivierte Medien: Sie verkörperten Echos vergangener und gegenwärtiger Kulturen und verbanden neue und alte Gesten.

Simon Hantaï. Die Hundertjahrfeier-Ausstellung in der Louis Vuitton Stiftung. Paris, Frankreich. 2022. Installationsansicht

Die Räume zwischen den Falten

Die 1960er Jahre prägten Simon Hantaïs Laufbahn maßgeblich mit der Erfindung der pliage-Technik. Pliage war eine neue Arbeitsweise, die darin bestand, Stoffe zu knoten, zu falten und zu zerknittern, um vielfältige Konfigurationen auf der Leinwand entstehen zu lassen. Kunstwerke, die durch pliage entstanden, wurden 1967 mit der Ausstellung des Kunsthändlers Jean Fournier gewürdigt. Zwischen 1960 und 1982 schuf Hantaï acht Serien, wie Mariales (Mariengemälde) und Panses, die jeweils unterschiedlichen Verfahren entsprachen, und wandte seine Technik sogar auf Wandmalereien an. Seine Praxis ist stets durch Serienhaftigkeit gekennzeichnet, als ständige Suche nach prozeduraler Objektivität. Betrachtet man Hantaïs Kunstwerke, die aus Falten und weißen Leerstellen entstehen, denkt man unwillkürlich an Henri Matisses gouachierte Papierschnitte, die Tänze von Räumen und Formen schufen.

In den 1970er Jahren nimmt der pliage-Prozess strukturiertere Formen und regelmäßige Muster an. So etwa bei der Serie Blancs (1973-1974) und der bekannteren Tabulas, vom lateinischen Wort tabula (Tafel), Gittern aus einfarbigen Quadraten, getrennt durch gleichmäßige unbemalte Flächen. Im Kontakt miteinander erzeugt das Muster einen optischen Effekt irisierender Farbe, dank des Phänomens der Netzhautnachwirkung. Unsere Augen registrieren den Kontrast zwischen den intensiven Farben und den weißen Flächen und strahlen einen getönten Schein aus. In den Lilas-Gemälden etwa erzeugt das kühle Weiß der Acrylfarbe auf dem wärmeren Weiß der Leinwand eine überraschende fliederfarbene Färbung. Die Serie Tabulas kann somit als optisches Experiment verstanden werden, um das Sehen darauf zu trainieren, Farbe auch in ihrer tatsächlichen Abwesenheit wahrzunehmen: eine Übung im Sehen und Verstehen von Unsichtbarkeit.

Simon Hantaï. Die Hundertjahrfeier-Ausstellung in der Louis Vuitton Stiftung. Paris, Frankreich. 2022. Installationsansicht

Der verschwindende Maler

In den 1980er Jahren wurde Hantaï selbst immer unsichtbarer: Er verwendete leichtere und dünnere Materialien; er schuf Kunstwerke mit definierten, aber flüchtigen Grenzen und wurde zu einer schwer fassbaren und unerreichbaren Präsenz. Im Sommer 1982 vertrat der Maler offiziell Frankreich auf der 40. Biennale von Venedig. Das Ereignis bewirkte jedoch nicht, dass er sich beflügelt fühlte, sondern entfernte ihn dauerhaft von der Kunstwelt und veranlasste ihn, sich ins Privatleben zurückzuziehen. Hantaï erkannte die Gefahr der Kunst als sinnloses Spektakel und fürchtete eine duftende Kunst, in der die Geste des Malers die Leinwand beherrscht. Stattdessen war seine Malerei streng mit den kognitiven Mechanismen von Sehen und Denken verbunden. Diese stark theoretische Unterströmung führte dazu, dass er sich oft mehr mit Philosophen als mit anderen Malern verbunden fühlte, wie Derrida, Nancy und Deleuze.

Hier liegt Hantaïs Modernität: Er schuf Kunst, die sich wie abstraktes Denken verhält. Sein Erbe hallte danach weiter nach, etwa in den minimalistischen Gemälden von Michel Parmentier oder in den irisierenden Gittern von Daniel Buren. Trotz seines Verschwindens als Künstler aus der Kunstszene prägten sich Simon Hantaïs immaterielle Farben im visuellen Gedächtnis der Künstler der folgenden Generationen ein: wie ein irisierender Schein, der auf der Leinwand und in unseren Netzhäuten bestehen bleibt.

Simon Hantaï. Die Hundertjahrfeier-Ausstellung in der Louis Vuitton Stiftung. Paris, Frankreich. 2022. Installationsansicht

Alle Bilder mit freundlicher Genehmigung von IdeelArt.