Die Definition der Lyrischen Abstraktion

Lyrische Abstraktion ist ein scheinbar selbsterklärender Begriff, und doch wurde sein Ursprung und seine Bedeutung über Generationen hinweg debattiert. Der amerikanische Kunstsammler Larry Aldrich verwendete den Begriff 1969, um die Natur verschiedener Werke zu definieren, die er kürzlich gesammelt hatte und die seiner Meinung nach eine Rückkehr zu persönlichem Ausdruck und Experimentieren nach dem Minimalismus signalisierten. Aber der französische Kunstkritiker Jean José Marchand verwendete eine Variation des Begriffs, Abstraction Lyrique, Jahrzehnte früher, 1947, um auf einen aufkommenden europäischen Trend in der Malerei hinzuweisen, der dem Abstract Expressionism in den USA ähnlich war. Beide Verwendungen des Begriffs bezogen sich auf Kunst, die durch freie, emotionale, persönliche Kompositionen gekennzeichnet war, die nicht mit objektiver Realität verbunden waren. Aber diese Tendenzen lassen sich noch weiter zurückverfolgen, mindestens bis in das erste Jahrzehnt des 20. Jahrhunderts und die Arbeiten von Wassily Kandinsky. Um die wahren Wurzeln und die Bedeutung der Lyrischen Abstraktion zu entdecken und zu verstehen, wie man mit ihren Tendenzen in der Kunst interagiert, müssen wir auf die frühesten Tage der abstrakten Kunst zurückblicken.

"Das Lyrische in der Lyrischen Abstraktion"

In den 1910er Jahren flirteten mehrere verschiedene Gruppen von Künstlern mit der Abstraktion, jede aus einer einzigartigen Perspektive. Kubistische und Futuristische Künstler arbeiteten mit Bildern aus der realen Welt und veränderten sie auf konzeptionelle Weise, um abstrakte Ideen auszudrücken. Suprematistische und Konstruktivistische Künstler arbeiteten mit erkennbaren Formen in ihrer Kunst, verwendeten sie jedoch auf mehrdeutige oder symbolische Weise oder in einer Weise, die versuchte, Universalitäten zu vermitteln. Aber eine andere Gruppe von Künstlern näherte sich der Abstraktion aus einer völlig anderen Perspektive als die anderen.

Epitomisiert durch Wassily Kandinsky, ging diese Gruppe die Abstraktion aus der Perspektive an, dass sie nicht wussten, welche Bedeutung in dem liegen könnte, was sie malten. Sie hofften, dass sie durch einfaches, freies Malen, ohne vorgefasste Vorstellungen von Ästhetik oder der objektiven Welt, etwas Unbekanntes durch ihre Werke ausdrücken könnten. Kandinsky verglich seine Gemälde mit musikalischen Kompositionen, die Emotionen auf völlig abstrakte Weise kommunizierten. Seine abstrakten Gemälde waren einfallsreich, emotional, ausdrucksstark, persönlich, leidenschaftlich und völlig subjektiv; mit anderen Worten, lyrisch.

Wassily Kandinsky - Komposition 6, 1913. Öl auf Leinwand. 76,8 × 118,1" (195,0 × 300,0 cm). Eremitage, Sankt Petersburg

Nachkriegs-Lyrische Abstraktion

Die lyrische Abstraktion von Kandinsky kontrastierte mit vielen der anderen abstrakten Kunstströmungen der 1920er und 30er Jahre. Seine Kunst war nicht spezifisch mit einer Religion verbunden, aber es gab etwas Offensichtlich Spirituelles daran. Andere Künstler, die mit Stilen wie De Stijl, Art Concrete und Surrealismus assoziiert wurden, schufen Kunst, die säkular war und sich einer objektiven, akademischen Interpretation hingab. Kandinsky suchte nach etwas, das niemals vollständig definiert oder erklärt werden konnte. Er drückte seine persönliche Verbindung zu den Mysterien des Universums auf eine offene Weise aus. Es war, als hätte er eine Art spirituellen Existentialismus erfunden.

Der Existentialismus war eine Philosophie, die nach dem Zweiten Weltkrieg an Bedeutung gewann, als die Menschen versuchten zu verstehen, was sie als Sinnlosigkeit des Lebens wahrnahmen. Kritische Denker konnten nicht glauben, dass eine höhere Macht existieren könnte, die die Art von Zerstörung zulassen würde, die sie gerade miterlebt hatten. Aber anstatt im offensichtlichen Fehlen Gottes nihilistisch zu werden, versuchten die Existentialisten, sich durch die übergreifende Sinnlosigkeit des Lebens zu arbeiten, indem sie nach persönlichem Sinn suchten. Wie der existentialistische Autor Jean-Paul Sartre in seinem Buch Das Sein und das Nichts von 1943 schrieb: „Der Mensch ist dazu verurteilt, frei zu sein; er ist für alles verantwortlich, was er tut.“ Die Suche nach dem, was im Wesentlichen persönlich ist, war für den Existentialismus von größter Bedeutung und auch für das weit verbreitete Wiederaufleben der Lyrischen Abstraktion nach dem Zweiten Weltkrieg.

Wassily Kandinsky - Das Jüngste Gericht, 1912. Privatsammlung

Unter anderen Namen

In den 1940er und 50er Jahren entstanden eine große Anzahl von abstrakten Kunstbewegungen, die alle auf die eine oder andere Weise subjektiven persönlichen Ausdruck als Grundlage für die Bedeutung in der Kunst beinhalteten. Abstraction Lyrique, Art Informel, Tachisme, Art Brut, Abstract Expressionism, Color Field Kunst und sogar konzeptionelle und Performancekunst könnten bis zu einem gewissen Grad auf die gleiche allgemeine existenzielle Suche zurückverfolgt werden. Einer der einflussreichsten Kunstkritiker dieser Zeit, Harold Rosenberg, verstand dies, als er schrieb: „Heute muss jeder Künstler sich selbst erfinden... Die Bedeutung der Kunst in unserer Zeit fließt aus dieser Funktion der Selbstschöpfung.“

Aber als sich die Kultur mit der nächsten Generation änderte, fielen viele dieser existenziellen Tendenzen in der Kunst aus der Gunst. Und einmal mehr nahm ein unemotionaler, konkreter, geometrischer Ansatz zur abstrakten Kunst, verkörpert durch Minimalismus, ihren Platz ein. Aber nicht alle Künstler gaben die lyrische Tradition auf. Bis Ende der 1960er Jahre hatte sich die Welle erneut gewendet. Wie Larry Aldrich, der 1969 den Begriff Lyrische Abstraktion neu prägte, feststellte: „Früh in der letzten Saison wurde offensichtlich, dass es in der Malerei eine Bewegung weg von der geometrischen, harten Kante und dem Minimalismus hin zu lyrischeren, sinnlicheren, romantischen Abstraktionen in Farben gab, die weicher und lebendiger waren… Die Handschrift des Künstlers ist in dieser Art von Malerei immer sichtbar, selbst wenn die Gemälde mit Spritzpistolen, Schwämmen oder anderen Objekten gemacht werden."

Jean-Paul Riopelle - Komposition, Öl auf Leinwand, 1954. © Jean-Paul Riopelle

Zeitgenössische lyrische Abstraktion

Es ist offensichtlich, dass, wie oft bei Bewegungen in der Kunst, die Tendenzen, die die Lyrische Abstraktion definieren, der Prägung des Begriffs vorausgingen. In den ersten Jahrzehnten des 20. Jahrhunderts verkörperten Künstler wie Wassily Kandinsky, Alberto Giacometti, Jean Fautrier, Paul Klee und Wols zunächst lyrische Tendenzen in der Abstraktion. Und Jahrzehnte später trugen Künstler wie Georges Mathieu, Jean-Paul Riopelle, Pierre Soulages und Joan Mitchell sie weiter. Dann revitalisierten und erweiterten in den späten 1960er und 70er Jahren Künstler wie Helen Frankenthaler, Jules Olitski, Mark Rothko und Dutzende andere die Relevanz dieser Position.

Im Jahr 2015 verstarb einer der faszinierendsten Stimmen der zeitgenössischen Lyrischen Abstraktion, der spanische Künstler Laurent Jiménez-Balaguer. Doch seine Konzepte, Theorien und Techniken manifestieren sich weiterhin auf kraftvolle Weise in den Arbeiten von Künstlern wie Margaret Neill, deren instinctive Kompositionen aus lyrischen, ineinander verwobenen Linien den Betrachter zu einer subjektiven Teilnahme an persönlicher Bedeutung einladen, und von Ellen Priest, deren Werk ihre lebenslange und fortwährende, persönliche ästhetische Auseinandersetzung mit Jazzmusik lebendig werden lässt. Was all diese Künstler in einem gemeinsamen Band zusammenhält, ist die grundlegende Suche der Lyrischen Abstraktion: etwas Persönliches, Subjektives und Emotionales auszudrücken und dies auf eine poetische, abstrakte Weise zu tun.

Ellen Priest - Delfin-Tanzstudie 15.

Vorschaubild: Margaret Neil - Switchback (Detail).
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken.
Von Phillip Barcio