Brice Marden und die kalligraphische Behandlung der Linie

Neben traditionellen Malpinseln liegen auf einem Tisch im New Yorker Atelier von Brice Marden Dutzende von Stöcken ausgebreitet. Einfach gewöhnliche Äste von Bäumen, außer dass jeder Stock an einer Spitze gefärbt ist, ein Ergebnis davon, dass er in Tinte getaucht wurde. Marden zeichnet mit ihnen und schafft gestische Symbole in Spalten und Reihen auf Papier, in Kompositionen, die an Poesie auf einer Schriftrolle erinnern. Intuitiv aus Mardens Vorstellungskraft gezeichnet, sind die Symbole teilweise von chinesischer Kalligrafie inspiriert. Sie sind auch beeinflusst von Objekten, die gongshí genannt werden, auch bekannt als chinesische Gelehrtensteine. Gongshí-Steine werden in der Natur gefunden oder vielmehr aus ihr ausgewählt. Sie werden wegen ihrer abstrakten physischen Eigenschaften geschätzt und von Gelehrten zu kontemplativen Zwecken verwendet. Vieles kann man durch das Studium ihrer Formen, ihrer Falten, ihrer Durchlöcherungen, ihres asymmetrischen Gleichgewichts, des Glanzes ihrer Oberflächen, ihrer texturalen Eigenschaften, ihrer Farben und ihrer Ähnlichkeit mit natürlichen Dingen lernen. Wie in den Gemälden, die Marden schafft, warten die Möglichkeiten innerhalb der gongshí, verborgen in offener Sicht in den Schichten und Linien, darauf, entdeckt zu werden.

Das Flächenbild

Brice Marden wurde in den 1960er Jahren als Maler bekannt. Er erhielt 1963 seinen Master of Fine Arts an der Yale-Universität und zog im selben Jahr nach New York City. Schnell bekam er eine Stelle als Wachmann im Jüdischen Museum angeboten. Dort konnte er die Werke seiner erfolgreichsten Zeitgenossen studieren. In jener Zeit empfanden viele seiner Künstlerkollegen eine allgemeine Unzufriedenheit gegenüber der Malerei. Einige verspotteten die altbekannte rechteckige Leinwand und experimentierten mit Leinwänden in ungewöhnlichen Formen. Viele Künstler erklärten die Malerei sogar für tot.

Doch Marden konnte dem nicht widersprechen. Seiner Ansicht nach gab es für die Malerei noch viel zu tun. Um 1964 begann er, seine Aufmerksamkeit auf die Fläche des Gemäldes zu richten. Anders ausgedrückt bezieht sich die Fläche auf die Gesamtheit der Oberfläche eines Gemäldes. Alles, was ein Maler dem Bild hinzufügt, existiert innerhalb der Fläche. Ein großer Teil der Moderne konzentrierte sich darauf, die Fläche so weit wie möglich zu ebnen, Perspektive, Vor- und Rücksprünge oder alles, was Tiefe ins Bild bringen könnte, zu eliminieren. Um das Ideal dieses Ziels zu erreichen, begann Marden, Monochrome zu malen, die er als die ultimative Verkörperung von Flachheit betrachtete. Seine Version des Monochroms nannte er das Flächenbild, weil, wie er sagte, „die Fläche das Bild war.“

Brice Marden - Das Dylan-Gemälde, 1966. Öl und Bienenwachs auf Leinwand. 153,35 x 306,07 cm. San Francisco Museum of Modern Art (SFMOMA), San Francisco, CA. © Brice Marden

Lob der Rechtecke

Was die Verachtung der Maler in den 1960er Jahren gegenüber der rechteckigen Leinwand betrifft, so gehörte Brice Marden entschieden nicht zu den Gegnern. Er betrachtet das Rechteck als die ultimative Form für ein Gemälde. In einem Interview mit der National Gallery of Art im Jahr 2014 sagte er: „Das Rechteck ist eine großartige menschliche Erfindung. In den 60ern gab es viele Experimente mit geformten Gemälden. Aber ich mochte das Rechteck wirklich sehr. Und ich dachte, wenn man die genau richtige Farbe für diese Form findet und sie wirklich richtig trifft, wenn man absolute Formrichtigkeit hat, weiß Gott, was dieses Gemälde bewirken kann.“

Diese Vorstellung, dass ein Gemälde etwas tun kann, zeigt bei Marden eine tief verwurzelte Achtung vor der Kunst im Allgemeinen und insbesondere vor der Malerei. In den Jahren, in denen er seine Monochrome schuf, fand eine größere Debatte darüber statt, was Kunst ist und sein kann. Die verbreitete Meinung war, dass Kunst alles sein könne und dass alles potenziell Kunst ist. Marden widersprach dem. Er verteidigte Kunst als ein humanistisches Unterfangen und bestand darauf, dass ein Kunstwerk von menschlicher Hand geschaffen sein muss. In den 1960er und 70er Jahren machte er sich mit seinen kühnen Monochromen auf unverhohlenen Rechtecken einen Namen als Verteidiger der Malerei. Diese Arbeit machte ihn berühmt, und bis 1975 galt er als einer der Meister des Minimalismus und erhielt eine Einzelausstellung im Guggenheim in New York.

Brice Marden - Die Jahreszeiten, 1974-75. Öl auf Leinwand. 243,8 x 632,5 cm. The Menil Collection, Houston, TX. © Brice Marden

West trifft Ost

Als Marden in den 1970er Jahren den Höhepunkt seines Ruhms erreichte, begann er auch, nach neuen Richtungen für seine Kunst zu suchen. Anfang der 1980er Jahre fand er die Inspiration, nach der er gesucht hatte, als eine Reihe von Begegnungen mit der östlichen Kultur ihn zu einer neuen Beziehung zum gemalten Bild anregte. Besonders nahm er die chinesische Kalligrafie wahr und bewunderte sowohl die gestischen Linien der einzelnen Symbole als auch die gitterartige Qualität der Spalten und Reihen der geschriebenen Zweizeiler.

Er begann eine Reihe von Gemälden, die auf kalligrafischen Ästhetiken basieren, die Cold Mountain-Gemälde genannt werden. Um sie zu schaffen, malte er eine Schicht intuitiver, abstrakter kalligrafischer Symbole, kratzte die Farbe ab und malte eine weitere Schicht Symbole, wobei er den Vorgang wiederholte, bis die Komposition gelöst war. Der Name Cold Mountain wurde von den Cold Mountain-Gedichten inspiriert, einer Reihe von Hunderten von Gedichten, die von einem zurückgezogenen chinesischen Mönch namens Hanshan im 9. Jahrhundert geschrieben wurden. Die schlichte Farbpalette und der kalligrafische Stil der Gemälde sprechen für die Ästhetik der Gedichtrollen, während ihre gestischen, geschichteten Bilder den Geist der Gedichte heraufbeschwören, die Freiheit, Natur und die Suche nach Harmonie umfassten.

Brice Marden - Cold Mountain 6 (Brücke), 1989-1991. Öl auf Leinen. 108 × 144 Zoll. 274,3 × 365,8 cm. San Francisco Museum of Modern Art (SFMOMA), San Francisco, CA. © Brice Marden

Die Gelehrtensteine

Neben der Kalligrafie war der andere große östliche Einfluss auf Marden seine Begegnung mit gongshí oder chinesischen Gelehrtensteinen. In den Steinen, so heißt es, sei die ganze Welt und alles Leben sichtbar. In den letzten Jahren hat Marden eine Sammlung von Gelehrtensteinen in seinem Atelier zusammengetragen. Er erforscht ihre Feinheiten, ihre Muster, ihre Schichten, ihre Farbzusammenhänge und die komplexen Harmonien, die er in ihnen beobachtet. Diese Beobachtungen haben sich in einer Reihe von Gemälden namens Red Rocks manifestiert.

In den Red Rocks-Gemälden arbeitet Marden erneut in Schichten, schafft lineare Formen, kratzt sie heraus, übermalt sie und baut die Farbe allmählich auf, bis sich das Bild auflöst. Die endgültigen Formen in diesen Gemälden scheinen sich direkter auf die natürlichen Formen der Steine zu beziehen. Doch sie enthalten weiterhin die gestische Energie seiner kalligrafischen Zeichen, was den Kompositionen eine ständige Bewegung verleiht.

Brice Marden - Orange Rocks, Red Ground 3, 2000-2002. Öl auf Leinen. 75 x 107 Zoll. © Brice Marden

Alles steckt im Gemälde

In seinen Red Rock-Gemälden erweitert Marden zudem seinen Einsatz von Linien bis an die äußersten Ränder der Leinwand und nutzt die Linie, um den Rand des Rahmens zu umreißen und so das Gefühl der rechteckigen Begrenzung des Werks zu verstärken. Über diese Arbeiten sagte er kürzlich, dass seine Entscheidung, die Linie auf diese Weise zu verwenden, mit Fragen zur Natur der Gemälde und deren Interpretation zusammenhänge. Er sagte: „Dieses Bild ist kein Detail. Dieses Bild ist es selbst. Nichts geschieht außerhalb davon. Darum geht es bei diesem ganzen Rahmending.“

Diese Aussage, dass nichts außerhalb des Gemäldes geschieht und dass alles Wesentliche darin enthalten ist, ist zentral für die übergreifenden Themen der östlichen Traditionen, die die kalligrafisch-linearen Werke Mardens inspiriert haben. Sie stellt eine Alternative zur kulturellen Wahrnehmung dar, dass Menschen irgendwie außerhalb der Natur existieren und unabhängig von ihr handeln können. Die Wirklichkeit ist, dass Menschen Teil der Natur sind, nicht getrennt von ihr und sie von außen beobachten. Alles ist in der Natur, einschließlich uns. Nichts geschieht außerhalb von ihr.

Brice Marden - Rückkehr I, 1964-65. Öl auf Leinwand. 50 1/4 x 68 1/4 Zoll (127,6 x 173,4 cm). MoMA-Sammlung. Teilweise und zugesagte Schenkung von Kathy und Richard S. Fuld, Jr. © 2019 Brice Marden / Artists Rights Society (ARS), New York

Verwischte Linien

Wenn man die vergangenen sechs Jahrzehnte von Brice Mardens Werk betrachtet, gibt es Konstanten, die sich durch sein gesamtes Schaffen ziehen. Seine Farbpalette ist stets gedämpft, und er hat konsequent Rechtecke angenommen, entweder direkt in seinen rechteckigen, paneelartigen Monochromen oder indirekt in seinen kalligrafisch-linearen Kompositionen. Doch es gab auch tiefgreifende Veränderungen, als er von der Suche nach völliger Flachheit mit dem Flächenbild zu einem geschichteten Tiefengefühl in seinen linearen Arbeiten überging.

Für Marden repräsentieren diese Veränderungen einen Aspekt der Malerei, den er schätzt. Jedes Gemälde aus jeder Phase seiner Laufbahn erinnert ihn daran, wer er zu jener Zeit war. Die Möglichkeit, zu diesen Werken zurückzukehren, gibt ihm das Gefühl, in etwas Unveränderlichem verwurzelt zu sein, trotz des ständigen Wandels. Wie er es einmal ausdrückte: „Eines der Dinge an einem Gemälde ist, dass es so bleibt. Und man kann zu ihm zurückkehren. Und jedes Mal, wenn man zurückkehrt, ist man anders, aber es ist dasselbe. Es ist etwas Beständiges.“

Titelbild: Brice Marden - Zweiter Brief, Zen-Frühling (Detail), 2006 – 2009. Öl auf Leinen. © Brice Marden
Alle Bilder dienen nur zur Veranschaulichung
Von Phillip Barcio