Brice Marden und die kalligraphische Behandlung der Linie

Neben traditionellen Pinsel sind auf einem Tisch im New Yorker Studio von Brice Marden Dutzende von Stöcken ausgebreitet. Einfach gewöhnliche Stöcke von den Ästen der Bäume, außer dass jeder Stock an einem Ende gefärbt ist, das Ergebnis des Eintauchens in Tinte. Marden zeichnet mit ihnen und schafft gestische Symbole in Spalten und Reihen auf Papier, in Kompositionen, die an Poesie erinnern, die auf einer Schriftrolle geschrieben ist. Intuitiv aus der Vorstellungskraft von Marden gezeichnet, sind die Symbole teilweise von der chinesischen Kalligrafie inspiriert. Sie sind auch beeinflusst von Objekten, die gongshí genannt werden, auch bekannt als chinesische Gelehrtensteine. Gongshí-Steine werden in der Natur gefunden oder vielmehr aus der Natur ausgewählt. Sie sind wegen ihrer abstrakten physikalischen Eigenschaften geschätzt und werden von Gelehrten zu kontemplativen Zwecken verwendet. Vieles kann man lernen, indem man ihre Formen, ihre Falten, ihre Perforationen, ihr asymmetrisches Gleichgewicht, die Glätte ihrer Oberflächen, ihre texturalen Qualitäten, ihre Farben und ihre Ähnlichkeit mit natürlichen Dingen studiert. Wie in den Gemälden, die Marden schafft, warten die Möglichkeiten innerhalb der gongshí darauf, entdeckt zu werden, verborgen in aller Deutlichkeit innerhalb der Schichten und Linien.

Das Flugzeugbild

Brice Marden erlangte in den 1960er Jahren als Maler Bekanntheit. Er erhielt 1963 seinen MFA von der Yale University und zog im selben Jahr nach New York City. Dort wurde ihm schnell ein Job als Sicherheitsbeamter im Jüdischen Museum angeboten. Dort konnte er die Arbeiten seiner erfolgreichsten Zeitgenossen studieren. In dieser Zeit fühlten viele seiner Künstlerkollegen eine allgemeine Unzufriedenheit mit der Malerei. Einige verspotteten die jahrhundertealte rechteckige Leinwand und experimentierten mit Leinwänden, die in ungewöhnliche Formen gebracht wurden. Und viele Künstler erklärten sogar offen die Malerei für tot.

Aber Marden konnte nicht mehr anderer Meinung sein. Seiner Meinung nach gab es immer noch viel für die Malerei zu tun. Um 1964 begann er, seine Aufmerksamkeit auf die Ebene der Malerei zu richten. Anders ausgedrückt bezieht sich die Ebene auf die Gesamtheit der Oberfläche eines Gemäldes. Alles, was ein Maler zum Gemälde hinzufügt, existiert innerhalb der Ebene. Ein großer Teil des Modernismus konzentrierte sich darauf, die Ebene so weit wie möglich zu ebnen, Perspektive, Druck und Zug oder alles, was Tiefe zum Bild hinzufügen würde, zu eliminieren. Um den Inbegriff dieses Ziels zu erreichen, begann Marden, Monochrome zu malen, die er als die ultimative Manifestation von Flachheit betrachtete. Er nannte seine Version des Monochroms das Plane Image, weil, wie er sagte, „die Ebene das Bild war“.

Brice Marden - Das Dylan-Gemälde, 1966. Öl und Bienenwachs auf Leinwand. 153,35 x 306,07 cm. San Francisco Museum of Modern Art (SFMOMA), San Francisco, CA. © Brice Marden

In Lob der Rechtecke

Was die Verachtung betrifft, die Maler in den 1960er Jahren für die rechteckige Leinwand empfanden, so war Brice Marden, und ist es immer noch, entschieden nicht im Lager der Hasser. Er betrachtet das Rechteck als die ultimative Form für ein Gemälde. In einem Interview mit der National Gallery of Art im Jahr 2014 sagte er: „Das Rechteck ist eine großartige menschliche Erfindung. In den 60ern gab es viel von diesen Formgemälden. Aber ich mochte das Rechteck wirklich. Und ich dachte, wenn man die genau richtige Farbe für diese Form finden könnte, und man es wirklich richtig hätte, wenn man absolute Richtigkeit der Form hätte, Gott weiß, wozu dieses Gemälde fähig wäre.”

Diese Idee, dass ein Gemälde etwas bewirken kann, offenbart in Marden einen tief verwurzelten Respekt für Kunst im Allgemeinen und insbesondere für die Malerei. In den Jahren, als er seine Monochrome schuf, fand eine größere Diskussion darüber statt, was Kunst ist und sein kann. Die gängige Vorstellung war, dass Kunst alles sein könnte und dass alles potenziell Kunst ist. Marden war anderer Meinung. Er verteidigte Kunst als humanistische Bestrebung und bestand darauf, dass ein Kunstwerk von menschlichen Händen geschaffen werden muss. In den 1960er und 70er Jahren machte er sich einen Namen, indem er die Malerei durch seine mutigen Monochrome verteidigte, die auf ungenierten Rechtecken gemalt waren. Diese Arbeiten machten ihn berühmt, und bis 1975 galt er als einer der Meister des Minimalismus und erhielt eine Einzelausstellung im Guggenheim in New York.

Brice Marden - Die Jahreszeiten, 1974-75. Öl auf Leinwand. 243,8 x 632,5 cm. Die Menil Sammlung, Houston, TX. © Brice Marden

West trifft Ost

Als Marden gerade den Höhepunkt seines Ruhms in den 1970er Jahren erreichte, begann er auch, nach neuen Richtungen zu suchen, in die er seine Kunst lenken konnte. Anfang der 1980er Jahre fand er die Inspiration, nach der er gesucht hatte, als eine Reihe von Begegnungen mit der östlichen Kultur ihn dazu anregte, eine neue Beziehung zum gemalten Bild zu entwickeln. Besonders bemerkte er die chinesische Kalligrafie und bewunderte sowohl die gestischen Linien der einzelnen Symbole als auch die gitterartige Qualität der Spalten und Reihen der geschriebenen Couplets.

Er begann eine Reihe von Gemälden, die auf kalligrafischen Ästhetiken basieren und die Cold Mountain Gemälde genannt werden. Um sie zu erstellen, malte er eine Schicht intuitiver, abstrakter kalligrafischer Symbole, kratzte dann die Farbe ab und malte eine weitere Schicht von Symbolen, wobei er den Prozess wiederholte, bis die Komposition gelöst war. Der Name Cold Mountain wurde inspiriert von den Cold Mountain Gedichten, einer Reihe von Hunderten von Gedichten, die von einem hermetischen chinesischen Mönch namens Hanshan im 9. Jahrhundert geschrieben wurden. Die strenge Farbpalette und der kalligrafische Look der Gemälde sprechen die Ästhetik der Gedichtrollen an, während ihre gestischen, geschichteten Bilder den Geist der Gedichte heraufbeschwören, die Freiheit, Natur und die Suche nach Harmonie umarmten.

Brice Marden - Cold Mountain 6 (Brücke), 1989-1991. Öl auf Leinen. 108 × 144 Zoll. 274,3 × 365,8 cm. San Francisco Museum of Modern Art (SFMOMA), San Francisco, CA. © Brice Marden

Der Gelehrte rockt

Neben der Kalligraphie war die andere große östliche Einflussnahme auf Marden seine Begegnung mit gongshí, oder chinesischen Gelehrtensteinen. In den Steinen, so sagt man, ist die ganze Welt und alles Leben sichtbar. In den letzten Jahren hat Marden eine Sammlung von Gelehrtensteinen in seinem Atelier angehäuft. Er erkundet ihre Feinheiten, ihre Muster, ihre Schichten, ihre Farbbeziehungen und die komplexen Harmonien, die er in ihnen beobachtet. Diese Beobachtungen haben sich in einer Reihe namens die Roten Felsen Gemälde manifestiert.

In den Red Rocks Gemälden arbeitet Marden erneut in Schichten, schafft lineare Formen, kratzt sie heraus, übermalt sie und baut allmählich die Farbe auf, bis sich das Bild auflöst. Die endgültigen Formen in diesen Gemälden scheinen direkter mit den natürlichen Formen in den Steinen verwandt zu sein. Aber sie enthalten immer noch die gestische Energie seiner kalligrafischen Striche, die den Kompositionen ein ständiges Gefühl von Bewegung verleihen.

Brice Marden - Orange Rocks, Red Ground 3, 2000-2002. Öl auf Leinen. 75 x 107 Zoll. © Brice Marden

Es steckt alles im Gemälde

Zusätzlich erweitert Marden in seinen Red Rock Gemälden seine Verwendung von Linien bis zu den äußersten Rändern der Leinwand, indem er Linien als Mittel nutzt, um den Rand des Rahmens zu umreißen, was das Gefühl der rechteckigen Grenzen des Werkes verstärkt. Als er kürzlich über diese Werke sprach, bemerkte er, dass seine Entscheidung, Linien auf diese Weise zu verwenden, mit Fragen über die Natur der Gemälde und deren Interpretation zusammenhing. Er sagte: „Dieses Bild ist kein Detail. Dieses Bild ist es selbst. Nichts geschieht außerhalb davon. Darum geht es bei all diesem Rahmenzeug.”

Diese Aussage, dass nichts außerhalb des Gemäldes geschieht und dass alles Wesentliche darin enthalten ist, ist entscheidend für die übergreifenden Themen der östlichen Traditionen, die die kalligraphischen Linienarbeiten von Marden inspiriert haben. Es ist eine Alternative zur kulturellen Wahrnehmung, dass Menschen irgendwie außerhalb der Natur existieren und unabhängig von ihr agieren können. Die Realität ist, dass Menschen Teil der Natur sind, nicht getrennt von ihr, die sie von außen beobachten. Alles ist in der Natur, einschließlich uns. Nichts geschieht außerhalb von ihr.

Brice Marden - Return I, 1964-65. Öl auf Leinwand. 50 1/4 x 68 1/4" (127,6 x 173,4 cm). MoMA Sammlung. Teilweise und versprochenes Geschenk von Kathy und Richard S. Fuld, Jr. © 2019 Brice Marden / Artists Rights Society (ARS), New York

Verschwommene Linien

Wenn man die letzten sechs Jahrzehnte von Brice Mardens Werk betrachtet, gibt es Konsistenzen, die sich durch sein gesamtes Œuvre ziehen. Seine Farbpalette ist durchweg gedämpft, und er hat konsequent Rechtecke angenommen, entweder direkt in seinen rechteckigen, monochromen Arbeiten oder indirekt in seinen kalligraphischen Linienkompositionen. Aber es gab auch tiefgreifende Veränderungen, da er von der Suche nach totaler Flachheit mit dem Plane Image zu einem geschichteten Gefühl von Tiefe in seiner Linienarbeit übergegangen ist.

Für Marden stellen diese Veränderungen ein Element der Malerei dar, das er schätzt. Jedes Gemälde, das er aus jeder Phase seiner Karriere betrachtet, erinnert ihn daran, wer er zu dieser Zeit war. Die Möglichkeit, zurückzugehen und diese Werke zu begegnen, gibt ihm das Gefühl, in etwas Unveränderlichem verwurzelt zu sein, trotz des ständigen Wandels. Wie er einmal ausdrückte: „Eines der Dinge an einem Gemälde ist, dass es so bleibt. Und du kannst immer wieder darauf zurückkommen. Und jedes Mal, wenn du zurückkommst, bist du anders, aber es ist dasselbe. Es ist eine stabile Sache."

Titelbild: Brice Marden - Zweiter Brief, Zen Frühling (Detail), 2006 – 2009. Öl auf Leinen. © Brice Marden
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken.
Von Phillip Barcio