Monet - Mitchell. Auf dem Weg zu einem abstrakten Impressionismus.

Weit mehr als ein rein visueller Vergleich zwischen bildnerischen Sprachen: Im Herbst 2022 bringt die Louis-Vuitton-Stiftung in Paris den impressionistischen Meister Claude Monet (1840-1926) und die amerikanische abstrakte Künstlerin Joan Mitchell (1925-1992) in einen Dialog und offenbart dabei eindrucksvolle und bewegende Übereinstimmungen. Kuratiert von der künstlerischen Leiterin Suzanne Pagé in besonderer Partnerschaft mit dem Musée Marmottan Monet, ist die Ausstellung eine poetische Reise durch Monets spätere Werke und Mitchells intime Meisterwerke des abstrakten Expressionismus, die in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts in den Vereinigten Staaten entstanden sind. Die Besucher werden von der tiefen Verbundenheit dieser Begegnung überrascht sein. Sie werden eine ähnliche Haltung und Absicht im Blick entdecken, auch wenn diese in unterschiedlichen kulturgeschichtlichen Epochen ausgearbeitet wurden.

Welche Meisterwerke wir sehen werden

Monet-Mitchell ist eine beeindruckende Ausstellung, die 60 bedeutende Werke aus den Karrieren der beiden Künstler zeigt. 36 Werke des gefeierten Impressionisten Claude Monet – darunter die großartigen Seerosen-Serien, die endlich vollständig wiedervereint sind – und 24 abstrakte Gemälde von Joan Mitchell treten im von Stararchitekt Frank Gehry entworfenen Gebäude in einen Dialog. Die beiden Werkgruppen schlagen eine Brücke zwischen Themen und bildnerischen Sprachen und erzählen zugleich die Geschichte eines fruchtbaren künstlerischen Austauschs zwischen Frankreich und den Vereinigten Staaten. Symbolträchtig ist dabei die Präsenz des Agapanthus-Triptychons (ca. 1915-1926), des fast 13 Meter langen Kunstwerks, das Claude Monet in den Vereinigten Staaten weithin bekannt machte und heute in drei verschiedenen amerikanischen Museen verwahrt wird. Auf der anderen Seite sticht auch Joan Mitchells Grand Vallée-Serie hervor, die heute im Centre Pompidou aufbewahrt wird und eine besondere Verbindung zwischen der Energie der amerikanischen Aktionsmalerei und der besonnenen Innenschau europäischer Traditionen darstellt.

Der Monet-Mitchell-Dialog wird zudem durch eine Retrospektive zur amerikanischen Malerin vertieft. Diese aktualisierte Version einer Monografie, die erstmals im San Francisco Museum of Modern Art (SFMOMA) und im Baltimore Museum of Art (BMA) gezeigt wurde, will die einzigartige Laufbahn Mitchells neu beleuchten. Die Künstlerin, die sich der Nachkriegsbewegung des abstrakten Expressionismus zuwandte, wird im Licht ihrer französischen Erfahrungen neu bewertet. Ihr Stil steht in Verbindung zu europäischen Meistern, angefangen bei Monet, aber auch Cézanne und Van Gogh.

Claude Monet, Les Agapanthes, 1916-1919. Öl auf Leinwand, 200 x 150 cm. Musée Marmottan Monet, Paris.

Überraschende Übereinstimmungen

Was haben jedoch Claude Monets Landschaften mit Joan Mitchells kraftvollen gestischen Gemälden gemeinsam? Die Auswahl der Werke macht dies selbst für das ungeübte Auge deutlich. Der Dialog findet auf mehreren Ebenen statt und offenbart überraschende Berührungspunkte. Tatsächlich fotografiert die Ausstellung zwei originelle Momente in der Produktion der beiden Künstler ab: Monets spätere Werke, zurückgezogen im Garten von Giverny und mit zunehmend schweren Sehproblemen, geprägt von verschwommenen Konturen und lebhaften Lichtblitzen; und Joan Mitchell nach ihrem Umzug aus den Vereinigten Staaten nach Vétheuil, einem französischen Dorf nicht weit von Monets Wohnort entfernt. Eine erste Übereinstimmung ist daher wörtlich: Die ausgestellten Gemälde erzählen von denselben Orten, den Ufern der Seine und der Landschaft der Île-de-France, in die beide Künstler eintauchten. Die gemeinsame Landschaft rief unterschiedliche emotionale und künstlerische Reaktionen hervor, aber denselben Drang, die umgebende Natur auf besonders eindringliche und sinnliche Weise darzustellen.

Joan Mitchell, Quatuor II for Betsy Jolas, 1976. Öl auf Leinwand, 279,4 × 680,7 cm. Paris, Centre Pompidou, Leihgabe des Musée de Grenoble. © The Estate of Joan Mitchell.

Auch auf der visuellen Ebene gibt es bedeutsame Übereinstimmungen. Beide Künstler scheinen zwischen gegenständlichen und abstrakten Formen hin und her zu wechseln. Monet nähert sich in seiner späten Phase einer zunehmend abstrakten Darstellung der Landschaft, frei von Perspektivbezügen und Schärfe; während Mitchell, obwohl sie sich der Bewegung des abstrakten Expressionismus zuordnet, durch ihre Eigenart heraussticht: Ihre abstrakten Werke zeigen eine Verbindung zu den angenommenen Landschaften Frankreichs und den Wunsch, deren sich ständig wandelnde Momente einzufangen, so wie es die Impressionisten taten. Die Leinwände zeigen auch eine ähnliche Empfindsamkeit: Beide malten mit großer Aufmerksamkeit für Licht und Farbe und suchten selbst die kleinsten Veränderungen einzufangen. Die kuratorischen Entscheidungen heben diesen ästhetischen Dialog hervor, indem Monets Seerosen-Serie suggestiv rahmenlos präsentiert wird. Die großformatigen Formate der beiden Werkgruppen spiegeln sich ebenfalls wider. Der Blick des Besuchers verliert sich so in den monumentalen Gemälden und entdeckt Landschaften der Natur und der Erinnerung.

Es scheint fast, als untersuche diese Ausstellung Übereinstimmungen, die über den malerischen Stil hinausgehen und zu einem menschlicheren Grundsubstrat führen. Die Künstler zeigen eine ähnliche Herangehensweise an die Kunst, die sie auch in verwandten Begriffen definieren: angetrieben von „Empfindungen“ bei Monet und von „Gefühlen“ und „Erinnerungen“ bei Mitchell. Die erlebte Landschaft wird in ihren Gemälden verklärt, gefiltert durch ihre persönliche Wahrnehmungserfahrung. Wie der formalistische Kunstkritiker Clement Greenberg feststellte, kann Monet als Vorläufer des abstrakten Expressionismus gesehen werden, da seine Seerosen weit mehr als nur Landschaft untersuchen, nämlich das umfassende Prinzip, die Essenz der Natur und ihre Abstraktheit. Ebenso hat Mitchell eine Sprache, die in der gestischen Abstraktion verwurzelt ist, aber von den durch natürliche Elemente hervorgerufenen Emotionen getragen wird, zuerst von denen des Michigansees, dann vom Laub und Wasser der Seineufer.

Joan Mitchell, La Grande Vallée XIV (Für eine kurze Zeit), 1983. Öl auf Leinwand, 280 × 600 cm. Musée national d’art moderne, Centre Pompidou, Paris. © The Estate of Joan Mitchell

Der Beitrag, den diese gegenseitige Verbundenheit für nachfolgende Generationen abstrakter Maler geleistet hat und weiterhin leistet, ist von unschätzbarem Wert: Sie offenbart eine Herangehensweise, die man als abstrakten Impressionismus bezeichnen könnte. Monet und Mitchell fingen in ihren mehrteiligen Gemälden den Wandel der Natur und menschlicher Empfindungen ein. Ihre spontane, schnelle, gestische Malweise verkörperte deren Vergänglichkeit. Die Ausstellung ist daher eine Gelegenheit, zwei historische Künstler in einem zeitgenössischen Licht neu zu betrachten und weiterhin Fragen zur bildnerischen Sprache der abstrakten Malerei zu stellen: Wie viel ist echt in einem abstrakten Gemälde? Wie kann ein Künstler die Gefühle, Eindrücke und Erinnerungen eines bestimmten Moments oder einer Landschaft gestalten? Wo verläuft die Grenze zwischen Abstraktion und Darstellung? „Ich trage meine Landschaft mit mir“, erklärte Joan Mitchell oft und verwischte dabei zunehmend die Grenze zwischen innerer und äußerer Welt.

Titelbild: Claude Monet, Das Haus des Künstlers gesehen vom Rosengarten, 1922-1924. Öl auf Leinwand, 81 x 92 cm. Musée Marmottan Monet, Paris