Monet - Mitchell. Auf dem Weg zu einem abstrakten Impressionismus.

Viel mehr als ein visueller Vergleich zwischen bildlichen Sprachen: Im Herbst 2022 bringt die Fondation Louis Vuitton in Paris den Impressionisten-Meister Claude Monet (1840-1926) und die amerikanische abstrakte Künstlerin Joan Mitchell (1925-1992) in einen Dialog, der evocative und eindringliche Entsprechungen offenbart. Kuratiert von der künstlerischen Direktorin Suzanne Pagé in enger Partnerschaft mit dem Musée Marmottan Monet, ist die Ausstellung eine poetische Reise durch Monets spätere Werke und Mitchells intime Meisterwerke des Abstract Expressionism, die in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts in den Vereinigten Staaten entstanden. Die Zuschauer werden von der tiefen Affinität dieser Begegnung überrascht sein. Sie werden einen so ähnlichen Blick in Haltung und Intentionalität entdecken, auch wenn er in unterschiedlichen kulturhistorischen Perioden ausgearbeitet wurde.

Welche Meisterwerke werden wir sehen

Monet-Mitchell ist eine beeindruckende Ausstellung, die 60 bedeutende Werke aus den Karrieren der beiden Künstler präsentiert. 36 Werke des gefeierten Impressionisten Claude Monet - darunter die großartige Seerosen-Serie, die endlich in ihrer Gesamtheit vereint ist - und 24 abstrakte Gemälde von Joan Mitchell werden im von dem Stararchitekten Frank Gehry entworfenen Gebäude miteinander in Dialog treten. Die beiden Werkgruppen schaffen eine Brücke zwischen Themen und visuellen Sprachen und erzählen auch die Geschichte eines fruchtbaren künstlerischen Austauschs zwischen Frankreich und den Vereinigten Staaten. Es ist in der Tat symbolisch, die Präsenz des Agapanthus Triptychons (ca. 1915-1926), des fast 13 Meter langen Kunstwerks, das Claude Monet in den Vereinigten Staaten weithin bekannt machte und jetzt in drei verschiedenen amerikanischen Museen aufbewahrt wird. Andererseits sticht auch Joan Mitchells Grand Vallée-Serie hervor, eine Serie, die jetzt im Centre Pompidou aufbewahrt wird und eine einzigartige Synthese zwischen der Energie der amerikanischen Aktionsmalerei und der maßvollen Introspektion europäischer Traditionen darstellt.

Der Monet-Mitchell Dialog wird zudem durch eine Retrospektive vertieft, die dem amerikanischen Maler gewidmet ist. Dies ist eine aktualisierte Version einer monografischen Ausstellung, die im San Francisco Museum of Modern Art (SFMOMA) und im Baltimore Museum of Art (BMA) debütierte und darauf abzielt, die einzigartige Karriere von Mitchell neu zu überdenken. Die Künstlerin, die sich dem Nachkriegsbewegung des Abstrakten Expressionismus zuwendet, wird im Licht ihrer französischen Erfahrung neu bewertet. Ihr Stil steht in Verbindung zu europäischen Meistern, beginnend mit Monet, aber auch Cézanne und Van Gogh.

Claude Monet, Die Agapanthus, 1916-1919. Öl auf Leinwand, 200 x 150 cm. Musée Marmottan Monet, Paris.

Überraschende Entsprechungen

Was haben jedoch Claude Monets Landschaften mit Joan Mitchells kraftvollen gestischen Gemälden gemeinsam? Die Auswahl der Werke macht dies selbst für das ungeübte Auge offensichtlich. Der Dialog wird auf mehreren Ebenen hergestellt und findet überraschende Berührungspunkte. Tatsächlich fotografiert die Ausstellung zwei originale Momente in der Produktion der beiden Künstler: die späteren Werke von Monet, der sich im Garten von Giverny zurückgezogen hat und zunehmend unter schweren Sehproblemen leidet, gekennzeichnet durch verschwommene Konturen und Lichtblitze; und Joan Mitchell nach ihrem Umzug von den Vereinigten Staaten nach Vétheuil, einem französischen Dorf nicht weit von Monets Wohnort. Eine erste Entsprechung ist daher wörtlich: Die ausgestellten Gemälde erzählen von denselben Orten, den Ufern der Seine und der Île-de-France-Landschaft, in der beide Künstler eingetaucht waren. Die gemeinsame Landschaft rief unterschiedliche emotionale und künstlerische Reaktionen hervor, aber den gleichen Drang, die umgebende Natur auf eine besonders eindringliche und sinnliche Weise darzustellen.

Joan Mitchell, Quatuor II für Betsy Jolas, 1976. Öl auf Leinwand, 279,4 × 680,7 cm. Paris, Centre Pompidou, im Depot des Musée de Grenoble. © Der Nachlass von Joan Mitchell.

Es gibt auch auf visueller Ebene relevante Entsprechungen. Beide Künstler scheinen in einem Hin und Her zwischen figürlichen und abstrakten Formen zu agieren. Monet nähert sich in seiner späteren Phase einer zunehmend abstrakten Darstellung der Landschaft, die frei von Perspektivbezügen und Schärfe ist; während Mitchell, obwohl sie sich zur Abstrakten Expressionismus Bewegung hingezogen fühlt, sich für Singularität löst: Ihre abstrakten Werke offenbaren eine Verbindung zu den angenommenen Landschaften Frankreichs und den Wunsch, deren sich ständig verändernde Momente festzuhalten, genau wie es die Impressionisten taten. Die Leinwände zeigen auch eine ähnliche Sensibilität: Beide Künstler malten mit großer Aufmerksamkeit für Licht und Farbe und versuchten, selbst ihre kleinsten Variationen einzufangen. Die kuratorischen Entscheidungen heben diesen ästhetischen Dialog hervor, indem sie Monets Seerosen -Serie suggestiv ungerahmt präsentieren. Die großformatigen Werke der beiden Produktionen spiegeln sich ebenfalls wider. Der Blick des Besuchers verliert sich somit in den monumentalen Leinwänden und entdeckt Landschaften der Natur und der Erinnerung.

Es scheint fast so, als ob diese Ausstellung Korrespondenzen untersucht, die über den malerischen Stil hinausgehen und zu einem menschlicheren Substrat gelangen. Die Künstler zeigen einen ähnlichen Ansatz zur Kunst, den sie auch in verwandten Begriffen definieren: getrieben von "Empfindungen" bei Monet und von "Gefühlen" und "Erinnerungen" bei Mitchell. Die erlebte Landschaft wird in ihren Leinwänden transfiguriert, gefiltert durch ihre persönliche Wahrnehmungserfahrung. Wie der formalistische Kunstkritiker Clement Greenberg feststellte, kann Monet als Vorläufer des Abstract Expressionism angesehen werden, da seine Seerosen viel mehr als nur Landschaft untersucht und versucht, ihr umfassendes Prinzip, das Wesen der Natur und ihre Abstraktheit einzufangen. Ähnlich hat Mitchell eine Sprache, die in der gestischen Abstraktion verwurzelt ist, aber von den Emotionen getrieben wird, die durch natürliche Elemente geweckt werden, zuerst durch die des Michigansees, dann durch das Laub und das Wasser der Ufer der Seine.

Joan Mitchell, La Grande Vallée XIV (Für eine kleine Weile), 1983. Öl auf Leinwand, 280 × 600 cm. Musée national d’art moderne, Centre Pompidou, Paris. © Der Nachlass von Joan Mitchell

Der Beitrag, den diese gegenseitige Affinität geleistet hat und weiterhin leistet, ist für nachfolgende Generationen von abstrakten Malern von unschätzbarem Wert: Er offenbart einen Ansatz, der als abstrakter Impressionismus bezeichnet werden könnte. Monet und Mitchell haben in ihren Mehrfach-Leinwand-Gemälden den sich verändernden Aspekt der Natur und menschliche Empfindungen eingefangen. Ihr spontaner, schneller, gestischer malerischer Ansatz verkörperte dessen Vergänglichkeit. Die Ausstellung ist daher eine Gelegenheit, zwei historische Künstler in einem zeitgenössischen Schlüssel neu zu überdenken und weiterhin Fragen zur visuellen Sprache der abstrakten Malerei zu stellen: Wie viel ist real in einem abstrakten Gemälde? Wie kann ein Künstler die Gefühle, Eindrücke und Erinnerungen an einen bestimmten Moment oder eine Landschaft gestalten? Wo verläuft die Grenze zwischen Abstraktion und Darstellung? "Ich trage meine Landschaft immer bei mir", erklärte oft Joan Mitchell und verwischte zunehmend die Grenze zwischen inneren und äußeren Welten.

Vorschaubild: Claude Monet, Das Haus des Künstlers vom Rosengarten aus gesehen, 1922-1924. Öl auf Leinwand, 81 x 92 cm. Musée Marmottan Monet, Paris