"Der Raum ist Stille. Zao Wou-Ki in Paris nach fünfzehn Jahren"

Inspiriert von der Begegnung mit den frühen abstrakten Arbeiten seines neuen Freundes, dem in China geborenen Maler Zao Wou-Ki, erklärte der in Belgien geborene Dichter und Künstler Henri Michaux einmal: „Raum ist Stille.“ Diese poetische Aussage wurde auch als Titel der aktuellen Zao Wou-Ki-Retrospektive gewählt, die am 1. Juni 2018 im Musée d'Art Moderne in Paris eröffnet wurde. Zao Wou-Ki: Raum ist Stille zeigt 40 großformatige Gemälde, von denen viele noch nie zuvor ausgestellt wurden, und es ist die erste Ausstellung in Paris, die in den letzten 15 Jahren einen so umfassenden Blick auf das Werk dieses Künstlers wirft. Die Ausstellung bietet eine seltene Gelegenheit, so viele bedeutende Werke von Wou-Ki an einem Ort zu sehen, und sie ist ein faszinierender Einstieg in eine Diskussion darüber, was Michaux genau meinte, als er sagte: „Raum ist Stille.“ War er dabei, einen einfachen ästhetischen Vorschlag zu machen, sprach er nur in plastischen Begriffen, um den negativen ästhetischen Raum mit visueller Ruhe in Verbindung zu bringen? Oder gab er der poetischen Stimme einer Beobachtung über die Ruhe Ausdruck, die mit der Unbeschwertheit einhergeht? Oder vielleicht war dies eine philosophische Aussage, die dazu gedacht war, die Beziehung zwischen den inneren und äußeren Welten zu kommentieren? Vielleicht ist die Schönheit der Aussage, dass sie unendliche Bedeutungen haben könnte. Wie die Ausstellung Raum ist Stille zeigt, könnte jede dieser Bedeutungen relevant sein, wenn man das komplexe und vielschichtige Erbe von Zao Wou-Ki betrachtet.

Eine internationale Perspektive auf das Zuhause

In gewissem Sinne ist Space is Silence eine Heimkehr für Zao Wou-Ki. Der Künstler wurde 1920 in Peking, China, geboren. Sein Vater, der kein Künstler, sondern ein Banker war, gab seinem Sohn den Namen Wou-Ki, was "keine Grenzen" bedeutet. Der Name kündigte die Ermutigung an, die seine Familie ihm gab, als Wou-Ki im Alter von 10 Jahren zum ersten Mal seine Fähigkeiten als Maler zeigte. In der Schule an der Hangzhou School of Fine Arts studierte Wou-Ki figurative Malerei und alte chinesische Kunsttraditionen. Aber der junge Künstler war nicht sehr daran interessiert, mehr über seine chinesischen Wurzeln zu lernen. Stattdessen lernte er nebenbei so viel er konnte über die Impressionisten und den westlichen Modernismus, die er als viel größere Inspiration betrachtete. 1941 hatte er seine erste Ausstellung und erhielt starke Ermutigung für sein Talent, aber dennoch hatte er nicht das Gefühl, die Art von Arbeiten zu schaffen, die er machen wollte. Also zog er 1948 nach Paris, wo er zum ersten Mal die Werke von Picasso, Matisse und anderen Künstlern, die ihn während seiner Kindheit in China inspiriert hatten, aus erster Hand sehen konnte.

Zao Wou-Ki - Hommage an Matisse I - 02.02.86I, 1986. Öl auf Leinwand. Privatsammlung. © Adagp, Paris, 2018. Foto: Dennis Bouchard

Es war in Paris, dass Wou-Ki zur Abstraktion überging, und es war seine frühe abstrakte Arbeit, die seinen neuen Freund Michaux zu seiner jetzt berühmten Bemerkung über den Raum inspirierte. Ironischerweise war es jedoch auch in Paris, wo Wou-Ki wieder mit denselben alten chinesischen Traditionen verbunden wurde, die er zuvor abgelehnt hatte. Er hatte eine Erleuchtung, während er einen Fragment eines Orakel-Knochenskripts betrachtete, einer Art von Schrift auf Knochenfragmenten, die bis zur Sheng-Dynastie des 2. Jahrhunderts zurückreicht.^und Jahrtausende v. Chr. Bestehend aus anthropomorphen Zeichen, wird die Schrift als die erste chinesische Schrift betrachtet, und obwohl sie 1500 Jahre später als die ältesten sumerischen und ägyptischen Hieroglyphen entstand, zählt sie zu den ältesten organisierten symbolischen Schriftsystemen in der Menschheitsgeschichte. Seine Untersuchung der Orakelknochenschrift führte Wou-Ki dazu, die urtümlichen Formen nachzuahmen, was ihn zu einem erneuten Interesse an der chinesischen Kalligrafie führte und ihn mit den symbolischen und abstrakten Wurzeln der alten chinesischen Kultur wieder verband.

Zao Wou-Ki - Hommage an Claude Monet, Februar-Juni 91 – Triptychon, 1991. Öl auf Leinwand. Privatsammlung. © Adagp, Paris, 2018. Foto: Jean-Louis Losi

Offenheit und Skalierbarkeit

In den 1950er Jahren kombinierte Wou-Ki seine erneute Wertschätzung für chinesische Symbolik mit seinem Interesse an impressionistischen Farben und entwickelte einen unverwechselbaren abstrakten Stil. Doch dieser Stil fühlte sich für ihn immer noch einschränkend an. Er wollte seinen Leinwänden auf verschiedene Weise Raum verleihen. Er wollte, dass visueller Raum beim Betrachten seiner Oberflächen entsteht. Er wollte auch, dass sich intellektueller Raum öffnet, damit die Betrachter mehr Spielraum haben, die Werke zu interpretieren. Schließlich wollte er buchstäblich mehr Raum – das bedeutet, er wollte, dass seine Leinwände größer sind. Nach einer Reise nach New York City im Jahr 1957 gab er sich schließlich die Erlaubnis, in einem viel größeren Maßstab zu arbeiten, was ihn mit den monumentalen Leinwänden von Künstlern wie Franz Kline bekannt machte. Er übernahm diese Strategie sofort in seiner eigenen Arbeit. Alle Gemälde, die in Space is Silence zu sehen sind, stammen aus diesem Zeitraum. In ihren weiten Oberflächen können wir auch die Wege sehen, auf denen Wou-Ki versuchte, illusionären visuellen Raum zu vermitteln.

Zao Wou-Ki - Ohne Titel, 2006. Tusche auf Papier. Private Sammlung. © Adagp, Paris, 2018. Foto: Dennis Bouchard

Um seinen Bedarf an mehr intellektuellem Raum in seiner Arbeit zu erreichen, begann Wou-Ki 1959, seine Gemälde nur nach dem Datum ihrer Vollendung zu betiteln. Er erklärte, dass er versuchte, die Energien und Kräfte der Natur zu malen, aber zu viele Betrachter lasen in diese Idee hinein, dass er Landschaften malte. Indem er seine Werke nur mit dem Datum ihrer Vollendung betitelte, wusste er, dass die Betrachter weniger Informationen hatten, auf deren Grundlage sie ihre Interpretationen basieren konnten. Anstatt nach narrativem Sinn in den Gemälden zu suchen, hätten die Menschen keine Wahl, als sich den abstrakteren Aspekten des Werkes zu öffnen. Er hoffte, dass wir in diesen Gemälden Licht und Leben sehen würden. Am wichtigsten war ihm, dass wir in ihnen das Geheimnis des Raumes sehen würden. Wie so viele andere abstrakte Künstler, die glauben, dass die visuelle Welt mit der musikalischen Welt verbunden ist, zeigte uns Wou-Ki die Möglichkeit, dass die imaginären Räume, die er in seinen massiven Gemälden offenbart, auch als Bereiche wahrgenommen werden können, in denen es an Musik und an etwas Konkretem fehlt. In diesen Räumen der Stille könnten wir mehr darüber nachdenken, wie Offenheit etwas Essentielles für die natürliche Welt und für unser Dasein darstellt. Zao Wou-Ki: Raum ist Stille ist bis zum 6. Januar 2019 im Musée d'Art Moderne in Paris zu sehen.

Vorschaubild: Zao Wou-Ki - Hommage à Edgar Varèse - 25.10.64, 1986. Öl auf Leinwand. Schenkung Françoise Marquet, 2015 Musée cantonal des beaux-arts, Lausanne. © Adagp, Paris, 2018 Foto: Dennis Bouchard

Von Phillip Barcio