Zehn Latinx Abstract-Künstler, die man jetzt kennen sollte

Die kulturelle Vielfalt ihrer Umgebung widerzuspiegeln, ist seit der Gründung von BRIC (früher Brooklyn Information & Culture) im Jahr 1979 ein zentrales Anliegen. Ihre jüngste Ausstellung, Latinx Abstract, trägt diesem Auftrag Rechnung, indem sie dringend benötigte Aufmerksamkeit auf ein Problem lenkt, das nicht nur Latinx-Künstler*innen, sondern auch Künstler*innen vieler verschiedener Herkunft immer wieder belastet: die Erwartung, dass ihre Rasse, Ethnie, ihr Geschlecht oder andere kulturelle Merkmale in ihrer Kunst offen thematisiert werden müssen. Für Latinx Abstract hat Kuratorin Elizabeth Ferrer nicht nur eine reizvolle, generationenübergreifende Übersicht zeitgenössischer Latinx-abstrakter Kunst zusammengestellt; sie hat auch die schwierige Aufgabe gemeistert, Werke von Künstler*innen zu versammeln, die zugleich wenig bekannt und doch reif genug sind, um eine bedeutende institutionelle Übersicht zu tragen (was keine leichte Aufgabe ist). Solche Ausstellungen laden naturgemäß zu Kritik ein: Keine Übersicht über Latinx-abstrakte Künstler*innen kann jemals vollständig sein. Das ist nur ein Grund, warum ich diese Schau liebe: Das Konzept ist mutig. Wenn man wartet, die Geschichte zu berichtigen, bis man alle und alles einbeziehen kann, wird sich niemals etwas ändern. Der kuratorische Fokus von Latinx Abstract wirft auch eine weitere schwierige Frage auf: Wie kann eine institutionelle Ausstellung marginalisierte Künstler*innen davon befreien, durch die Notwendigkeit, ihre kulturelle Identität zu zeigen, definiert und unterdrückt zu werden, wenn sie zugleich diese kulturelle Identität als kuratorisches Leitmotiv der Schau nutzt? Die Wandtexte in der Ausstellung machen deutlich, dass Ferrer versteht, dass Repräsentation und Identifikation kompliziert sind, aber auf Empathie beruhen. Die Ausstellung gelingt, weil sie einen Raum schafft (im wörtlichen und übertragenen Sinn), in dem die kolonialen, patriarchalen Mächte, die die Geschichte der abstrakten Kunst geprägt haben, diskutiert werden können – ein Raum, wie Wilfredo Lam sagte, „um die Träume der Ausbeuter zu stören.“ Hier folgt ein tieferer Blick auf die zehn Latinx-abstrakten Künstler*innen, die in der Ausstellung gezeigt werden.

Candida Alvarez

Geboren 1955 in Brooklyn als Tochter von Eltern, die aus Puerto Rico zugezogen sind, hat Candida Alvarez eine unverwechselbare Bildsprache entwickelt, die zwischen biomorpher Abstraktion und Luftbildmalerei zu schweben scheint. Ihre Kompositionen täuschen das Auge, indem sie abwechselnd Tiefe und völlige Flächigkeit vortäuschen. Vorstellungen von Weiblichkeit und Männlichkeit werden herausgefordert, da die Kompositionen abwechselnd sowohl an Tarnmuster aus Kriegszeiten als auch an Patchworkdecken zu erinnern scheinen.

Karlos Cárcamo

Geboren 1967 in San Salvador, El Salvador, wuchs Karlos Cárcamo im Viertel Jamaica, Queens, New York, auf. Seine Arbeit umfasst sowohl Skulptur als auch Malerei, doch seine Gemälde sind der Teil seines Schaffens, der am festesten in der zeitgenössischen Abstraktion verwurzelt ist. Seine zwei bekanntesten Serien sind seine Kase-Gemälde, die malerisch und fast einfarbig sind, und seine Hard-Edge-Serie, die feste farbige Rechtecke über gestische, mit Sprühfarbe aufgetragene Markierungen legt. Beide Serien spielen mit der allgegenwärtigen Ästhetik der Entfernung von Stadtsprüchen, und Sprühfarbe-Entferner ist ein häufig verwendetes Material in seiner Arbeit.

Karlos Cárcamo - Kase-Gemälde (P6) - 2019. Latex, Sprühfarbe, Graffiti-Entferner, Collage auf Leinwand in einem Rahmen aus wiederverwertetem Sperrholz. 71 x 61 cm.

Maria Chavez

Geboren in Lima, Peru, ist Maria Chavez Klang- und Installationskünstlerin. Sie verwendet Plattenspieler, manchmal defekt, um klangliche Erlebnisse zu schaffen, die auf der besonderen Architektur eines Ortes beruhen und so eine Verbindung von Ortsbezogenheit mit Fragen zu Klang und Raum herstellen.

Alejandro Guzman

Der in Puerto Rico geborene Künstler Alejandro Guzman schafft eindringliche, totemartige Skulpturen, die zwischen völliger Abstraktion und anthropomorphen Wesen schweben. Seine Materialsprache entlehnt sich sowohl der indigenen Kultur als auch der Massenkonsumgesellschaft und schafft so eine Vielzahl von Bezügen, die für Betrachter eine postkoloniale kulturelle Ganzheit im Werden andeuten.

Glendalys Medina

Geboren in Puerto Rico und aufgewachsen im Bronx, New York, verbindet Glendalys Medina Muster, die von moderner Technik über Geometrie bis hin zu Hip-Hop und Selbsthilfe inspiriert sind, und schafft abstrahierte Bilder und Skulpturen, die die Betrachter herausfordern, ihre bisherigen Vorstellungen von Wiedererkennung zu hinterfragen. Ihre Arbeit handelt im Wesentlichen davon, Rahmen für persönliche Störungen zu schaffen, indem sie die Betrachter auffordert, ihre Programmierung zu durchbrechen und eine individuelle Sichtweise anzustreben.

Freddy Rodriguez

Geboren 1945 in Santiago de los Caballeros, Dominikanische Republik, studierte Freddy Rodriguez Kunst in New York zu einer Zeit, als geometrische Abstraktion und Minimalismus auf abstrakten Expressionismus und Pop-Art trafen. Rodriguez nahm all diese Einflüsse auf und experimentierte furchtlos weiter, um neue Wege zu finden, sein persönliches Erbe und seine Sichtweise auszudrücken. Er entkam der Festlegung auf einen bestimmten Stil und verband stattdessen verschiedene ästhetische Ansätze, um seine eigene unverwechselbare Perspektive auszudrücken.

Freddy Rodriguez - Ella sola, 1974. Acryl auf Leinwand. 163 x 91 cm. Mit freundlicher Genehmigung von Hutchinson Modern & Contemporary

Fanny Sanín

Geboren 1938 in Bogotá, Kolumbien, studierte Fanny Sanín Kunst in drei verschiedenen Ländern, erwarb ihren Abschluss an der Universität Los Andes in Bogotá, bevor sie Druckgrafik an der Universität von Illinois und Gravur an der Chelsea School of Art in London studierte. Ihre eindrucksvollen geometrischen Studien und Gemälde verbinden eine architektonische Struktur mit einem fast spirituellen Sinn für Farbe und Gleichgewicht. Ihre Gemälde setzen Farbausbrüche so ein, dass sie Licht zu strahlen scheinen.

Mary Valverde

Mit einer Mischung aus alltäglichen Materialien wie Garn, Papier und Klebeband sowie kulturell aufgeladenen Materialien wie Kaffee und Kakao schafft Mary Valverde Gemälde, Skulpturen und Installationen, die ein Gefühl von Spiritualität und heiliger Geometrie hervorrufen. Ihre Installationen deuten auf eine Art funktionalen religiösen Charakter hin, bleiben jedoch abstrakt. Dies stellt eine Herausforderung für die Betrachter dar, die sich mit ihren eigenen Vorannahmen auseinandersetzen müssen, die aus ihren Beziehungen sowohl zu den Materialien als auch zur Architektur entstehen.

Vargas-Suarez Universal

Geboren 1972 in Mexiko-Stadt, schafft Vargas-Suarez Universal Wandgemälde, Gemälde und Textilien, die die Bildsprachen alter indigener Handwerkskunst und moderner Mikro-Technologie verbinden. Die Formen und Gestalten in seinen Werken bewegen sich in einem Grenzbereich zwischen bedeutungsschwerer Symbolik und reiner Verzierung. Seine Kompositionen setzen Formen und Muster auf unerwartete und schiefe Weise ein, was darauf hindeutet, dass düstere, unbekannte Pläne am Werk sind.

Sarah Zapata

Als „Amerikanerin peruanischer Herkunft, eine Lesbe, die in einem christlich-evangelikalen Haushalt aufwuchs, und eine Texanerin mit Wohnsitz in Brooklyn“ lebt Sarah Zapata ein Leben voller Erwartungen an verschiedene Identitätsformen. Ihre Arbeit verbindet die Bildsprachen der modernistischen Abstraktion mit verschiedenen kulturell aufgeladenen Materialien und Verfahren auf eine Weise, die soziale Stigmata untergräbt und traditionelle Sichtweisen umkehrt. Die Textilien, die sie in ihrer Arbeit verwendet, verleihen ihren Werken das Gefühl, zugleich künstlich tot und natürlich lebendig zu sein.

Titelbild: Candida Alvarez - Vision Painting Nr. 15, 2020. Acryl auf Leinen. 51 x 51 cm. Mit freundlicher Genehmigung der Künstlerin und der Monique Meloche Galerie, Chicago.
Alle Bilder dienen nur zur Veranschaulichung
Von Phillip Barcio