Das ewige Erbe von Jack Whitten

Jack Whitten—berühmter abstrakter Maler, Sozialphilosoph und kultureller Wegbereiter—ist im Alter von 78 Jahren verstorben. In einer Ausstellungskarriere, die sich über mehr als 50 Jahre erstreckte, schuf Whitten ein künstlerisches Erbe, das auf demselben Grundsatz beruhte, nach dem er lebte—dass wir durch die Veränderung unserer Wahrnehmung eine friedlichere Kultur schaffen können. Im Atelier war er konzeptionell streng, ästhetisch dynamisch und ein unermüdlicher Experimentator. Die meisten Künstler haben das Glück, im Laufe ihrer Karriere eine einzige einzigartige visuelle Position zu entwickeln. Whitten entwickelte mehrere. Sein Ansatz war so innovativ und experimentell, dass er oft missverstanden wurde, selbst von seinen Unterstützern. Diese Realität führte dazu, dass Whitten vom Markt die meiste Zeit seines Lebens unterschätzt wurde und in der kunsthistorischen Diskussion zu wenig Anerkennung fand. Doch die Denkweise von Kunsthändlern und Käufern hat in den letzten anderthalb Jahrzehnten begonnen, Whitten einzuholen, in deren Verlauf seine Werke in mehr als 40 Ausstellungen gezeigt wurden. Die Menschen beginnen zu schätzen, dass es trotz der Vielfalt der von Whitten verwendeten Stile viele verbindende Aspekte seines Gesamtwerks gibt. Zum Beispiel ist die Idee von Schichten für alles, was Whitten schuf, wichtig. Ebenso das Konzept der Wahrnehmung. Licht ist ebenfalls bedeutend. Und auch Muster. Diese vier Elemente beziehen sich auf das, was Whitten lose als seine „Weltanschauung“ beschrieb. Wie er erklärte: „Weltanschauung ist eine kosmische Erklärung des Seins.“ Seine Weltanschauung war, dass Licht uns hilft wahrzunehmen; und Wahrnehmung uns hilft, Muster zu erkennen; Muster führen uns dazu, unsere Überzeugungen zu formulieren; und unsere Überzeugungen bestimmen, wie wir die Gesellschaft gestalten. Whitten bestand darauf, dass Kunst ein mächtiger Motor des Wandels sein kann, weil sie unsere Wahrnehmung anspricht und uns so helfen kann, eine ethischere und mitfühlendere Welt zu schaffen.

Kunst ist unsere einzige Hoffnung

Whitten erkannte das transformative Potenzial der Kunst erstmals in seinen frühen Zwanzigern. Er sah sie als eine Methode, mit dem umzugehen, was bis dahin für ihn eine schreckliche Erfahrung der Welt gewesen war. Er beschrieb sein Aufwachsen im amerikanischen Süden klar—unaufhörlicher Rassismus und Gewalt, die gegen ihn und jede andere farbige Person gerichtet waren. 1960 verließ er seinen Heimatstaat Alabama im Alter von 21 Jahren und kehrte nie zurück. Er zog nach New York City und schrieb sich am Cooper Union ein. Vierzehn Jahre später wurden seine Werke in einer Einzelausstellung im Whitney Museum of American Art gefeiert. Viele der Werke in dieser Ausstellung gehörten zu dem, was als seine erste ikonische visuelle Position gilt—seine sogenannten „Platten“-Gemälde. Um diese Werke zu schaffen, legte Whitten seine Leinwände auf den Boden und schob Farbe mit einem Rakel darüber. Sobald eine Farbschicht getrocknet war, trug er eine weitere auf, und so weiter. Er baute die Schichten auf, bis die Oberfläche dicht und dreidimensional war. Jede darunterliegende Farbe scheint am Ende durch.

Jack Whitten - Ohne Titel, 1968, Pastell auf Papier, 28,9 × 50,2 cm, Foto: Allan Stone Projects, New York

Für Whitten waren diese Gemälde ein philosophischer Versuch, zu einer Alternative jenseits seiner gewalttätigen Vergangenheit durchzubrechen. Sie waren weniger ein Versuch, das Universelle zu entdecken, sondern vielmehr zu erforschen, was jenseits des Selbst existiert. Er glaubte, dass die Kultur voller Stereotype sei, und dass dieser Arbeitsprozess, bei dem alle verschiedenen Farben und Schichten durchscheinen und zur finalen abstrakten Komposition führen, eine Art Zerstörung der Erwartungen darstellt, auf denen diese Stereotype beruhen. Seine „Platten“-Gemälde sind Einladungen, sich zu wundern, was vor sich geht; zu hinterfragen, wie etwas geschaffen wird; vorbestehende Annahmen zu analysieren; und über etwas anderes als das Bekannte nachzudenken. Er sah sie als direkten Versuch, starres Denken zu verwirren. Wie er einmal sagte: „Kunst hat die Kraft, Barrieren niederzureißen, die von einfältigen fundamentalistischen Denkern errichtet wurden, die versuchen, Macht zu erhalten. Wenn Fundamentalisten Angst vor Rot, Gelb und Blau haben, dann müssen Rot, Schwarz und Grün oder Rosa und Lavendel ihnen Albträume bereiten!“

Jack Whitten - Einzelausstellung bei Hauser & Wirth, New York, 26. Jan. – 8. Apr. 2017, Installationsansicht, Foto: Hauser & Wirth, New York

Kein Ziel, nur Struktur

Sobald Whitten für seine „Platten“-Gemälde bekannt wurde, gab er diese Technik auf und begann, im Collagestil zu arbeiten, indem er getrocknete Farbsplitter als Kacheln verwendete. Mit diesen Kacheln schuf er Werke, die wie Mosaike aussehen. Er erkannte, dass diese Farbsplitter, wenn sie nicht flach aufgelegt wurden, das Licht anders reflektierten und den Werken Dimension und Lebendigkeit verliehen. Dies wurde seine nächste ikonische visuelle Position. Er entwickelte sie im Laufe der Jahre weiter und kam schließlich zu einer Technik, bei der er Formen für seine Farbkacheln herstellte, anstatt sich auf Farbsplitter zu verlassen. Er nannte diese geformten Farbkacheln „ready nows“ und nutzte sie, um architektonische Kompositionen zu bauen, die Ziegelwänden ähneln. Mit dieser Technik schuf er seine „Gedenk“-Gemälde, wie 9-11-01, das an die Anschläge auf das World Trade Center erinnert, die er von seiner Wohnung in Tribeca aus miterlebte. Doch selbst diese Technik, die sich bei Sammlern und Institutionen als die beliebteste erwies, war nicht sein endgültiges ästhetisches Ziel. Er experimentierte und entwickelte sich bis zu seinem Lebensende weiter.

Jack Whitten - Einzelausstellung bei Hauser & Wirth, New York, 26. Jan. – 8. Apr. 2017, Installationsansicht, Foto: Hauser & Wirth, New York

Es gibt viele Klischees, um die metaphysische Frage zu beantworten, was im Leben wichtiger ist: die Reise oder das Ziel. Whitten hatte einen Lieblingsspruch, den er von seinem früheren Händler Allan Stone übernommen hatte. Er lautete: „Es gibt kein Ziel.“ Für Whitten existierte das Leben auf einem Kontinuum—ein Weg ins Nirgendwo. Alles, was für ihn zählte, waren Prozesse—Prozesse des Sehens; des Denkens; des Experimentierens; des Schaffens. Während seiner gesamten Karriere blieb er der Vorstellung treu, dass immer etwas Neues um die Ecke wartet. Wie ein Jazzmusiker, der in einer bestimmten Tonart spielt, gab er sich zugrundeliegende Strukturen—intellektuelle Ausgangspunkte, die auf Kernphilosophien basieren. Und von dort aus improvisierte er. Die Muster, Schichten und das Licht, die er uns hinterließ, um bewundert zu werden, bieten uns Wege zu neuen Wahrnehmungssystemen. Sie zeigen uns einen Weg nach vorn zu etwas Tieferem und Wichtigerem als dem Selbst.

Jack Whitten - Schwarzer Monolith, II: Hommage an Ralph Ellison The Invisible Man, 1994, Acryl, Melasse, Kupfer, Salz, Kohle, Asche, Schokolade, Zwiebel, Kräuter, Rost, Eierschale, Rasierklinge auf Leinwand, 147,3 × 132,1 cm, © Jack Whitten/Artists Rights Society (ARS), New York

Titelbild: Jack Whitten - Fünf Jahrzehnte Malerei, Target und Friedman Galerien, 13. September 2015 – 24. Januar 2016, organisiert vom Museum of Contemporary Art, San Diego

Alle Bilder dienen nur zur Veranschaulichung

Von Phillip Barcio