Das ewige Erbe von Jack Whitten

Jack Whitten—feierter abstrakter Maler, sozialer Philosoph und kultureller Führer—ist im Alter von 78 Jahren gestorben. In einer Ausstellungskarriere, die mehr als 50 Jahre umspannt, schuf Whitten ein künstlerisches Erbe, das auf demselben Prinzip basierte, nach dem er lebte—dass wir durch die Veränderung unserer Wahrnehmung eine friedlichere Kultur schaffen können. Im Atelier war er konzeptionell rigoros, ästhetisch dynamisch und ein unermüdlicher Experimentator. Die meisten Künstler haben das Glück, im Laufe ihrer Karriere eine einzige einzigartige visuelle Position zu entwickeln. Whitten entwickelte mehrere. Sein Ansatz war so innovativ und so experimentell, dass er oft missverstanden wurde, selbst von seinen Unterstützern. Diese Realität führte dazu, dass Whitten während der meisten seines Lebens vom Markt unterbewertet und in der kunsthistorischen Diskussion unteracknowledged wurde. Aber die Denkweise von Kunsthändlern und Käufern hat in den letzten anderthalb Jahrzehnten endlich begonnen, mit Whitten Schritt zu halten, in dessen Verlauf seine Arbeiten in mehr als 40 Ausstellungen zu sehen waren. Die Menschen beginnen zu schätzen, dass trotz der Vielzahl unterschiedlicher Stile, die Whitten verwendete, viele vereinigende Aspekte seines Schaffens vorhanden sind. Zum Beispiel ist die Idee der Schichten wichtig für alles, was Whitten produzierte. Ebenso ist das Konzept der Wahrnehmung wichtig. Licht ist ebenfalls wichtig. Und auch das Muster. Diese vier Elemente beziehen sich auf das, was Whitten lose als seine „Weltanschauung“ beschrieb. Wie er erklärte: „Weltanschauung ist eine kosmische Erklärung des Seins.“ Seine Weltanschauung war, dass Licht uns hilft, wahrzunehmen; und Wahrnehmung hilft uns, Muster zu erkennen; Muster führen uns dazu, unsere Überzeugungen zu formulieren; und unsere Überzeugungen bestimmen, wie wir die Gesellschaft strukturieren. Whitten bestand darauf, dass Kunst ein mächtiges Mittel des Wandels sein kann, weil sie unsere Wahrnehmung anspricht und uns somit helfen kann, eine ethischere und empathischere Welt zu schaffen.

Kunst ist unsere einzige Hoffnung

Whitten erkannte das transformative Potenzial der Kunst in seinen frühen 20ern. Er sah sie als eine Methode, um mit dem umzugehen, was bis zu diesem Zeitpunkt für ihn eine schreckliche Erfahrung der Welt gewesen war. Er beschrieb das Aufwachsen im amerikanischen Süden in klaren Worten – ununterbrochener Rassismus und Gewalt, die gegen ihn und jede andere Person of Color gerichtet waren. Er verließ seinen Heimatstaat Alabama 1960 im Alter von 21 Jahren und kehrte nie zurück. Er zog nach New York City und schrieb sich an der Cooper Union ein. Vierzehn Jahre später wurde sein Werk in einer Einzelausstellung im Whitney Museum of American Art gefeiert. Viele der Werke in dieser Ausstellung gehörten zu dem, was als seine erste ikonische visuelle Position gilt – seinen sogenannten "Slab"-Gemälden. Um diese Werke zu schaffen, legte Whitten seine Leinwände auf den Boden und schob Farbe mit einem Rakel darüber. Sobald eine Farbschicht getrocknet war, trug er eine weitere auf, und so weiter. Er baute die Schichten auf, bis die Oberfläche dicht und dimensional war. Jede Unterfarbe zeigt sich am Ende.

Jack Whitten - Untitled, 1968, Pastell auf Papier, 11 3/8 × 19 3/4 in, 28,9 × 50,2 cm, Foto Credits Allan Stone Projects, New York

Für Whitten waren diese Gemälde ein philosophischer Versuch, durch eine Alternative zu seiner gewalttätigen Vergangenheit zu brechen. Sie waren nicht so sehr ein Versuch, das Universelle zu entdecken, sondern vielmehr zu entdecken, was jenseits des Selbst existiert. Er glaubte, dass die Kultur voller Stereotypen war und dass dieser Prozess des Arbeitens, des Lassens aller verschiedenen Farben und Schichten durch die endgültige, abstrakte Komposition schimmern zu lassen, eine Möglichkeit war, die Erwartungen zu zerstören, auf denen diese Stereotypen basieren. Seine "Platten"-Gemälde sind Einladungen, sich zu fragen, was vor sich geht; zu hinterfragen, wie etwas geschaffen wird; vorbestehende Annahmen zu analysieren; und über etwas nachzudenken, das über das Bekannte hinausgeht. Er sah sie als einen direkten Versuch, rigides Denken zu verwirren. Wie er einmal sagte: „Kunst hat die Macht, Barrieren abzubauen, die von einfältigen fundamentalistischen Denkern errichtet wurden, die versuchen, Macht zu erhalten. Wenn Fundamentalisten Angst vor Rot, Gelb und Blau haben, dann müssen Rot, Schwarz und Grün oder Pink und Lavendel ihnen Albträume bereiten!"

Jack Whitten - Einzelausstellung in Hauser & Wirth, New York, 26. Januar – 8. April 2017, Installationsansicht, Foto Credits Hauser & Wirth, New York

Keine Destination, nur Struktur

Sobald Whitten für seine "Platten"-Gemälde bekannt wurde, gab er diese Technik auf und begann, im Collagestil zu arbeiten, indem er getrocknete Stücke von Acrylfarbe als Fliesen verwendete. Mit den Fliesen schuf er, was wie Mosaike aussieht. Er erkannte, dass die nicht flach liegenden Farbstücke das Licht anders reflektierten, was den Werken Dimension und Leben verlieh. Dies wurde seine nächste ikonische visuelle Position. Er entwickelte es über die Jahre weiter und kam schließlich zu einer Technik, bei der er Formen für seine Farbfliesen herstellte, anstatt auf Farbsplitter angewiesen zu sein. Er nannte diese geformten Farbfliesen "ready nows" und verwendete sie, um architektonische Kompositionen zu konstruieren, die Ziegelwänden ähneln. Diese Technik nutzte er, um seine "Gedenk"-Gemälde zu schaffen, wie zum Beispiel. 9-11-01, die die Angriffe auf das World Trade Center memorialisierte, die er von seiner Wohnung in Tribeca aus beobachtete. Doch selbst diese Technik, die sich als die beliebteste bei Sammlern und Institutionen erwies, war nicht sein endgültiges ästhetisches Ziel. Er experimentierte und entwickelte sich bis zu seinem Lebensende weiter.

Jack Whitten - Einzelausstellung in Hauser & Wirth, New York, 26. Januar – 8. April 2017, Installationsansicht, Foto Credits Hauser & Wirth, New York

Es gibt mehrere Klischees, um die metaphysische Frage zu beantworten, was im Leben wichtiger ist: die Reise oder das Ziel. Whitten hatte ein Lieblingssprichwort, das er von seinem ehemaligen Händler Allan Stone aufgeschnappt hatte. Es lautete: „Es gibt kein Ziel.“ Für Whitten existierte das Leben auf einem Kontinuum – eine Straße ins Nichts. Alles, was für ihn zählte, waren Prozesse – Prozesse des Sehens; des Denkens; des Experimentierens; des Schaffens. Im Laufe seiner Karriere blieb er der Vorstellung treu, dass immer etwas Neues um die Ecke auf ihn wartete. Wie ein Jazzmusiker, der in einer bestimmten Tonart spielt, gab er sich selbst zugrunde liegende Strukturen – intellektuelle Ausgangspunkte, die auf grundlegenden Philosophien basierten. Und von dort improvisierte er. Die Muster, Schichten und das Licht, die er hinterließ, um die wir bewundern können, bieten uns Wege zu neuen Wahrnehmungssystemen. Sie zeigen uns einen Weg nach vorne zu etwas Tieferem und Wichtigerem als dem Selbst.

Jack Whitten - Black Monolith, II: Hommage an Ralph Ellison Der Unsichtbare Mann, 1994, Acryl, Melasse, Kupfer, Salz, Kohle, Asche, Schokolade, Zwiebel, Kräuter, Rost, Eierschale, Rasierklinge auf Leinwand, 58 × 52 in, 147,3 × 132,1 cm, © Jack Whitten/Artists Rights Society (ARS), New York

Vorgestelltes Bild: Jack Whitten - Fünf Jahrzehnte der Malerei, Target und Friedman Galerien, 13. September 2015 - 24. Januar 2016, Organisiert vom Museum of Contemporary Art, San Diego

Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken.

Von Phillip Barcio