Amy Sillmans Erzählung versus Abstraktion

Die aktuelle Amy Sillman-Ausstellung in der Gladstone 64 Galerie in New York bringt mich ganz durcheinander. Unter dem Titel Amy Sillman: Mostly Drawing zeigt sie eine neue Serie von Papierarbeiten, die, wie der Titel andeutet, mit ihrer eigenen Bestimmung spielen. Sie enthalten Acrylfarbe, also sind es Gemälde, oder? Aber sie sind auf Papier gemacht, nicht auf Leinwand, also sind es Zeichnungen, oder? Andererseits sind sie teilweise im Siebdruckverfahren hergestellt. Bedeutet das, dass es Drucke sind? Wenn Sie mit Sillman vertraut sind, wissen Sie, dass sie mit diesem Titel sowohl spöttisch als auch ernst gemeint ist. Auf der ernsten Seite ist sie einfach ehrlich – diese Bilder sind größtenteils wirklich Zeichnungen. Auf der spöttischen Seite lenkt sie die Aufmerksamkeit auf die Absurdität, sich darum zu kümmern, wie sie genannt werden. In ihrem jüngsten Aufsatz, Über Farbe, verweist Sillman auf den Pop-Art-Pionier Peter Saul, der einmal sagte: „[The] Hauptsache, über die ich nachdenke, ist, die Idee oder den literarischen Inhalt oder wie auch immer man es nennt, vor die Kunstmaterialien zu stellen.“ Mit anderen Worten, wenn wir beim Betrachten eines Kunstwerks nur darüber sprechen können, woraus es gemacht ist oder ob es Gemälde oder Zeichnung genannt werden sollte, warum sprechen wir dann überhaupt darüber? In diesem Sinne habe ich die Werke dieser Ausstellung rein nach der Kraft der Bilder selbst betrachtet. Das bringt mich zum Staunen. Ich bin bewegt von ihrer Kraft, ihrer Präsenz und der Energie, die sie in die Debatte über das Geheimnis der Abstraktion gegenüber dem Wert der Erzählung und dem Ausbuchstabieren von allem einfließen lassen.

Was ein Auge sieht

Was mir an diesen neuen Werken von Sillman zuerst auffiel, ist ihre Unmittelbarkeit. Jedes Bild ist wie ein Schlag ins Gesicht – kühn, eindrucksvoll und klar. Jedes dieser Bilder könnte das handgemachte Kassetten-Cover einer Garagenband von 1979 zieren. Gleichzeitig sehen sie aus, als kämen sie aus der Zukunft zurück – wie Abreibungen zerstörter Stadtlandschaften, die die Narben von Kämpfen dokumentieren, vor denen sie uns warnen wollen. Als nächstes hatte ich eine unmittelbare Reaktion auf die Texturen, die diese Bilder vermitteln, die an so viele Hinterhöfe und städtische Mauern erinnern. Ihre Markierungen sagen mir, schnell zu denken und zum Punkt zu kommen. Ihre Schichten sprechen von Zeit und flüstern, dass nichts neu ist – und dass es manchmal unmöglich ist zu sagen, was zuerst geschah. Schließlich fiel mir die Farbpalette auf. Ich sage Farbpalette und nicht Farbe, weil ich dem zustimme, was Sillman über Farbe gesagt hat: „Die unantastbare letzte Tatsache der Farbe ist, dass man nie wirklich wissen kann, was ein anderes Auge sieht.“

Amy Sillman - Mostly Drawing, Einzelausstellung in Gladstone 64, Installationsansicht, 26. Jan. – 3. März 2018, Foto mit freundlicher Genehmigung von Gladstone 64

Für diesen Werkzyklus hat Sillman eine Farbpalette verwendet, die auf Helligkeit und Dunkelheit basiert. Die Palette verleiht der Ausstellung ihre Haltung, die von unbestreitbarem Selbstvertrauen geprägt ist. Zuerst betrachtete ich die Ausstellung als Ganzes aus der Ferne; dann sah ich die Werke aus der Nähe an; danach betrachtete ich sie aus mittlerer Entfernung, in Gruppen von Bildern. Jede Perspektive wurde von dem Gespräch zwischen Schatten und Ton – Schwarz und Weiß – geleitet. Die anderen Farben behaupten ihre Individualität nur im Zusammenhang mit Dunkelheit und Helligkeit. Sie werden mehr als Farbe; mehr als Form und mehr als Linie. Sie werden Teil der Geschichte der Bilder. Das heißt nicht, dass diese Bilder gegenständlich sind. Das sind sie ganz und gar nicht. Sie sind zweifellos abstrakt. Aber jedes Bild fühlt sich an – oder klingt fast manchmal – wie eine Geschichte: eine atemlose Geschichte, erzählt von jemandem, der aufgeregt, in Schwierigkeiten, hektisch oder laut lachend ist. SK20 klingt für mich wie: „Ich bin hierher gerannt – ich wurde verfolgt.“ SK28 wirkt wütend, fühlt sich beim zweiten Hinsehen aber ängstlich an. SK30 fordert meine Aufmerksamkeit, als ob es schreit: „Vergiss das! Egal! Schau hier! Hör mir zu!“

Amy Sillman - Mostly Drawing, Einzelausstellung in Gladstone 64, Installationsansicht, 26. Jan. – 3. März 2018, Foto mit freundlicher Genehmigung von Gladstone 64

Frieden mit dem Krieg schließen

Die gesamte Bildsprache dieser Bilder zieht mich an und lässt mich einen Teil von ihnen für mich beanspruchen wollen. Ich meine nicht unbedingt, dass ich sie besitzen möchte, also eines der Werke kaufen, obwohl ich das tun würde, wenn ich könnte. Vielmehr meine ich, dass ich mich mit ihrem Geist verbunden fühlen möchte. Dieses Verlangen hat nur teilweise mit den Bildern selbst zu tun. Ja, sie sind meine Lieblingsbilder, die Sillman je geschaffen hat. Aber das ist eine so persönliche Aussage. Dieses Verlangen hat mehr mit Allgemeingültigkeiten zu tun. Es hat mit dem größeren Zusammenhang zu tun, den dieser Werkzyklus erzählt. Jedes dieser Bilder ist auf seltsame Weise erzählerisch, aber auf die unentzifferbarste Art. Ihre Erzählung muss intuitiv erfasst werden, aber wenn sie einmal wahrgenommen wurde, kann sie nicht vergessen werden.

Amy Sillman - Mostly Drawing, Einzelausstellung in Gladstone 64, Installationsansicht, 26. Jan. – 3. März 2018, Foto mit freundlicher Genehmigung von Gladstone 64

Als Gruppe sprechen diese Werke ein größeres Thema an – eine Gemeinschaft zwischen dem, was man die Wildnis der Vorstellungskraft nennen könnte, und dem stählernen Käfig der Kultur. Verzeihen Sie diesen Pop-Verweis, aber erinnern Sie sich an die Szene in Uhrwerk Orange, als der Protagonist Alex und seine Kumpane in ein vornehmes Haus einbrechen und den modernistischen Raum verwüsten und sich an der Kunst vergreifen? Dieser Moment zeigt so anschaulich die Kluft zwischen dem Schelm und dem Snob, die gleichzeitig im zeitgenössischen Menschen existieren. Und es gibt etwas ebenso punkiges an diesen neuen Werken von Sillman. Das Stadthaus, in dem sie gezeigt werden, wurde von einer Ikone des Modernismus entworfen – Edward Durell Stone, der auch das Museum of Modern Art und die Radio City Music Hall gestaltete. Diese Werke sind wie neue Kumpane, die in diese kultivierte, fremde Welt eingefügt wurden. Aber anstatt den Ort zu zerstören, koexistieren sie irgendwie mit ihm. Sie sind eine Art bildliche Anerkennung, dass die Realität heute in mancher Hinsicht noch seltsamer ist als die dystopische Zukunft, die in unserer kollektiven Vergangenheit vorausgesagt wurde. Aber sie sind auch kraftvolle Aussagen über den Sieg der Kreativität über die Ordnung – über den Willen des Künstlers über die Autorität der Welt.

Amy Sillman - Mostly Drawing, Einzelausstellung in Gladstone 64, Installationsansicht, 26. Jan. – 3. März 2018, Foto mit freundlicher Genehmigung von Gladstone 64

Titelbild: Amy Sillman - Mostly Drawing, Einzelausstellung in Gladstone 64, Installationsansicht, 26. Jan. – 3. März 2018, Foto mit freundlicher Genehmigung von Gladstone 64

Alle Bilder dienen nur zur Veranschaulichung

Von Phillip Barcio