Amy Sillmans Erzählung versus Abstraktion
Die aktuelle Amy Sillman Ausstellung in der Gladstone 64 Galerie in New York bringt mich zum Nachdenken. Mit dem Titel Amy Sillman: Mostly Drawing zeigt sie eine neue Serie von Arbeiten auf Papier, die, wie der Titel andeutet, mit ihrer eigenen Identifikation spielen. Sie enthalten Acrylfarbe, also sind sie Gemälde, oder? Aber sie sind auf Papier gemacht, nicht auf Leinwand, also sind sie Zeichnungen, oder? Andererseits sind sie teilweise Siebdrucke. Bedeutet das, dass sie Drucke sind? Wenn Sie mit Sillman vertraut sind, wissen Sie, dass sie beabsichtigt, dass dieser Titel sowohl spöttisch als auch aufrichtig wirkt. Auf der aufrichtigen Seite ist sie einfach direkt – diese Bilder sind wirklich, größtenteils, Zeichnungen. Auf der spöttischen Seite lenkt sie die Aufmerksamkeit auf die Absurdität, sich darum zu kümmern, wie sie genannt werden. In ihrem kürzlichen Aufsatz, On Color verweist Sillman auf den Pop-Art-Pionier Peter Saul, der einmal sagte: „[Das] Hauptding, an das ich denke, ist, die Idee oder den literarischen Inhalt oder was auch immer Sie es nennen wollen, vor die Kunstmaterialien zu bringen.“ Mit anderen Worten, wenn wir beim Betrachten eines Kunstwerks nur darüber sprechen können, woraus es gemacht ist oder ob es ein Gemälde oder eine Zeichnung genannt werden sollte, warum sprechen wir dann überhaupt darüber? In diesem Sinne habe ich die Werke in dieser Ausstellung rein aufgrund der Stärke der Bilder selbst betrachtet. Das ist es, was mich zum Nachdenken bringt. Ich bin bewegt von ihrer Kraft, ihrer Präsenz und der Energie, die sie in die Debatte über das Geheimnis der Abstraktion versus den Wert der Erzählung und das Ausformulieren von allem einbringen.
Was ein Auge sieht
Was mir zuerst an diesen neuen Arbeiten von Sillman auffiel, ist ihre Unmittelbarkeit. Jedes Bild ist wie ein Schlag ins Gesicht – kühn, auffällig und klar. Eines dieser Bilder hätte das handgemachte Kassettencover einer Garage-Band im Jahr 1979 zieren können. Aber gleichzeitig sehen sie aus, als wären sie aus der Zukunft zurückgeschickt worden – wie Abdrücke von zerstörten Stadtlandschaften, die die Narben von Kämpfen dokumentieren, vor denen sie uns warnen. Als Nächstes hatte ich eine viszerale Reaktion auf die Texturen, die diese Bilder vermitteln, die an so viele Gassen und städtische Wände erinnern. Ihre Markierungen sagen mir, ich solle schnell denken und auf den Punkt kommen. Ihre Schichten sprechen von Zeit und flüstern, dass nichts neu ist – und dass es manchmal unmöglich ist zu sagen, was zuerst passiert ist. Schließlich fiel mir die Farbpalette auf. Ich sage Palette und nicht Farbe, weil ich mit dem übereinstimme, was Sillman über Farbe gesagt hat: „Die unanfechtbare letzte Tatsache der Farbe ist, dass man nie wirklich wissen kann, was ein anderes Auge sieht.“
Amy Sillman - Mostly Drawing, Einzelausstellung in Gladstone 64, Installationsansicht, 26. Jan - 3. Mär 2018, Foto mit freundlicher Genehmigung von Gladstone 64
Für dieses Werk hat Sillman eine Farbpalette verwendet, die auf Helligkeit und Dunkelheit basiert. Die Palette verleiht der Ausstellung ihre Haltung, die von unbestreitbarem Selbstbewusstsein geprägt ist. Zuerst betrachtete ich die Ausstellung als Ganzes, aus der Ferne; dann sah ich mir die Werke aus der Nähe an; dann betrachtete ich sie aus der Mitte, in Gruppen von Bildern. Jede Perspektive wurde durch das Gespräch zwischen Schatten und Ton geleitet – Schwarz und Weiß. Die anderen Farben behaupten ihre Individualität nur im Kontext von Dunkelheit und Helligkeit. Sie werden mehr als Farbe; mehr als Form und mehr als Linie. Sie werden Teil der Geschichte der Bilder. Das soll nicht heißen, dass diese Bilder figürlich sind. Das ist das Letzte, was sie sind. Sie sind zweifellos abstrakt. Aber jedes Bild fühlt sich an – oder klingt manchmal fast – wie eine Geschichte: eine atemlose Geschichte, erzählt von jemandem, der aufgeregt, in Schwierigkeiten, verzweifelt oder laut lachend ist. SK20 klingt für mich wie: „Ich bin gerannt, um hierher zu kommen – ich wurde verfolgt.“ SK28 fühlt sich wütend an, aber beim zweiten Blick wirkt es ängstlich. SK30 verlangt meine Aufmerksamkeit, als ob es schreit: „Vergiss das! Egal! Schau hierher! Hör mir zu!“
Amy Sillman - Mostly Drawing, Einzelausstellung in Gladstone 64, Installationsansicht, 26. Jan. - 3. März 2018, Foto mit freundlicher Genehmigung von Gladstone 64
Schließe Frieden mit dem Krieg
Die gesamte visuelle Sprache dieser Bilder zieht mich zu ihnen hin und lässt mich einen Teil von ihnen für mich selbst besitzen wollen. Ich meine nicht unbedingt, dass ich sie besitzen möchte, wie in dem Sinne, eines der Werke zu kaufen, obwohl ich es tun würde, wenn ich könnte. Vielmehr meine ich, dass ich eine Verwandtschaft mit ihrem Geist beanspruchen möchte. Dieses Verlangen hat nur teilweise mit den Bildern selbst zu tun. Ja, sie sind meine Lieblingsbilder, die Sillman je gemacht hat. Aber das ist eine so persönliche Aussage. Dieses Verlangen hat mehr mit Universalitäten zu tun. Es hat damit zu tun, was ich als die größere Geschichte empfinde, die dieser Werkzyklus erzählt. Jedes dieser Bilder ist seltsamerweise narrativ, aber auf die unverständlichste Weise. Ihre Erzählung muss intuitiv erfasst werden, aber sobald sie wahrgenommen wird, kann sie nicht vergessen werden.
Amy Sillman - Mostly Drawing, Einzelausstellung in Gladstone 64, Installationsansicht, 26. Jan - 3. Mär 2018, Foto mit freundlicher Genehmigung von Gladstone 64
Als Gruppe sprechen diese Werke ein größeres Thema an – eine Gemeinschaft zwischen dem, was man die Wildnis der Vorstellungskraft nennen könnte, und dem Stahlkäfig der Kultur. Verzeihen Sie diesen Pop-Verweis, aber erinnern Sie sich an die Szene in A Clockwork Orange, als der Protagonist Alex und seine Droogs in ein gehobenes Zuhause einbrechen und den modernen Raum verwüsten und mit der Kunst machen, was sie wollen? Dieser Moment spricht so anschaulich von dem Abgrund zwischen dem Teufelchen und dem Snob, die gleichzeitig in zeitgenössischen Menschen existieren. Und es gibt etwas ebenso Punkiges an diesen neuen Werken von Sillman. Das Stadthaus, in dem sie gezeigt werden, wurde von einem modernen Ikonen – Edward Durell Stone – entworfen, der auch das Museum of Modern Art und die Radio City Music Hall entworfen hat. Diese Werke sind wie neue Droogs, die in diese kultivierte, fremde Welt eingefügt werden. Aber anstatt den Ort zu zerstören, koexistieren sie irgendwie mit ihm. Sie sind eine Art bildliche Anerkennung, dass die Realität heute in mancher Hinsicht sogar seltsamer ist als die dystopische Zukunft, die in unserer kollektiven Vergangenheit angedeutet wird. Aber sie sind auch ermächtigende Aussagen über den Sieg der Kreativität über die Ordnung – über den Willen des Künstlers über die Autorität der Welt.
Amy Sillman - Mostly Drawing, Einzelausstellung in Gladstone 64, Installationsansicht, 26. Januar - 3. März 2018, Foto mit freundlicher Genehmigung von Gladstone 64
Vorgestelltes Bild: Amy Sillman - Mostly Drawing, Einzelausstellung in Gladstone 64, Installationsansicht, 26. Jan - 3. Mär 2018, Foto mit freundlicher Genehmigung von Gladstone 64
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken.
Von Phillip Barcio
