Das Erbe der Pionierin der abstrakten Kunst, Gillian Ayres

Die britische abstrakte Malerin und Druckgrafikerin Gillian Ayres ist im Alter von 88 Jahren verstorben. Ihr Tod hinterlässt eine Lücke in der Kunstwelt sowie in den Bereichen Bildung und Vorbildfunktion. Ayres war zweifellos eine der charismatischsten und selbstbewusstesten Kunstlehrerinnen Großbritanniens, was vor allem auf ihre völlige Ablehnung von Konformität zurückzuführen war. Von 1959 bis 1965 unterrichtete sie an der Bath Kunstakademie, von 1966 bis 1978 hielt sie Vorlesungen an der Saint Martin’s Kunstschule in London, und 1978 wurde sie Leiterin der Malereiabteilung an der Winchester Kunstschule. Diese letzte Stelle war eher eine Verwaltungsposition als eine Lehrtätigkeit. Sie gab sie auf, nachdem sie ständig mit den Schulverwaltungen darüber stritt, wie und ob die Abteilung überhaupt geleitet werden sollte. Ayres war der Überzeugung, dass die Kunstausbildung besser bedient wäre, wenn kein Amt dafür verantwortlich wäre. Obwohl dies ihre letzte offizielle akademische Position war, lehrte Ayres weiterhin durch ihr Vorbild. Sie war ein Vorbild für die Bedeutung von Prinzipien und deren energischem Festhalten. Zu ihren Prinzipien gehörten große Großzügigkeit gegenüber ihren Schülern und Freunden (die sie oft bei sich zu Hause aufnahm), eine Vorliebe für Champagner und Zigaretten (die sie bis zum Ende genoss) sowie völlige Abneigung gegen die Mitglieder der sogenannten Euston Road Schule, einer Gemeinschaft traditioneller realistischer Künstler, die sich gegen Avantgarde und abstrakte Kunst stellten. Ihre Hingabe an die Abstraktion inspirierte zahllose andere britische abstrakte Künstler und trug dazu bei, die institutionellen Vorurteile gegen Abstraktion in Schulen, Galerien und Museen umzukehren. Das Vermächtnis, das sie hinterlassen wollte, lässt sich mit einer Aussage zusammenfassen, die sie 2015 in einem Interview mit der Financial Times machte. Sie sagte: „Die Menschen wollen verstehen, und ich wünschte, sie würden es nicht. Ich wünschte, sie würden einfach nur schauen.“

Formen und Räume

Ayres beendete 1950 die Kunstschule und nahm eine Stelle als Galeriebegleiterin an. Diese Position behielt sie sechs Jahre lang in Teilzeit, während sie auch malte. Sie sagte, dass sie in den frühen Tagen ihrer Karriere vor allem von Jackson Pollock und den abstrakten Expressionisten beeinflusst wurde. Was sie jedoch am meisten an ihnen inspirierte, waren nicht ihre metaphysischen Neigungen, also ihre Versuche, eine Urquelle tiefer, verborgener Gefühle zu erreichen. Vielmehr begeisterten sie ihre Arbeitsmethoden, die ihr frei und experimentell erschienen. Sie übernahm die Technik, auf dem Boden zu arbeiten und dabei lockere, lyrische Bewegungen beim Malen einzusetzen. Viele ihrer Werke aus dieser Zeit könnten als Action Paintings beschrieben werden. Sie enthalten häufig gesprenkelte und getropfte Farbe, gestische Pinselstriche und große, energisch aufgetragene Farbflächen.

Gillian Ayres - Achiote, 2015, Holzschnitt auf 75g Unryu-shi japanischem Papier, 33 3/5 × 64 2/5 Zoll, 85,4 × 163,5 cm, Foto mit freundlicher Genehmigung der Alan Cristea Galerie, London

Parallel zu ihrer Erforschung des „all-over“ Action Paintings zeigte Ayres auch Interesse an der direkten Erforschung von Formen und Räumen. Viele ihrer Gemälde aus den 1950er und 60er Jahren enthalten lockere Kompositionen aus Kreisen, Quadraten und anderen geometrischen oder quasi-geometrischen Formen. Die Formen scheinen häufig in einem Leerraum umeinander zu schweben. Diese Gemälde sind rein abstrakt, aber nicht im Sinne davon, dass Ayres sie aus der natürlichen Welt „abstrahierte“. Stattdessen versuchte sie einfach, Kompositionen zu schaffen, die keinerlei erzählerischen oder figürlichen Inhalt haben, weil sie an das Potenzial abstrakter Bilder von Formen, die im Raum miteinander interagieren, glaubte, „rauschhaft“ zu sein. Anders gesagt, sie empfand solche Bilder als berauschend. Sie hielt diese Eigenschaft für wichtig, damit Menschen ihre Kunst einfach genießen können, ohne sich gezwungen zu fühlen, logisch darüber nachzudenken oder überhaupt ihren Verstand einzuschalten.

Gillian Ayres - Illyria, 2017, Holzschnitt auf 75g Unryushi japanischem Papier, 36 1/5 × 40 9/10 Zoll, 92 × 104 cm, Foto mit freundlicher Genehmigung der Alan Cristea Galerie, London

Üppige Farbe

Neben ihrer Liebe zu Formen und Räumen war Ayres eine begeisterte Liebhaberin von Farben. Sie sagte einmal: „Für mich ist Farbe in der Kunst wunderbar verwöhnend.“ Sie wollte, dass die Menschen ihre Gemälde in sich aufnehmen. Sie betrachtete sie als Festmahle für die Augen. Sie sagte: „Ich verstehe nicht, warum man sich nicht vollsaugen, sich glücklich machen – sich selbst erfreuen, ein Fest der Schönheit feiern – sollte.“ So harmlos diese Sichtweise heute klingt, gab es eine Zeit, in der sie Ayres bei britischen Zuschauern tiefes Misstrauen einbrachte. Dieses Misstrauen gipfelte 1957, als Ayres nach ihrer Teilnahme an der Ausstellung Metavisual Tachiste Abstract – Malerei in England Heute den Auftrag erhielt, ein Wandbild im Speisesaal einer Londoner Schule zu malen. Kaum hatte sie das Wandbild fertiggestellt, ordneten die Schulverwalter an, es mit Tapeten zu überdecken. Erst Jahrzehnte später, nachdem Ayres berühmt geworden war, wurde das Wandbild unter der Tapete in fast perfektem Zustand wiederentdeckt.

Gillian Ayres - Thuban, 2017, Holzschnitt auf Unryushi 75g Papier, 18 4/5 × 22 4/5 Zoll, 47,8 × 57,9 cm, Foto mit freundlicher Genehmigung der Alan Cristea Galerie, London

Die Zuneigung, die Ayres der Farbe als Thema entgegenbrachte, zeigt sich in ihrem gesamten Schaffen. Während ihre Kompositionen mit der Zeit weniger lyrisch, weniger gestisch und strukturierter sowie architektonischer wurden, wuchs ihre Liebe zur Farbe nur noch stärker. In den 1980er Jahren entwickelte sie eine etwas verspielte, feierliche ästhetische Vision, die auf lebendigen, hellen Farben und biomorphen Formen basierte. Diese späteren Werke scheinen von der Natur inspiriert zu sein. Manche vermuten, dass dies daran liegt, dass Ayres in dieser Lebensphase mit ihrer Familie in eine ländliche Küstengemeinde in Wales zog. Sie sagte, dass die dortigen Bedingungen, besonders die Landschaft, einen großen Einfluss auf sie hatten. Dennoch bestand sie stets darauf, dass ihre Arbeit weder von der Natur abstrahiert noch von Bildern der Landschaft reduziert sei. In mancher Hinsicht erinnern die letzten Gemälde von Ayres an die Scherenschnitte von Matisse. Beide Künstler verwendeten gegen Ende ihrer Laufbahn eine ähnliche Farbpalette und entwickelten ein ähnliches Gespür für räumliche Beziehungen. Allerdings hoffte Matisse stolz, in seinen späten Werken die Formen und Gestalten der natürlichen Welt hervorzurufen, während Ayres bis zum Ende daran festhielt, dass ihre Werke auf nichts basieren. Sie sind einfach Bilder von Farben und Formen im Raum ohne Bedeutung über sich selbst hinaus und bieten reines Vergnügen für Betrachter, die mutig genug sind, sich an ihrer Schönheit zu erfreuen.

Titelbild: Gillian Ayres - Heligan 1, 2011, Holzschnitt auf Unryu-shi japanischem Papier, 30 7/10 × 45 7/10 Zoll, 78 × 116 cm, Auflage 18, Foto mit freundlicher Genehmigung der Alan Cristea Galerie, London

Von Phillip Barcio