Das Erbe der Pionierin der abstrakten Kunst, Gillian Ayres

Die britische abstrakte Malerin und Druckgrafikerin Gillian Ayres ist im Alter von 88 Jahren gestorben. Ihr Tod hinterlässt eine Lücke in der Welt der Kunst und auch in den Bereichen Bildung und Vorbildfunktion. Ayres war zweifellos eine der charismatischsten und selbstbewusstesten Kunstlehrerinnen in Großbritannien, was vor allem ihrer völligen Akzeptanz von Nonkonformität zu verdanken war. Sie unterrichtete von 1959 bis 1965 an der Bath Academy of Art, hielt von 1966 bis 1978 Vorlesungen an der Saint Martin’s School of Art in London und wurde 1978 Leiterin der Malerei-Abteilung an der Winchester School of Art. Diese letzte Position war eher eine Managementstelle als eine Lehrtätigkeit. Sie gab sie auf, nachdem sie ständig mit den Schuladministratoren darüber kämpfte, wie und ob die Abteilung überhaupt verwaltet werden sollte. Ayres war der Überzeugung, dass die Kunstbildung besser ohne ein Büro, das dafür verantwortlich ist, auskommen würde. Obwohl dies ihre letzte offizielle akademische Position war, unterrichtete Ayres weiterhin durch ihr Beispiel. Sie war ein Vorbild für die Bedeutung von Prinzipien und dafür, energisch zu ihnen zu stehen. Ihre Prinzipien umfassten immense Großzügigkeit gegenüber ihren Schülern und Freunden (die sie oft in ihrem Zuhause unterbrachte), eine Liebe zu Champagner und Zigaretten (in die sie bis zum Ende nachgab) und eine völlige Abneigung gegen die Mitglieder der sogenannten Euston Road School, einem Kollektiv traditioneller realistischer Künstler, die gegen avantgardistische und abstrakte Kunst waren. Ihre Hingabe zur Abstraktion half, unzählige andere britische abstrakte Künstler zu inspirieren und half, die institutionellen Vorurteile gegen Abstraktion in Schulen, Galerien und Museen umzukehren. Das Vermächtnis, das sie hinterlassen wollte, lässt sich in einer Aussage zusammenfassen, die sie in einem Interview mit dem Financial Times im Jahr 2015 machte. Sie sagte: „Die Menschen möchten verstehen, und ich wünschte, sie würden es nicht tun. Ich wünschte, sie würden einfach nur schauen."

Formen und Räume

Ayres schloss 1950 die Kunstschule ab und nahm einen Job als Galeriewerkstudentin an. Sie behielt die Position sechs Jahre lang in Teilzeit, während sie auch malte. Sie hat gesagt, dass sie in diesen frühen Tagen ihrer Karriere stark von Jackson Pollock und den Abstrakten Expressionisten beeinflusst wurde. Was sie jedoch am meisten an ihnen inspirierte, waren nicht ihre metaphysischen Tendenzen, d.h. ihre Versuche, sich mit einem urtümlichen Brunnen tief verborgener Emotionen zu verbinden. Vielmehr wurde sie von ihren Arbeitsmethoden inspiriert, die ihr frei und experimentell erschienen. Sie übernahm die Technik, auf dem Boden zu arbeiten und lockere, lyrische Bewegungen beim Malen zu verwenden. Viele ihrer Werke aus dieser Zeit könnten als Aktionsmalerei beschrieben werden. Sie enthalten häufig gespritzte und getropfte Farbe, gestische Pinselstriche und große, energetisch aufgetragene Farbflächen.

Gillian Ayres - Achiote, 2015, Holzschnitt auf 75gsm Unryu-shi Japanpapier, 33 3/5 × 64 2/5 Zoll, 85,4 × 163,5 cm, Foto mit freundlicher Genehmigung der Alan Cristea Gallery, London

Gleichzeitig mit ihrer Erkundung des „All-over“-Stil-Aktionsmalerei zeigte Ayres auch Interesse an der geradlinigen Erkundung von Formen und Räumen. Viele ihrer Gemälde aus den 1950er und 60er Jahren enthalten lockere Kompositionen von Kreisen, Quadraten und anderen geometrischen oder quasi-geometrischen Formen. Die Formen scheinen häufig in einem Nichts um einander zu schweben. Diese Gemälde sind rein abstrakt, jedoch nicht im Sinne, dass Ayres sie aus der natürlichen Welt „abstrahierte“. Vielmehr strebte sie einfach danach, Kompositionen zu schaffen, die keinerlei narrative oder figürliche Inhalte aufweisen, weil sie an das Potenzial abstrakter Bilder von Formen, die im Raum interagieren, glaubte, um „kopfschmerzend“ zu sein. Mit anderen Worten, sie fühlte, dass solche Bilder berauschend sein könnten. Sie glaubte, dass diese Qualität entscheidend war, damit die Menschen einfach nur genießen konnten, ihre Kunst zu betrachten, ohne den Druck zu verspüren, logisch darüber nachzudenken oder sogar ihren Intellekt überhaupt einzusetzen.

Gillian Ayres - Illyria, 2017, Holzschnitt auf 75gsm Unryushi Japanpapier, 36 1/5 × 40 9/10 Zoll, 92 × 104 cm, Foto mit freundlicher Genehmigung von Alan Cristea Gallery, London

Verwöhnende Farbe

Neben ihrer Liebe zu Formen und Räumen war Ayres eine begeisterte Liebhaberin von Farben. Sie sagte einmal: „Für mich ist Farbe in der Kunst wunderbar verwöhnend.“ Sie wollte, dass die Menschen ihre Gemälde in sich aufnehmen. Sie betrachtete sie als Festmahle für die Augen. Sie sagte: „Ich verstehe nicht, warum du dich nicht sättigen, dich glücklich machen und dich an Schönheit erfreuen solltest.“ So harmlos dieser Standpunkt heute auch erscheinen mag, gab es eine Zeit, in der Ayres von britischen Zuschauern tief misstrauisch betrachtet wurde. Dieses Misstrauen kulminierte 1957, als Ayres nach ihrer Teilnahme an der Ausstellung Metavisual Tachiste Abstract - Painting in England Today beauftragt wurde, ein Wandgemälde in der Mensa einer Londoner Schule zu malen. Fast sofort nach der Fertigstellung des Wandgemäldes ordneten die Schulverwalter an, es mit Tapete zu verdecken. Erst Jahrzehnte später, nachdem Ayres berühmt geworden war, wurde das Wandgemälde in fast perfektem Zustand unter der Tapete wiederentdeckt.

Gillian Ayres - Thuban, 2017, Holzschnitt auf Unryushi 75gsm Papier, 18 4/5 × 22 4/5 Zoll, 47,8 × 57,9 cm, Foto mit freundlicher Genehmigung der Alan Cristea Gallery, London

Die Zuneigung, die Ayres zur Farbe als Sujet hatte, ist während ihrer gesamten Karriere offensichtlich. Während ihre Kompositionen im Laufe der Zeit weniger lyrisch, weniger gestisch und strukturierter sowie architektonisch wurden, wuchs ihre Liebe zur Farbe nur stärker. In den 1980er Jahren hatte sie eine etwas verspielte, feierliche ästhetische Vision entwickelt, die auf lebhaften, hellen Farben und biomorphen Formen basierte. Diese alternativen Werke scheinen von der Natur inspiriert zu sein. Einige Leute vermuten, dass das daran liegt, dass Ayres zu dieser Zeit mit ihrer Familie in eine ländliche Küstengemeinde in Wales zog. Sie hat gesagt, dass die Bedingungen dort, insbesondere die Landschaft, einen großen Einfluss auf sie hatten. Dennoch bestand sie immer darauf, dass ihre Arbeiten nicht von der Natur abstrahiert oder von Bildern der Landschaft reduziert waren. In gewisser Weise erinnern die neuesten Gemälde, die Ayres schuf, an die Ausschnitte von Matisse. Beide Künstler wählten spät in ihrer Karriere eine ähnliche Farbpalette und entwickelten ein ähnliches Gefühl für räumliche Beziehungen. Nur dass Matisse stolz hoffte, die Formen und Gestalten der natürlichen Welt in seinen späten Arbeiten hervorzurufen, während Ayres bis zum Ende darauf bestand, dass ihre Werke auf nichts basierten. Sie sind einfach Bilder von Farben und Formen im Raum ohne Bedeutung über sich selbst hinaus und bieten reinen Genuss für Betrachter, die mutig genug sind, sich ihrer Schönheit hinzugeben.

Vorschaubild: Gillian Ayres - Heligan 1, 2011, Holzschnitt auf Unryu-shi Japanpapier, 30 7/10 × 45 7/10 Zoll, 78 × 116 cm, Auflage von 18, Foto mit freundlicher Genehmigung der Alan Cristea Gallery, London

Von Phillip Barcio