Was war die Dematerialisierung des Kunstobjekts?

Lucy Lippard – eine Größe der amerikanischen Kunstkritik, Autorin von mehr als 20 Büchern und Mitbegründerin von Printed Matter, dem Inbegriff eines Verkäufers von Künstlerbüchern – wurde in diesem Jahr 80 Jahre alt. Trotz ihrer zahlreichen anderen Errungenschaften ist Lippard am bekanntesten für „Die Entmaterialisierung der Kunst“, einen Aufsatz, den sie 1968 gemeinsam mit John Chandler verfasste (online hier verfügbar). In dem Aufsatz legte Lippard Belege dafür vor, dass die Kunst möglicherweise in eine Phase reinen Intellektualismus eintritt, deren Folge das vollständige Verschwinden des traditionellen Kunstobjekts sein könnte. Der Text entstand aus und half, das vorangegangene Jahrzehnt oder so der wild erfinderischen Konzeptkunst zu kontextualisieren, die oft nur vergängliche, nicht archivfähige Relikte hinterließ oder gar keine Relikte außer vielleicht Aufzeichnungen von Erlebnissen. Konzeptkünstler widmeten sich der Idee, ihre Werke auf Ideen zu konzentrieren, und viele argumentierten überzeugend, dass die Objekte, die Künstler herstellen, um ihre Ideen auszudrücken, nichts als Abfallprodukte seien und dass nur die Ideen selbst einer Betrachtung wert seien. Der Aufsatz war damals enorm einflussreich: so sehr, dass Lippard ihn mit einem Buch namens Sechs Jahre ergänzte, in dem sie die Belege für diesen Trend ausführlich analysierte. Doch offensichtlich war ihre Vorahnung auf lange Sicht unzutreffend, da Kunstobjekte sich bis heute nicht entmaterialisiert haben. Dennoch, zur Feier des bevorstehenden 50. Jahrestags der Erstveröffentlichung von Die Entmaterialisierung der Kunst, wollten wir einen Moment innehalten, um diesen einflussreichen Aufsatz zu durchdringen und hervorzuheben, was daran für unsere Zeit relevant ist.

Die Wissenschaft der Kunst

Lippard stützte die Kernkonzepte, die sie in Die Entmaterialisierung der Kunst darlegte, auf eine Idee, die zuerst in einem Buch mit dem Titel Die mathematische Grundlage der Künste beschrieben wurde, geschrieben vom amerikanischen Maler Joseph Schillinger. In diesem Buch unterteilte Schillinger die gesamte Kunstgeschichte in fünf Kategorien ästhetischer Erscheinungen. Zuerst, so erklärte er, kam die „vorästhetische“ Phase der Nachahmung. Dann folgte rituelle oder religiöse Kunst. Danach emotionale Kunst. Dann rationale, empirisch basierte Kunst. Und schließlich die fünfte und angeblich „letzte“ ästhetische Phase, die Schillinger als „wissenschaftlich“ oder „postästhetisch“ bezeichnete. Diese letzte Phase, so sagte er voraus, würde in der „Befreiung der Idee“ gipfeln und zur „Auflösung der Kunst“ führen.

Während sie die Entwicklung der Kunst in den 1950er und 60er Jahren betrachtete, glaubte Lippard, dass sie die Entstehung dieser fünften Phase der Kunst miterlebte. Und sie war von dieser Vorstellung begeistert. Sie betrachtete die Entmaterialisierung als eine positive, lebenswichtige Veränderung. Schließlich, wenn das ästhetische Objekt als zentraler Fokus der Kunst aufhören könnte zu existieren, dann könnte die Kunst von der Warenförmigkeit befreit werden, jenem oft abscheulichen System, das so viel zerstörerische Kraft auf das Leben und Werk vieler Künstler ausübt.

Joseph Schillinger – Grüne Quadrate, aus der Serie Die mathematische Grundlage der Künste, ca. 1934, Tempera auf Karton, Smithsonian, Foto via rendaan.com

Die Wissenschaft der Waren

Als Beleg dafür, dass die Entmaterialisierung begonnen hatte, nannte Lippard Bewegungen wie Light and Space, die visuell waren, aber nicht objektbasiert, und Minimalismus, der das ästhetische Objekt drastisch reduzierte. Solche Bewegungen, so glaubte sie, verringerten die Bedeutung des visuellen Aspekts eines Kunstwerks und definierten das Visuelle eher als Ausgangspunkt für eine immaterielle, geistige Erfahrung. Doch eine der frühen und offensichtlichen Kritiken an Die Entmaterialisierung der Kunst war, dass diese vergänglichen, konzeptuellen Ideen zwar weniger objektbasiert waren, aber dennoch physische Erscheinungen hervorbrachten. Selbst ein Performancekünstler schafft etwas – eine Aufführung –, die als Erlebnis verkauft oder aufgezeichnet werden kann.

Egal wie gering ein Relikt ist, das ein Künstler schafft, es kann zum Fetisch werden und als Ware gehandelt werden. Die einzige Möglichkeit, die Möglichkeit der Warenförmigkeit vollständig zu vermeiden, besteht darin, eine Idee niemals zu teilen: Dann kann vielleicht die Ehrfurcht und Heiligkeit der geistigen Erfahrung bewahrt werden. Aber nur geteilte Ideen können wirklich Kunst genannt werden. Und sobald eine Idee geteilt wird, kann sie besessen, manipuliert und auf andere Weise ausgedrückt werden, oder mit anderen Worten, materialisiert. Und sobald etwas materialisiert wird, kann es als Ware gekauft und verkauft werden.

Joseph Schillinger – Unvollendete Studie im Rhythmus, Serie entwickelt aus Die mathematische Grundlage der Künste, ca. 1934, Wachsmalstift und Bleistift auf Zeichenkarton, Blatt: 37,78 x 50,48 cm, Sammlung Albright-Knox Art Gallery, Buffalo, New York

Die fünf Phasen

Beim erneuten Lesen von Die Entmaterialisierung der Kunst heute scheint der einzige wirkliche Fehler darin zu bestehen, wie die fünf Phasen der Kunst, wie von Schillinger erklärt, als etwas Lineares dargestellt werden. Es ist immer verlockend für jede Generation, sich selbst als an der Spitze der Moderne stehend zu sehen. Schillinger dachte, die Kunst habe sich historisch durch Phasen entwickelt, und Lippard glaubte, sie gehöre zu der Generation, die die Kunst zu ihrem evolutionären Höhepunkt voranbringt. Aber die Zeit bewegt sich nicht vorwärts; sie vergeht nur. Kultur ist nicht linear; sie wiederholt sich. Die Menschheit entwickelt sich ebenso schnell zurück, wie sie sich voranentwickelt. Und die Wahrheit war in den 1960er und 70er Jahren, und ist es noch heute, dass Künstler Wege finden, sich zu entmaterialisieren, ebenso schnell wie andere entdecken, wie sie sie materialisieren können.

Letztlich muss Lippard dies wohl auch erkannt haben, als sie über das Thema Entmaterialisierung schrieb, denn ihr Aufsatz endet mit der Frage, ob der sogenannte Nullpunkt in der Kunst bald erreicht werden wird. Die Antwort, so sagt sie, lautet: „Es scheint kaum wahrscheinlich.“ Selbst heute, wo Künstler virtuelle Werke verkaufen, die nur im digitalen Raum existieren, kann man noch argumentieren, dass Entmaterialisierung eine Fantasie ist. Alles, was gesehen werden kann, ist per Definition materiell, selbst wenn es nur durch eine virtuelle Realität-Brille sichtbar ist. Aber unserer Meinung nach beweist das nur, dass das Erreichen der Entmaterialisierung vielleicht nie wirklich das Ziel war. Der Punkt, den Lippard wirklich machte, war einfach, dass ein wichtiger Aspekt der bildenden Kunst darin besteht, unermüdlich danach zu streben, mehr mit weniger auszudrücken. Jeder Künstler, der auf Entmaterialisierung hinarbeitet, arbeitet auch auf Einfachheit hin. Und Einfachheit führt zur Entdeckung dessen, was wirklich unentbehrlich und somit wirklich bedeutungsvoll ist. Das ist definitiv nicht die letzte Phase der Kunst. Aber es ist eine, die uns daran erinnern kann, was der wahre Wert der Kunst ist.

Titelbild: Joseph Schillinger – Roter Rhythmus (Detail), Serie entwickelt aus Die mathematische Grundlage der Künste, ca. 1934, Gouache auf Papier, Bildfläche: 20,32 x 30,32 cm; Blatt: 26,67 x 35,24 cm, Sammlung Albright-Knox Art Gallery, Buffalo, New York

Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken

Von Phillip Barcio