Was war die Dematerialisierung des Kunstobjekts?

Lucy Lippard—Riese der amerikanischen Kunstkritik, Autorin von mehr als 20 Büchern und Mitbegründerin von Printed Matter, dem wesentlichen Verkäufer von Büchern, die von Künstlern gemacht wurden—wurde in diesem Jahr 80. Trotz ihrer Vielzahl an anderen Errungenschaften ist Lippard am besten bekannt für „Die Dematerialisierung der Kunst“, einen Aufsatz, den sie 1968 zusammen mit John Chandler verfasste (online hier verfügbar). In dem Aufsatz präsentierte Lippard Beweise dafür, dass die Kunst möglicherweise in eine Phase des reinen Intellektualismus eintritt, deren Ergebnis das vollständige Verschwinden des traditionellen Kunstobjekts sein könnte. Das Stück entstand aus und half, das vorangegangene Jahrzehnt oder so der wild erfinderischen Konzeptkunst zu kontextualisieren, die oft nur flüchtige, nicht-archivierte Relikte hinterließ oder gar keine Relikte außer vielleicht Aufzeichnungen von Erfahrungen. Konzeptkünstler widmeten sich der Idee, Ideen zum zentralen Fokus ihrer Arbeit zu machen, und viele argumentierten überzeugend, dass die Objekte, die Künstler schaffen, um ihre Ideen auszudrücken, nichts weiter als Abfallprodukte sind und dass die Ideen selbst die einzigen Dinge sind, die es wert sind, in Betracht gezogen zu werden. Der Aufsatz war zu seiner Zeit enorm einflussreich: so sehr, dass Lippard ihn mit einem Buch namens Sechs Jahre nachverfolgte, das die Beweise für den Trend umfassend analysierte. Aber offensichtlich war ihre Vorahnung auf lange Sicht ungenau, da Kunstobjekte sich immer noch nicht dematerialisiert haben. Nichtsdestotrotz dachten wir anlässlich des bevorstehenden 50. Jahrestages der ursprünglichen Veröffentlichung von Die Dematerialisierung der Kunst, wir würden einen Moment nutzen, um in diesen einflussreichen Aufsatz einzutauchen und hervorzuheben, was daran für unsere Zeit relevant ist.

Die Wissenschaft der Kunst

Lippard basierte die Kernkonzepte, die sie in The Dematerialization of Art diskutierte, auf einer Idee, die erstmals in einem Buch mit dem Titel The Mathematical Basis of the Arts dargelegt wurde, das von dem amerikanischen Maler Joseph Schillinger geschrieben wurde. In diesem Buch teilte Schillinger die gesamte Kunstgeschichte in fünf Kategorien ästhetischer Phänomene ein. Zuerst erklärte er, kam die "präästhetische" Phase der Nachahmung. Dann kam die ritualistische oder religiöse Kunst. Dann kam die emotionale Kunst. Dann die rationale, empirisch basierte Kunst. Und dann die fünfte, und angeblich "endgültige" ästhetische Phase, die von Schillinger beschrieben wurde, war die "wissenschaftliche" oder das, was er "postästhetisch" nannte. Diese letzte Phase, so sagte er voraus, würde in der "Befreiung der Idee" gipfeln und zur "Zersetzung der Kunst" führen.

Während sie über die Entwicklung der Kunst in den 1950er und 60er Jahren nachdachte, glaubte Lippard, dass das, was sie beobachtete, das Aufkommen dieser fünften Phase der Kunst war. Und sie war von dieser Vorstellung begeistert. Sie betrachtete die Dematerialisierung als einen positiven, vitalen Wandel. Schließlich, wenn das ästhetische Objekt aufhören könnte, der zentrale Fokus der Kunst zu sein, dann könnte die Kunst von der Kommodifizierung befreit werden, dem oft abscheulichen System, das so viel zerstörerische Kraft auf das Leben und die Arbeit vieler Künstler ausübt.

Joseph Schillinger - Grüne Quadrate, aus der Serie, Die mathematische Grundlage der Künste, ca. 1934, Tempera auf Pappe, Smithsonian, Foto über rendaan.com

Die Wissenschaft der Rohstoffe

Als Beweis dafür, dass die Dematerialisierung begonnen hatte, nannte Lippard Bewegungen wie Light and Space, die visuell in der Natur, aber nicht objektbasiert waren, und Minimalismus, der das ästhetische Objekt drastisch reduzierte. Solche Bewegungen glaubte sie, minderten die Bedeutung des visuellen Aspekts eines Kunstwerks und definierten das Visuelle eher als Ausgangspunkt für eine immaterielle, intellektuelle Erfahrung. Aber eine der frühen und offensichtlichen Kritiken an Die Dematerialisierung der Kunst war, dass, obwohl diese flüchtigen, konzeptionellen Konzepte weniger objektbasiert waren, sie dennoch physische Phänomene zur Folge hatten. Selbst ein Performance-Künstler schafft eine Sache – eine Performance – die als Erfahrung verkauft oder aufgezeichnet werden kann.

Egal wie geringfügig ein Relikt ist, das ein Künstler schafft, es kann fetishisiert und als Ware gehandelt werden. Der einzige Weg, die Möglichkeit der Kommodifizierung vollständig zu vermeiden, besteht darin, eine Idee niemals zu teilen: dann kann vielleicht die Ehrfurcht und Heiligkeit der intellektuellen Erfahrung bewahrt werden. Aber nur geteilte Ideen können wirklich als Kunst bezeichnet werden. Und sobald eine Idee geteilt wird, kann sie besessen, manipuliert und auf andere Weise ausgedrückt oder mit anderen Worten materialisiert werden. Und sobald etwas materialisiert wird, kann es als Ware gekauft und verkauft werden.

Joseph Schillinger - Unvollendete Studie in Rhythmus, Serie entwickelt aus Die Mathematische Grundlage der Künste, ca. 1934, Kreide und Bleistift auf Illustrationsplatte, Blatt: 14 7/8 x 19 7/8 Zoll (37,78 x 50,48 cm), Sammlung Albright-Knox Art Gallery, Buffalo, New York

Die fünf Phasen

Das erneute Lesen von Die Dematerialisierung der Kunst heute zeigt, dass der einzige wahre Fehler, der offensichtlich ist, darin besteht, wie die fünf Phasen der Kunst, wie von Schillinger erklärt, als etwas Lineares dargestellt werden. Es ist immer verlockend für jede Generation, sich selbst an der Spitze der Modernität zu sehen. Schillinger dachte, die Kunst habe sich historisch durch Phasen entwickelt, und Lippard dachte, sie sei Teil der Generation, die die Kunst ihrem evolutionären Höhepunkt näherbringt. Aber die Zeit bewegt sich nicht vorwärts; sie vergeht einfach. Kultur ist nicht linear; sie wiederholt sich. Die Menschheit entwickelt sich so schnell zurück, wie sie sich weiterentwickelt. Und die Wahrheit war in den 1960er und 70er Jahren, und ist es auch heute noch, dass Künstler Wege finden, sich so schnell zu dematerialisieren, wie andere wiederentdecken, wie man sie materialisieren kann.

Letztendlich muss Lippard dies auch erkannt haben, selbst während sie über das Thema Dematerialisierung schrieb, denn ihr Essay endet mit der Frage, ob der sogenannte Nullpunkt in der Kunst bald erreicht werden könnte. Die Antwort, so sagt sie, ist: „Es scheint kaum wahrscheinlich.“ Selbst heute, wenn Künstler virtuelle Kreationen verkaufen, die nur im digitalen Raum existieren, können wir immer noch argumentieren, dass Dematerialisierung eine Fantasie ist. Alles, was gesehen werden kann, ist definitionsgemäß materiell, selbst wenn es nur durch Virtual-Reality-Brillen gesehen werden kann. Aber unserer Meinung nach beweist das nur, dass das Erreichen der Dematerialisierung vielleicht nie wirklich das Ziel war. Der Punkt, den Lippard wirklich machte, war einfach, dass ein wichtiger Aspekt der visuellen Kunst darin besteht, unermüdlich nach Wegen zu suchen, wie man mit weniger mehr ausdrücken kann. Jeder Künstler, der auf Dematerialisierung hinarbeitet, arbeitet auch auf Einfachheit hin. Und Einfachheit führt zur Entdeckung dessen, was wirklich unentbehrlich und damit wirklich bedeutungsvoll ist. Das ist definitiv nicht die letzte Phase der Kunst. Aber es ist eine, die uns daran erinnern kann, was der wahre Wert der Kunst ist.

Hervorgehobenes Bild: Joseph Schillinger - Roter Rhythmus (Detail), Serie entwickelt aus Der Mathematische Grundsatz der Ars, ca. 1934, Gouache auf Papier, Bildbereich: 8 x 11 15/16 Zoll (20,32 x 30,32 cm); Blatt: 10 1/2 x 13 7/8 Zoll (26,67 x 35,24 cm), Sammlung Albright-Knox Art Gallery, Buffalo, New York

Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken.

Von Phillip Barcio