Als Miriam Schapiro Computer einsetzte, um geometrische abstrakte Kunst zu erzeugen

Miriam Schapiro war mehr als ein halbes Jahrhundert lang eine legendäre Persönlichkeit in der Kunstwelt. Sie war eine meisterhafte bildende Künstlerin, eine einflussreiche Lehrerin und eine brillante Theoretikerin. Doch ihr am häufigsten bekanntes Vermächtnis bezieht sich auf ihre Bedeutung für die erste Welle der feministischen Kunstbewegung. Schapiro war eine der Gründerinnen der Pattern and Decoration-Bewegung (1975 – 1985), die selbstbewusst die typische modernistische Verehrung männlicher, westlicher ästhetischer Tendenzen infrage stellte. Sie gründete zusammen mit Judy Chicago (der zugeschrieben wird, den Begriff „feministische Kunst“ geprägt zu haben) das Feminist Art Program am California Institute of the Arts in Valencia, Kalifornien. Und sie war eine der Künstlerinnen, die an Womanhouse (1972) beteiligt waren, einer bahnbrechenden Installation, die ein verfallenes Herrenhaus mit 17 Zimmern in West Hollywood in vielleicht die visionärste ortsspezifische Gruppenausstellung aller Zeiten verwandelte – eine Ausstellung, die in ihrem einmonatigen Bestehen von mehr als 10.000 Menschen besucht wurde und Gegenstand von zwei Dokumentarfilmen ist. Doch neben dem enormen Einfluss, den Schapiro auf die Neugestaltung unseres Verständnisses der Beziehungen zwischen Identität, Kultur, Kunst, Macht und Geschichte hatte, durchlief sie als Künstlerin auch mehrere faszinierende formale ästhetische Entwicklungen – und das ist ein Teil ihres Vermächtnisses, der bisher nicht ausreichend erzählt wurde. Eine Ausstellung, die bis zum 17. Februar 2018 in der Honor Fraser Galerie in Los Angeles läuft, unternimmt einen kleinen Schritt, um dieses Versäumnis zu korrigieren, indem sie acht Gemälde zeigt, die Schapiro in einem bestimmten Abschnitt ihrer Laufbahn schuf – einer Zeitspanne zwischen 1967 und 1971, als sie eine Pionierin auf dem damals noch jungen Gebiet der computerunterstützten Kunst wurde.

Formale und konzeptuelle Veränderungen

Schapiro experimentierte zu verschiedenen Zeiten mit mehr als einem halben Dutzend Medien, darunter Malerei, Zeichnung, Textilien und Skulptur. Zu jedem Zeitpunkt dieser Entwicklung hätte sie leicht aufhören und einfach bei dem Stil bleiben können, den sie gerade entwickelt hatte, und dennoch ein episches, endgültiges Werk schaffen können. Doch sie trieb sich ständig in unerforschtes Gebiet vor, sowohl formal als auch konzeptuell. In den 1950er Jahren machte sie sich in der wettbewerbsintensiven und überfüllten Kunstszene New Yorks mit ihren hypnotischen, mystisch wirkenden, lyrisch-abstrakten Gemälden einen Namen. Ihre Komplexität und Tiefe zeigen ihre Meisterschaft in Farbe und Technik. Doch sie gab diesen Stil auf, um etwas Persönlicheres zu suchen. Sie experimentierte mit Collage und Lithografie und kam Anfang der 1960er Jahre zu einer Werkgruppe, die sie Shrine-Serie nannte – quasi-surrealistische, geometrische Kompositionen, die an vertikale Altargemälde erinnern und figürliche Bezüge zu Weiblichkeit und Kunstgeschichte enthalten. Diese eindringlichen und seltsamen Werke passen zu nichts, was ihre Zeitgenossen machten. Sie zeigen eine Künstlerin, die bereit war zu experimentieren und keine Angst hatte, sich abzuheben.

Miriam Schapiro – Installationsansicht, Honor Fraser Galerie, Los Angeles, CA, 2017

Honor Fraser Galerie gezeigten Gemälde sind das Ergebnis dieses experimentellen Prozesses. Einige Werke, wie Thunderbird (1970), zeigen die rein formalen Wege, auf denen Schapiro mit dem Computer arbeitete. Andere Werke, wie Keyhole (1971), zeigen ihren Wunsch, alle verfügbaren Mittel zu nutzen, um die Ideen auszudrücken, die sie im konzeptuellen Bereich beschäftigten.

Miriam Schapiro – Keyhole, 1971, Acryl und Sprühfarbe auf Leinwand, 180 x 270 cm

Neue Sichtweisen

Dies ist nicht das erste Mal, dass diese computerunterstützten Gemälde in den letzten Jahren gezeigt wurden. Sie wurden 2016 im Eric Firestone Loft in New York ausgestellt, etwa ein Jahr nach Schapiros Tod, unter dem Titel Miriam Schapiro, The California Years: 1967–1975. Der Unterschied zwischen den beiden Ausstellungen liegt in ihrem analytischen Schwerpunkt. In New York wurden diese Werke im Zusammenhang mit der ästhetischen Entwicklung danach betrachtet. Es wurde die yonische Bildsprache in Gemälden wie Keyhole und Big Ox untersucht, da sie die visuelle Sprache vorwegnahm, die Schapiro als Central Core bezeichnete. Anschließend wurde erforscht, wie Schapiro die klar abgegrenzte Abstraktion vollständig zugunsten eines neuen Stils aufgab, den sie erfand und den sie Femmage nannte – eine Verbindung aus feminin und Collage. Femmage verband traditionelle Mal-techniken und Oberflächen mit Materialien und Techniken, die traditionell mit Weiblichkeit assoziiert werden: zum Beispiel genähte Elemente auf einer Leinwand oder Stoffstücke, die auf eine traditionelle Oberfläche geklebt wurden. Femmage war ein einflussreicher und wegweisender Aspekt der Pattern and Decoration-Bewegung.

Miriam Schapiro – Thunderbird, 1970, Acryl auf Leinwand, 183 x 203 cm

Im Gegensatz zur vorherigen, umfangreicheren Version dieser Ausstellung verengt die Ausstellung bei Honor Fraser den Fokus, um den Betrachtern einen rein formalistischen Blick auf das Werk zu bieten. Es mag seltsam oder in gewisser Weise abschwächend erscheinen, dies zu tun. Es wäre leicht für jemanden, der mit ihrem Werk nicht vertraut ist, diese Ausstellung zu sehen und Schapiro falsch zu verstehen. Doch auf andere Weise legt diese Ausstellung den Grundstein für vielleicht ein halbes Dutzend weiterer ähnlicher Ausstellungen, die jeweils einzelne Momente ihrer Laufbahn untersuchen könnten. Es ist großzügig, jede Facette der Arbeit einer Künstlerin zu betrachten. Wenn wir uns nur auf die kulturelle Bedeutung der Werke konzentrieren und nie über ihre Farben, Linien, Formen, Texturen und Arbeitsweisen sprechen, berauben wir Schapiro ihres vollen Maßes. Aus diesen computerunterstützten Gemälden wird deutlich, dass solche formalen Belange ihr wichtig waren. Ebenso offensichtlich ist, dass sie eine Meisterin von Farbe und Komposition war, die ein Leben lang bedeutende abstrakte Werke hätte schaffen können, wenn sie es gewollt hätte. Schließlich wirken diese Gemälde so frisch und zeitgemäß, als wären sie gestern gemalt worden. Doch es ist auch spannend zu denken, dass diese Werke einen Moment in der Zeit darstellen, kurz bevor Schapiro die Kunstgeschichte dramatisch veränderte, indem sie das Vertraute verließ und in die damals noch ungeschriebene Geschichte der feministischen Kunst eintauchte.

Miriam Schapiro – Installationsansicht, Honor Fraser Galerie, Los Angeles, CA, 2017

Titelbild: Miriam Schapiro – Installationsansicht, Honor Fraser Galerie, Los Angeles, CA, 2017

Alle Bilder mit freundlicher Genehmigung der Honor Fraser Galerie

Von Phillip Barcio