Als Miriam Schapiro Computer einsetzte, um geometrische abstrakte Kunst zu erzeugen

Miriam Schapiro war mehr als ein halbes Jahrhundert eine legendäre Figur in der Kunstwelt. Sie war eine meisterhafte visuelle Künstlerin, eine einflussreiche Lehrerin und eine brillante Theoretikerin. Doch ihr bekanntestes Erbe bezieht sich auf ihre Bedeutung für die erste Welle der feministischen Kunstbewegung. Schapiro war eine der Gründerinnen der Pattern and Decoration Movement (1975 – 1985), die das typische moderne Lob männlicher, westlicher ästhetischer Tendenzen selbstbewusst herausforderte. Sie gründete zusammen mit Judy Chicago (die gesagt wird, den Begriff „feministische Kunst“ geprägt zu haben) das Feminist Art Program am California Institute of the Arts in Valencia, Kalifornien. Und sie war eine der Künstlerinnen, die an Womanhouse (1972) beteiligt waren, einer bahnbrechenden Installation, die ein baufälliges, 17-Zimmer-Herrenhaus in West Hollywood in vielleicht die visionärste ortsspezifische Gruppenausstellung aller Zeiten verwandelte – eine, die in ihrer einmonatigen Existenz von mehr als 10.000 Menschen besucht wurde und Gegenstand von zwei Dokumentarfilmen ist. Aber neben dem massiven Einfluss, den Schapiro auf die Neugestaltung unseres Verständnisses der Beziehungen zwischen Identität, Kultur, Kunst, Macht und Geschichte hatte, durchlief sie auch mehrere faszinierende formale ästhetische Entwicklungen als Künstlerin – und das ist ein Teil ihres Erbes, der nicht ausreichend erzählt wurde. Eine Ausstellung, die bis zum 17. Februar 2018 in Honor Fraser in Los Angeles läuft, macht einen kleinen Schritt zur Korrektur dieses Versäumnisses, indem sie acht Gemälde zeigt, die Schapiro in einem bestimmten Moment ihrer Karriere – einem Zeitraum zwischen 1967 und 1971 – geschaffen hat, als sie eine Pionierin im damals noch jungen Bereich der computerunterstützten Kunst wurde.

Formale und konzeptionelle Änderungen

Schapiro experimentierte zu verschiedenen Zeiten mit mehr als einem halben Dutzend Medien, darunter Malerei, Zeichnung, Textilien und Skulptur. Zu jedem Zeitpunkt während dieser Entwicklung hätte sie leicht aufhören können zu suchen und einfach bei dem Stil zu bleiben, den sie in diesem Moment entwickelt hatte, und dennoch ein episches, definitives Werk geschaffen. Aber sie drängte sich ständig in unerforschte Gebiete, sowohl formal als auch konzeptionell. In den 1950er Jahren machte sie sich in der wettbewerbsintensiven und überfüllten New Yorker Kunstszene mit ihren hypnotischen, mystisch aussehenden, lyrischen abstrakten Gemälden einen Namen. Ihre Komplexität und Tiefe offenbart ihr Meisterschaft in Farbe und Technik. Aber sie gab diesen Stil auf, um etwas Persönlicheres zu suchen. Sie experimentierte mit Collage und Lithografie und kam Anfang der 1960er Jahre zu einem Werk, das sie die Shrine-Serie nannte – quasi-surrealistische, geometrische Kompositionen, die an vertikale Altäre erinnern und figurative Bezüge zur Weiblichkeit und Kunstgeschichte enthalten. Diese eindringlichen und seltsamen Werke passen nicht zu dem, was ihre Zeitgenossen taten. Sie offenbaren eine Künstlerin, die bereit ist zu experimentieren und keine Angst hat, sich abzuheben.

Miriam Schapiro - Installationsansicht, Honor Fraser Gallery, Los Angeles, CA, 2017

Es war dieser Geist, der Schapiro ermutigte, 1967 nach Kalifornien zu ziehen. Dort erlebte sie einen Wendepunkt, als sie eine der ersten Künstlerinnen wurde, die das Potenzial von Computern entdeckten, Künstler bei ihren ersten Skizzen zu unterstützen. Zu diesem Zeitpunkt neigte sie bereits zu hartkantigen, abstrakten, minimalistischen Bildern in ihrer Arbeit. Sie erkannte, dass sie durch die Eingabe ihrer formalen Ideen in die digitale visuelle Welt schnell und endlos kleine Anpassungen in der Perspektive vornehmen konnte, bis das perfekte Bild entstand. Die derzeit in Honor Fraser gezeigten Gemälde repräsentieren das Ergebnis dieses experimentellen Prozesses. Einige der Werke, wie Thunderbird (1970), zeigen die rein formalen Wege, auf denen Schapiro mit dem Computer interagierte. Andere Werke, wie Keyhole (1971), offenbaren ihren Wunsch, alle Werkzeuge zu nutzen, die ihr zur Verfügung stehen, um die Ideen auszudrücken, die sie im konzeptionellen Bereich beschäftigen.

Miriam Schapiro - Schlüsselloch, 1971, Acryl und Sprühfarbe auf Leinwand, 71 x 106 Zoll

Neue Sichtweisen

Dies ist nicht das erste Mal, dass diese computerunterstützten Gemälde in den letzten Jahren ausgestellt wurden. Sie wurden 2016 im Eric Firestone Loft in New York unter dem Titel Miriam Schapiro, The California Years: 1967–1975 gezeigt, etwa ein Jahr nach dem Tod von Schapiro. Der Unterschied zwischen den beiden Ausstellungen liegt in ihrem analytischen Fokus. In New York untersuchte die Ausstellung diese Werke im Kontext der ästhetischen Entwicklung, die unmittelbar danach kam. Sie untersuchte die yonische Bildsprache in Gemälden wie Keyhole und Big Ox, um zu zeigen, wie sie die visuelle Sprache vorwegnahm, die Schapiro als Central Core bezeichnete. Anschließend wurde erforscht, wie Schapiro die harte Abstraktion vollständig aufgab zugunsten eines neuen Stils, den sie erfand und Femmage—eine Mischung aus feminin und Collage nannte. Femmage kombinierte traditionelle Malerei Techniken und Oberflächen mit Materialien und Techniken, die traditionell mit Weiblichkeit assoziiert werden: zum Beispiel genähte Elemente auf einer Leinwand oder Stoffstücke, die auf eine traditionelle Oberfläche collagiert wurden. Femmage war ein einflussreicher und wegweisender Aspekt der Pattern and Decoration-Bewegung.

Miriam Schapiro - Thunderbird, 1970, Acryl auf Leinwand 72 x 80 Zoll

Im Gegensatz zur vorherigen, erweiterten Version dieser Ausstellung konzentriert sich die Honor Fraser-Show, um den Zuschauern einen rein formalistischen Blick auf das Werk zu bieten. Es mag seltsam erscheinen, dies zu tun, oder in gewisser Weise abwertend. Es wäre für jemanden, der neu in ihrem Werk ist, leicht, diese Ausstellung zu sehen und Schapiro misszuverstehen. Aber auf eine andere Weise legt diese Ausstellung das Fundament für das, was eine halbe Dutzend anderer ähnlicher Ausstellungen sein könnte, die jeweils isolierte Momente in ihrer Karriere untersuchen könnten. Es ist großzügig, jede Facette der Arbeit eines Künstlers zu betrachten. Wenn wir uns nur erlauben, über die kulturelle Bedeutung des Werkes nachzudenken, ohne jemals über seine Farben, Linien, Formen, Texturen und Prozesse zu sprechen, berauben wir Schapiro ihrer vollen Wertschätzung. Es ist offensichtlich, dass solche formalen Anliegen für sie von Bedeutung waren, wie aus diesen computerunterstützten Gemälden hervorgeht. Es ist ebenso offensichtlich, dass sie eine Meisterin der Farbe und Komposition war, die ein Leben lang bedeutende abstrakte Werke hätte schaffen können, wenn sie sich dafür entschieden hätte. Schließlich scheinen diese Gemälde so frisch und zeitgenössisch, als wären sie gestern gemalt worden. Aber es ist auch aufregend zu denken, dass diese Werke einen Moment in der Zeit repräsentieren, kurz bevor Schapiro die Kunstgeschichte dramatisch veränderte, indem sie sich von dem, was sicher war, abwandte und in die damals ungeschriebene Geschichte der feministischen Kunst eintauchte.

Miriam Schapiro - Installationsansicht, Honor Fraser Gallery, Los Angeles, CA, 2017

Vorgestelltes Bild: Miriam Schapiro - Installationsansicht, Honor Fraser Gallery, Los Angeles, CA, 2017

Alle Bilder mit freundlicher Genehmigung der Honor Fraser Gallery

Von Phillip Barcio