Hinter der Licht- und Raumbewegung im MCA Chicago

Ich verdanke der Light and Space Movement das erste Öffnen meines Geistes für abstrakte Kunst. In meiner Jugend war ich von allem irritiert, was ich nicht verstehen konnte. Abstrakte Kunst verstärkte nur meine Verwirrung und erhöhte mein Angstgefühl. Das änderte sich, als ich ein unbetiteltes Kunstwerk von Robert Irwin im Indianapolis Museum of Art, meinem damaligen lokalen Museum, entdeckte. Das Werk war eines der sogenannten „Discs“, die Irwin Ende der 1960er Jahre schuf – es war bereits mehr als 25 Jahre alt, als ich es sah. Es bestand aus einem konvexen, akrylischen Kreis, der aus der Wand herausragte, und von vier Lichtern beleuchtet wurde, die vier identische, kreisförmige Schatten warfen. Seine Präsenz verwandelte mich. Ich fühlte mich mehr wie in einem heiligen Raum, als ich es bei den hunderten von Malen zuvor in einer Kirche oder einem Tempel getan hatte. Es war nicht das Werk, das heilig erschien, oder sogar die Umgebung – es war, dass sich mein Geist plötzlich für die Schönheit öffnete, die er noch nicht kannte. Im Handumdrehen wurde das Nichtverstehen zu einer Freude; Verwirrung wurde zu Staunen. Als ich durch den Rest des Museums ging, sah ich jedes andere abstrakte Werk in einem neuen Kontext. Ich sah sogar mich selbst anders. In diesem Jahr wird eine neue Ausstellung im Museum of Contemporary Art Chicago allen die Möglichkeit bieten, das zu erleben, was ich damals erlebte – die Anziehungskraft und den Zauber der Light and Space Movement. Mit dem Titel Endless Summer bringt die Ausstellung Werke aus der ständigen Sammlung des MCA mit jüngsten Geschenken aus den Nachlässen von Walter und Dawn Netsch zusammen. Die Ausstellung trägt ihren Namen von dem Film von 1966, in dem Surfer um die Welt reisen, um perfektes Wetter und endlose Wellen zu finden, und ist ein Versuch, die Ideale zu beleuchten, die die Künstler aus Südkalifornien inspirierten, nach denen die Light and Space Movement benannt wurde.

Die Macht der Leere

Gleich zu Beginn sollte ich sagen, dass Endless Summer (die MCA-Ausstellung, nicht der Film) eine eklatante Schwäche hat – das Fehlen von Arbeiten von John McLaughlin. Obwohl ihn fast keine Autoren als solchen anerkennen, war McLaughlin die philosophische und visuelle Quelle, auf der alle anderen Light and Space-Kunst basiert. Er war der erste Künstler aus Südkalifornien, der die konzeptionelle und visuelle Sprache erkundete, die später die sogenannten ersten Generationen von Light and Space-Künstlern wie Irwin, James Turrell, Helen Pashgian und Larry Bell sowie die zweiten Generationen von Light and Space-Künstlern wie Lita Albuquerque und Mary Corse inspirierte. Einige weisen McLaughlin zurück, weil er Autodidakt war. Andere ignorieren ihn, weil seine Arbeiten nicht ordentlich in die Bezeichnung „finish fetish“ passen, die oft akademische Diskussionen über die Light and Space-Bewegung begleitet. Aber keine ernsthafte Diskussion über die Geschichte und Werte der Light and Space-Kunst kann ohne ihn vollständig sein.

Peter Alexander - Brown Black Wedge, 1969. Guss aus Polyesterharz; 91 ¾ × 4 × 3 15/16 Zoll (233,1 × 10,2 × 10 cm). Sammlung Museum für zeitgenössische Kunst Chicago, Geschenk der Nachlässe von Walter Netsch und Dawn Clark Netsch, 2014.54. Foto: Nathan Keay, © MCA Chicago.

McLaughlin schöpfte seine künstlerische Inspiration aus drei Quellen: der Zen-Philosophie, die ihm lehrte, dass der Raum zwischen Objekten ebenso wichtig ist wie die Objekte selbst; den Schriften von Kazimir Malevich, die ihm die Universalität geometrischer Formen näherbrachten; und der Arbeit von Piet Mondrian, die ihn überzeugte, dass totale Abstraktion für eine progressive ästhetische Praxis unerlässlich ist. In den späten 1940er Jahren arbeitete McLaughlin in Dana Point, einer kleinen Surferstadt zwischen Los Angeles und San Diego, und verband diese Ideen, indem er rein abstrakte Gemälde schuf, die den Raum zwischen geometrischen Formen nutzten, um, wie er es ausdrückte, "das natürliche Verlangen des Betrachters nach Kontemplation zu intensivieren." Indem er farbige Rechtecke auf neutrale Hintergründe malte, setzte er die komplementären Kräfte von Dunkelheit und Licht – Leere und Fülle – ein, um die Betrachter dazu zu inspirieren, ihre Wahrnehmung zu hinterfragen. Er nutzte das, was angeblich vorhanden ist, um auf das aufmerksam zu machen, was angeblich fehlt. Er offenbarte die Kraft des Nichts – das Fundament, auf dem die Arbeit der Light and Space Kunst basiert.

John McCracken - Untitled, 1967. Fiberglas, Polyesterharz und Holz; 96 3/16 × 10 1/8 × 3 1/8 in. (244,2 × 56,4 × 7,9 cm). Sammlung Museum of Contemporary Art Chicago, Geschenk von Ileana Sonnabend, 1984.53. © Der Nachlass von John McCracken, courtesy David Zwirner, New York. Foto: Nathan Keay, © MCA Chicago.

Was ist vorhanden

Wenn Sie in einen James Turrell Skyspace eintreten, sehen Sie eine Umgebung, die konkret ist. Und doch bleibt darin ein Raum offen – ein Vakuum. Der Himmel zeigt sich durch das Vakuum. Lichter beleuchten die Innenumgebung. Aber was ist das Herz des Werkes? Ist es das Licht? Ist es die Umgebung? Ist es das Vakuum? Die Wahrnehmung des Werkes verändert sich mit der Zeit. Sie beginnen, die perceptuelle Realität in Frage zu stellen und darüber nachzudenken, was auch immer Ihr Geist zu berücksichtigen beginnt. Ähnlich, wenn Sie in der Gegenwart einer Installation von Helen Pashgian stehen, wird Ihr Auge zuerst von den leuchtenden Türmen angezogen. Aber bald werden Sie sich des Raumes um sie herum bewusst, wo Schatten und Licht miteinander spielen. Sie nehmen die am wenigsten körperlichen Elemente des Werkes – das Licht und den Raum – als die wichtigsten wahr. Sie fragen sich, was das wahre Thema des Werkes ist. Ihr Verständnis davon, was wichtig ist, entwickelt sich weiter. Das ist die Magie der Licht- und Raumkunst.

Robert Irwin - Untitled, 1965–67. Acryllack auf geformtem Aluminium; 60 Zoll Durchmesser × 4 Zoll (152,4 Durchmesser × 10,2 cm). Sammlung Museum of Contemporary Art Chicago, Geschenk der Lannan Foundation, 1997.40. © 2017 Robert Irwin/Artists Rights Society (ARS), New York. Foto: Nathan Keay, © MCA Chicago

Wegen der Bewegung, auf die es sich bezieht, die so wichtig für die Entwicklung der abstrakten Kunst ist, wie wir sie heute kennen, empfehle ich, Endless Summer zu besuchen, während es im MCA Chicago (27. Januar – 5. August 2018) ist. Beachten Sie jedoch, dass die Ausstellung unvollständig ist. Sie ist stark auf männliche Künstler ausgerichtet; sie untersucht nicht die vollständigen Wurzeln der Bewegung; und sie lässt viele Einflussnehmer aus der Geschichte aus. Aber das MCA behauptet nicht, eine Licht- und Raumumfrage zu präsentieren. Dies soll ein kleiner Einblick in eine viel größere Welt sein. Nutzen Sie es als Ausgangspunkt, um abseits der ausgetretenen Pfade permanente Werke zu entdecken, wie das Dwan Light Sanctuary in New Mexico; den Turrell Skyspace auf dem Campus der Rice University in Houston; die Dan Flavin-Installation in der Chiesa Rossa in Mailand. Nutzen Sie es, um Ihr eigenes Abenteuer in eine Bewegung zu beginnen, die darauf abzielt, Ihre Wahrnehmung zu erweitern. Nutzen Sie es, um Ihren Geist für die Kraft und das Potenzial der abstrakten Kunst zu öffnen.

Vorschaubild: Ed Ruscha - News, 1970. Siebdruck auf Papier; Portfolio von sechs, jedes Blatt: 23 × 31 ¾ Zoll (58,4 × 80,6 cm), jedes gerahmt: 29 × 37 1/8 Zoll (73,7 × 94,3 cm). Sammlung Museum of Contemporary Art Chicago, Geschenk von Nicolo Pignatelli, 1979.29.3. © Ed Ruscha. Foto: Nathan Keay, © MCA Chicago.

Alle Abbildungen dienen nur zu Illustrationszwecken.

Von Phillip Barcio