Dan Flavin und die abstrakten Lichtinstallationen

Eine Atmosphäre der Spiritualität begleitet oft die abstrakte Kunst. Mystik gedeiht dort, wo Schönheit reichlich vorhanden und die Bedeutung mehrdeutig ist. Doch einige abstrakte Künstler bestreiten, dass ihre Werke Tiefgründigkeiten, transzendentale Qualitäten oder irgendeine Bedeutung jenseits ästhetischer Formalitäten enthalten. Dan Flavin ist ein klassisches Beispiel für dieses Phänomen. Als einer der einflussreichsten Künstler des 20. Jahrhunderts brach Flavin neues Terrain in der Verwendung von Licht in der modernen Kunst. Seine Werke sind schön und ohne Präzedenzfall, was sie reif für kreative Interpretationen macht. Ihre ätherische Natur, leuchtende Lumineszenz und sogar ihre Titel laden zu Assoziationen mit dem Heiligen ein. Doch Flavin behauptete, dass solche Assoziationen keinen Wert hätten. Er bestand darauf, dass seine Kunst einfach nur aus Licht besteht, das Architektur beleuchtet. Flavin sagte: “Man könnte Licht nicht als eine Tatsache betrachten, aber ich tue es. Und es ist, wie ich sagte, eine so klare, offene und direkte Kunst, wie man sie je finden wird.”

Ikonisch oder ironisch

Flavin wuchs in einem irisch-katholischen Haushalt in Queens, New York, auf. Als Teenager studierte er, um Priester zu werden. Doch unbeeindruckt von dem Gedanken an ein Leben in der Kirche trat er im Alter von 19 Jahren zusammen mit seinem Bruder in das Militär ein. Während seines Einsatzes in Korea begann er ernsthaft, Kunst zu studieren, und nach Abschluss seiner Dienstzeit kehrte er nach New York zurück, wo er weiterhin Kunst studierte und Gelegenheitsjobs in Museen annahm. 1961, nachdem er mit verschiedenen Mal- und Collagestilen experimentiert hatte, schuf er seine ersten lichtbasierten Werke, eine Serie von bemalten Kästen, die an der Wand hingen und mit Glühbirnen verkabelt waren. Er nannte diese Werke "Ikonen."

Das Wort Ikone bezog sich auf leuchtende, heilige Malereien, die von russisch-orthodoxen christlichen Malern in byzantinischer Zeit geschaffen wurden. Kombiniert mit seiner eigenen Geschichte, in einer katholischen Familie aufgewachsen zu sein, und den fünf Jahren, die er mit dem Studium verbrachte, um Priester zu werden, könnte Flavins Verwendung des Wortes Ikone für diese Objekte leicht spirituelle Absichten implizieren. Es sei denn, dass byzantinische Ikonenmalereien mühsam nach strengen ästhetischen Standards hergestellt wurden. Sie verwendeten teure und seltene Materialien, um ihren leuchtenden Effekt zu erzielen, und sie wurden geschaffen, um die Innenräume glorreicher, heiliger Räume zu schmücken, die dem Göttlichen gewidmet sind. Flavins Ikonen waren hohle, minimalistische Objekte, die aus billigen Materialien gebaut wurden. Sie verwendeten massenproduziertes Licht, um ihre Leuchtkraft zu erreichen, und waren, laut Flavin, „konstruktive Konzentrationen, die kahle Räume feiern.“ Sie waren in jeder Hinsicht das Gegenteil ihrer historischen Gegenstücke. Waren sie also ikonisch oder war Flavin ironisch?

Dan Flavin - Untitled (to Véronique), 1987. Rotes, gelbes, blaues und grünes fluoreszierendes Licht. 96 in; 243,8 cm. Waddington Custot, London

Denkmäler des Lichts

Zwei Jahre nach der Schaffung seines ersten Ikons erlebte Flavin einen Durchbruch. Er wagte den Schritt, die bemalten Kästen zu eliminieren, verzichtete auf die Verwendung jeglicher Art von sekundären ästhetischen Unterstützungen und entschied sich stattdessen, seine Lichter direkt an die Wand zu befestigen. Indem er leicht modifizierte, im Handel erhältliche Leuchtstofflampen als Kunstobjekte verwendete, verband er sich mit Bewegungen wie Arte Povera und Dadaismus, wegen ihrer Verwendung alltäglicher Materialien und Readymade-Objekte, sowie Minimalismus, wegen seiner Abhängigkeit von industriellen Materialien und Prozessen. Flavin widmete sein erstes Werk in diesem neuen Stil dem Künstler Constantin Brancusi, dessen Endlose Säule Skulptur sein Denken beeinflusste.

Sich auf eine strenge Farbpalette und eine kleine Auswahl von Glühbirnengrößen beschränkend, begann Flavin eine produktive Erkundung der Möglichkeiten, die sein neuer Stil bot. Er schuf 50 pyramidenförmige "Monumente", die dem russischen Konstruktivisten Wladimir Tatlin gewidmet waren, und kreierte zahlreiche unbetitelte fluoreszierende Kompositionen, die anderen Künstlern gewidmet waren, die ihn beeinflussten, wie Alexander Calder, Robert Ryman und Jasper Johns. Bemerkenswert war, dass diese Kompositionen nicht nur die Funktion ästhetischer Objekte erfüllten, sondern auch die Wahrnehmung des Raumes, in dem sie ausgestellt waren, veränderten.

Dan Flavin - "Monument" 1 für V. Tatlin, 1964. Fluoreszierende Lichtrohre (kaltweiß). 96 1/10 × 23 1/5 Zoll; 244 × 59 cm. Ausstellung "Schwarze Sonne" in der Fondation Beyeler, Riehen.

Ecken, Barrieren und Korridore

Als das Interesse an Flavins Werk zunahm, erhielt er Zugang zu einer wachsenden Anzahl architektonischer Räume, in denen er ausstellen konnte. Er nutzte diese Entwicklung, um tiefer zu erkunden, wie seine Lichtkompositionen die Natur des architektonischen Raums beeinflussen konnten. Er kategorisierte seine verschiedenen Ideen entsprechend den Räumen, die sie bewohnten, und verwendete Namen wie „Ecken“, „Barrieren“ und „Korridore“. Seine „Ecken“ bewohnten den architektonischen Raum einer Ecke, indem sie entweder ein ästhetisches Phänomen in der Ecke selbst schufen oder die Ecke als Ausgangspunkt nutzten, um den Rest des Raums zu beeinflussen. Seine „Barrieren“ schufen künstliche Teilungen im Raum, wodurch Licht sowohl als Fokus als auch als Störer der Erfahrung des Betrachters wirkte.

Flavins "Korridore" nutzten Licht, um das ästhetische Erlebnis von Fluren zu verändern. In einigen Fällen verzerrten sie die Wahrnehmung der Flure. In anderen Fällen schien der Flur als Ausstellungsraum für eine Komposition von Lichtern zu fungieren. Und in einigen Umständen schienen die Lichter einfach die ästhetische Schönheit des Raumes zu verstärken.

Dan Flavin - untitled (zu Ehren von Leo anlässlich des 30. Jubiläums seiner Galerie), 1987. Rotes, pinkes, gelbes, blaues und grünes fluoreszierendes Licht. 96 × 96 Zoll; 243,8 × 243,8 cm. San Francisco Museum of Modern Art (SFMOMA), San Francisco

Situationen und Vorschläge

Die Mehrdeutigkeit von Flavins Kreationen führte dazu, dass er aufhörte, sie als Kunstwerke zu bezeichnen. Er war sich bewusst, dass seine Lichtkompositionen nur einen Teil der Erfahrung darstellten, die die Betrachter in Anwesenheit des Werkes machen könnten. Die Gesamtheit der Betrachtererfahrung war viel größer, als er selbst voraussehen konnte. Daher begann er, seine Kreationen "Situationen" und "Vorschläge" zu nennen, was implizierte, dass sie nur den Anfang eines fortlaufenden ästhetischen Prozesses darstellten.

Einige "Situationen" bewohnten heilige Orte, wie Kirchen. Andere bewohnten industrielle Räume. Wieder andere bewohnten traditionelle Kunstumgebungen wie ein Museum. Das volle Erlebnis einer Flavin-Situation hängt vom Licht, der Architektur, den atmosphärischen Bedingungen sowie von den persönlichen Faktoren ab, die der Betrachter basierend auf seiner bestehenden Beziehung zu dieser bestimmten Art von Raum in die Umgebung einbringt.

Dan Flavin - Die Diagonale vom 25. Mai 1963, 1963. Blaues fluoreszierendes Licht. 96 Zoll; 243,8 cm. San Francisco Museum of Modern Art (SFMOMA), San Francisco

Leuchtende Lichter

Wie kontextualisieren wir also Flavins Werk? Enthalten seine abstrakten Qualitäten eine tiefere, verborgene Bedeutung jenseits seiner formalen Qualitäten? Es hängt davon ab, wen man fragt. Da Flavins Lichtinstallationen so schön in die Räume integriert sind, die sie besetzen, ist es nur natürlich, dass die Betrachter emotional reagieren, wenn sie ihnen begegnen. Für die meisten von uns ist ein Raum die meiste Zeit nur ein utilitaristischer Raum, der nicht zum Vergnügen, sondern zur Funktionalität beleuchtet wird. Wenn jemand einen Raum für Schönheit und nicht für Geschäft beleuchtet, nennen wir es Stimmungsbeleuchtung, wegen der lebhaften emotionalen Reaktionen, die es zu inspirieren neigt.

Aber in Bezug auf sein eigenes Bestehen auf dem Fehlen einer zugrunde liegenden Bedeutung seiner Werke prägte Flavin berühmt den Ausdruck „Es ist, was es ist“, und fuhr fort: „und es ist nichts anderes... Alles wird klar, offen, schlicht übermittelt.“ Dennoch, wie Kinder, die einen Schraubendreher anstelle des vorgesehenen Hammers verwenden, um einen Nagel einzuschlagen, bleiben wir versucht, Flavins Kunst für unsere eigenen Zwecke neu zu kontextualisieren. Vielleicht spiegelt es ein Gefühl der Berechtigung wider. Wir betrachten es als unser souveränes Recht, ein Kunstwerk auf jede Weise zu objektivieren, die für uns funktioniert, unabhängig von der Absicht des Künstlers. Oder vielleicht sollten wir es einfach den Blick des Interpreten nennen: ein Geschenk, das wir Kunstbetrachtern uns selbst machen, das es uns ermöglicht, dass der Wert der Kombination aus einem Kunstwerk und uns selbst mehr ergibt als die Summe seiner Einzelteile.

Vorgestelltes Bild: Dan Flavin - Die Diagonale vom 25. Mai 1963 (an Constantin Brancusi), 1963
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken.
Von Phillip Barcio