Dan Flavin und die abstrakten Lichtinstallationen
Eine Atmosphäre der Spiritualität begleitet oft abstrakte Kunst. Mystik gedeiht dort, wo Schönheit reichlich vorhanden und Bedeutung mehrdeutig ist. Doch einige abstrakte Künstler bestreiten, dass ihre Werke Tiefgründigkeiten, transzendentale Qualitäten oder irgendeine Bedeutung jenseits ästhetischer Formalitäten enthalten. Dan Flavin ist ein typisches Beispiel für dieses Phänomen. Als einer der einflussreichsten Künstler des 20. Jahrhunderts brach Flavin mit neuen Wegen im Einsatz von Licht in der modernistischen Kunst. Seine Werke sind schön und beispiellos, was sie reif für kreative Interpretationen macht. Ihre ätherische Natur, das leuchtende Glimmen und sogar ihre Titel laden zu Assoziationen mit dem Heiligen ein. Doch Flavin bestand darauf, dass solche Assoziationen keinen Wert hätten. Er beharrte darauf, dass seine Kunst einfach nur aus Licht bestehe, das Architektur erleuchtet, und sagte: „Man denkt vielleicht nicht an Licht als eine Tatsache, aber ich tue es. Und es ist, wie ich sagte, eine so klare, offene und direkte Kunst, wie man sie je finden wird.“
Ikonisch oder ironisch
Flavin wuchs in einem irisch-katholischen Haushalt in Queens, New York, auf. Als Jugendlicher studierte er, um Priester zu werden. Doch unberührt von dem Gedanken an ein Leben in der Kirche trat er mit 19 Jahren zusammen mit seinem Bruder ins Militär ein. Während seines Dienstes in Korea begann er ernsthaft Kunst zu studieren, und nach Abschluss seines Dienstes kehrte er nach New York zurück, wo er sein Kunststudium fortsetzte und Gelegenheitsjobs in Museen annahm. 1961, nach Experimenten mit verschiedenen Mal- und Collagestilen, schuf er seine ersten lichtbasierten Werke, eine Reihe bemalter Kästen, die an der Wand hingen und mit Glühbirnen verkabelt waren. Er nannte diese Werke „Ikonen“.
Das Wort Ikone bezog sich auf leuchtende, heilige Gemälde, die von russisch-orthodoxen christlichen Malern in byzantinischer Zeit geschaffen wurden. In Verbindung mit seiner eigenen Geschichte, in einer katholischen Familie aufgewachsen zu sein, und den fünf Jahren, die er mit dem Studium zum Priester verbrachte, könnte Flavins Verwendung des Wortes Ikone für diese Objekte leicht spirituelle Absichten implizieren. Allerdings wurden byzantinische Ikonengemälde nach strengen ästhetischen Maßstäben sorgfältig gefertigt. Sie verwendeten teure und seltene Materialien, um ihren leuchtenden Effekt zu erzielen, und sie wurden geschaffen, um die Innenräume prächtiger, heiliger Räume zu schmücken, die dem Göttlichen gewidmet waren. Flavins Ikonen waren hohle, minimalistische Objekte aus billigen Materialien. Sie nutzten massenproduziertes Licht, um ihre Leuchtkraft zu erreichen, und waren, so Flavin, „konstruierte Konzentrationen, die kahle Räume feiern.“ Sie waren in jeder Hinsicht das Gegenteil ihrer historischen Vorbilder. Waren sie also ikonisch oder war Flavin ironisch?
Dan Flavin - Ohne Titel (für Véronique), 1987. Rotes, gelbes, blaues und grünes Leuchtstofflicht. 96 Zoll; 243,8 cm. Waddington Custot, London
Denkmäler des Lichts
Zwei Jahre nach der Schaffung seiner ersten Ikone erlebte Flavin einen Durchbruch. Er wagte den Schritt, die bemalten Kästen wegzulassen, verzichtete auf jegliche sekundären ästhetischen Träger und befestigte seine Lichter stattdessen direkt an der Wand. Indem er leicht modifizierte, im Handel erhältliche Leuchtstoffröhren als Kunstobjekte verwendete, ordnete er sich Bewegungen wie Arte Povera und Dadaismus zu, wegen ihres Gebrauchs alltäglicher Materialien und Fundstücke, sowie dem Minimalismus, wegen seiner Abhängigkeit von industriellen Materialien und Verfahren. Flavin widmete sein erstes Werk in diesem neuen Stil dem Künstler Constantin Brancusi, dessen Skulptur Endlose Säule sein Denken beeinflusste.
Beschränkt auf eine strenge Farbpalette und eine kleine Auswahl an Lampengrößen begann Flavin eine produktive Erkundung der Möglichkeiten, die sein neuer Stil bot. Er schuf 50 pyramidenförmige „Denkmäler“ zu Ehren des russischen Konstruktivisten Wladimir Tatlin und fertigte zahlreiche unbetitelte Leuchtstoffkompositionen, die anderen Künstlern gewidmet waren, die ihn beeinflussten, wie Alexander Calder, Robert Ryman und Jasper Johns. Bemerkenswert war, dass diese Kompositionen nicht nur als ästhetische Objekte dienten, sondern auch die Wahrnehmung des Raumes, in dem sie ausgestellt wurden, veränderten.
Dan Flavin - „Denkmal“ 1 für V. Tatlin, 1964. Leuchtstoffröhren (kaltweiß). 96 1/10 × 23 1/5 Zoll; 244 × 59 cm. Ausstellung „Schwarze Sonne“ in der Fondation Beyeler, Riehen
Ecken, Barrieren und Gänge
Mit wachsendem Interesse an Flavins Werk erhielt er Zugang zu immer mehr architektonischen Räumen für Ausstellungen. Er nutzte diese Entwicklung, um die Wirkung seiner Lichtkompositionen auf die Beschaffenheit architektonischer Räume eingehender zu erforschen. Er ordnete seine verschiedenen Ideen nach den Räumen, die sie einnahmen, und verwendete Bezeichnungen wie „Ecken“, „Barrieren“ und „Gänge“. Seine „Ecken“ besetzten den architektonischen Raum einer Ecke, indem sie entweder ein ästhetisches Phänomen in der Ecke selbst schufen oder die Ecke als Ausgangspunkt nutzten, um den übrigen Raum zu beeinflussen. Seine „Barrieren“ erzeugten künstliche Raumteilungen, wodurch das Licht sowohl zum Mittelpunkt als auch zum Störer der Wahrnehmung des Betrachters wurde.
Flavins „Gänge“ nutzten Licht, um das ästhetische Erleben von Fluren zu verändern. In manchen Fällen verzerrten sie die Wahrnehmung der Flure. In anderen Fällen schien der Flur als Ausstellungsraum für eine Lichtkomposition zu fungieren. Und in manchen Situationen schienen die Lichter einfach die ästhetische Schönheit des Raumes zu verstärken.
Dan Flavin - ohne Titel (zu Ehren von Leo zum 30-jährigen Jubiläum seiner Galerie), 1987. Rotes, pinkes, gelbes, blaues und grünes Leuchtstofflicht. 96 × 96 Zoll; 243,8 × 243,8 cm. San Francisco Museum of Modern Art (SFMOMA), San Francisco
Situationen und Vorschläge
Die Mehrdeutigkeit von Flavins Schöpfungen veranlasste ihn, sie nicht mehr als Kunstwerke zu bezeichnen. Er war sich bewusst, dass seine Lichtkompositionen nur einen Teil der Erfahrung ausmachten, die Betrachter im Angesicht des Werks haben könnten. Das gesamte Erlebnis des Betrachters war viel umfassender, als er selbst vorhersehen konnte. Daher begann er, seine Werke „Situationen“ und „Vorschläge“ zu nennen, was andeutete, dass sie nur den Anfang eines fortlaufenden ästhetischen Prozesses darstellten.
Einige „Situationen“ fanden in heiligen Orten wie Kirchen statt. Andere in Industrieanlagen. Wieder andere in traditionellen Kunstumgebungen wie Museen. Das volle Erlebnis einer Flavin-Situation hängt vom Licht, der Architektur, den atmosphärischen Bedingungen sowie von den persönlichen Faktoren ab, die der Betrachter aufgrund seiner vorbestehenden Beziehung zu diesem speziellen Raumtyp mitbringt.
Dan Flavin - Die Diagonale vom 25. Mai 1963, 1963. Blaues Leuchtstofflicht. 96 Zoll; 243,8 cm. San Francisco Museum of Modern Art (SFMOMA), San Francisco
Leuchtende Lichter
Wie ordnen wir also Flavins Werk ein? Enthalten seine abstrakten Qualitäten eine tiefere, verborgene Bedeutung jenseits seiner formalen Eigenschaften? Das hängt davon ab, wen man fragt. Da Flavins Lichtinstallationen sich so schön in die Räume einfügen, die sie einnehmen, ist es nur natürlich, dass Betrachter emotional reagieren, wenn sie ihnen begegnen. Für die meisten von uns ist ein Raum die meiste Zeit nur ein zweckmäßiger Ort, der nicht zum Vergnügen, sondern zur Funktionalität beleuchtet wird. Wenn jemand einen Raum aus Schönheit und nicht aus Geschäftlichkeit beleuchtet, nennen wir das Stimmungslicht, wegen der lebhaften emotionalen Reaktionen, die es gewöhnlich hervorruft.
Doch in Bezug auf seine eigene Behauptung, dass seine Werke keine tiefere Bedeutung hätten, prägte Flavin den berühmten Ausdruck „Es ist, was es ist“ und fuhr fort: „und es ist nichts anderes... Alles wird klar, offen und deutlich dargeboten.“ Dennoch sind wir, wie Kinder, die einen Schraubenzieher statt des vorgesehenen Hammers zum Einschlagen eines Nagels benutzen, versucht, Flavins Kunst für unsere eigenen Zwecke neu zu deuten. Vielleicht spiegelt das ein Gefühl von Anspruch wider. Wir nehmen es als unser souveränes Recht, ein Kunstwerk auf jede Weise zu objektivieren, die für uns funktioniert, ungeachtet der Absicht des Künstlers. Oder vielleicht sollten wir es einfach den Blick des Interpreten nennen: ein Geschenk, das wir Kunstbetrachtern uns selbst machen, das es erlaubt, dass der Wert der Verbindung von Kunstwerk und uns selbst mehr ergibt als die Summe seiner Einzelteile.
Titelbild: Dan Flavin - Die Diagonale vom 25. Mai 1963 (für Constantin Brancusi), 1963
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken
Von Phillip Barcio
